Humanité et variations dans Ableton Live

Avec tous les outils fantastiques dont nous disposons aujourd’hui pour produire de la musique, il arrive que le résultat final manque malgré tout un peu de chaleur et d’humanité. Votre morceau n’a probablement pas vocation à sonner comme s’il aurait pu être fabriqué par une machine. Dans cet article, le guest blogger Hens Zimmerman passe en revue plusieurs possibilités dans Ableton Live pour y remédier.

Le défi

Le risque, quand on travaille entièrement « in the box », c’est que tout finisse par sonner un peu trop stérile. Fini le temps des magnétophones capricieux, du hardware analogique qui change de son quand il chauffe, et autres joyeusetés du genre. Et les productions des années 60 et 70, que nous aimons tant, n’étaient de toute façon pas aussi « au clic » que les boucles que nous pouvons aujourd’hui coller les unes sous les autres. Sur l’illustration 1, vous voyez des doubles-croches entrées en MIDI avec une précision inhumaine. Bien sûr, c’est parfois exactement ce qu’il faut selon votre style musical, mais pour l’instant, partons du principe que nous voulons y remettre un peu d’humanité.

Illustration 1 : timing des notes d’une rigidité inhumaine

Grooves

Ableton Live propose toutes sortes de moyens de ramener de l’humanité dans vos morceaux. Cela ne signifie évidemment pas que le tempo de votre track doit partir dans tous les sens, mais plutôt que l’on peut introduire subtilement des variations de timing et de velocity (le volume) dans certains éléments. L’une des méthodes les plus simples s’appelle la Groove Pool. Double-cliquez sur un clip MIDI auquel vous voulez ajouter un peu d’humanité. Cliquez ensuite sur le bouton Hot-Swap à côté de Groove. Sur l’illustration 2, vous voyez où il se trouve.

Illustration 2 : bouton Hot-Swap Groove

La Groove Pool, qui contient des grooves très variées, s’ouvre à gauche dans Ableton Live. Il est plutôt utile de cliquer sur le petit bouton avec des vagues en bas à gauche (voir la flèche sur l’illustration 3), car il cache encore quelques options intéressantes que nous aborderons aussi. Une groove est une combinaison d’informations de timing et de velocity, que vous pouvez appliquer à un clip MIDI. Ou à un grand nombre de clips MIDI !

Illustration 3 : Ableton Live Groove Pool

Vous pouvez essayer les différentes grooves en les sélectionnant : une sorte de métronome vous fait alors entendre à quoi ressemble la groove en question. En lançant la lecture de votre clip et en appuyant sur Enter, vous pouvez tester des grooves pour entendre leur effet sur votre clip MIDI. Tant qu’Ableton Live est en mode Hot-Swap, vous pouvez auditionner des grooves. Voici quelques points utiles à connaître au sujet des grooves :

Quand vous choisissez une groove pour un clip, vous entendez l’effet sur le timing, mais vous ne voyez pas encore les notes se décaler par rapport au grid bien droit sur lequel elles sont probablement posées. En cliquant sur le bouton Commit Groove (voir illustration 4), les informations de la groove deviennent également visibles dans les notes (voir illustration 5).
Les grooves utilisées dans votre projet se retrouvent dans le sélecteur Groove de chaque clip (voir illustration 6). C’est évidemment très pratique pour faire marcher une basse au même « pas » que la batterie, en utilisant la même groove — et donc les mêmes micro-écarts de timing — sur les deux clips.
Aussi difficile que cela puisse paraître, vous pouvez aussi appliquer des grooves à des clips audio ! Cela se fait exactement comme avec des clips MIDI, sauf que Live place alors des warp markers dans votre clip audio.
Vous pouvez extraire des grooves à partir de vos clips aussi bien en Arrangement View qu’en Session View. Vous pouvez ainsi emprunter le « feel » d’un hit et l’appliquer à votre propre musique. Il suffit de faire un clic droit sur un clip puis de choisir Extract Groove(s) (voir illustration 7). Vous pouvez donc enrichir la Groove Pool, constituer votre propre collection de grooves et la réutiliser dans vos productions.
Vous pouvez aussi n’appliquer une groove qu’en partie à un clip : le timing des notes n’est alors déplacé que d’un certain pourcentage.

Illustration 4 : groove active mais pas encore « committed »

Illustration 5 : groove « committed », ce qui se voit dans le timing des notes

Illustration 6 : les grooves choisies se retrouvent partout dans vos clips

Illustration 7 : voler la groove d’un clip d’Aquasky

Pour voir concrètement la liste précédente, nous allons parcourir un petit exemple. Dans ce cas, je vais extraire la groove de Boogie Wonderland de Earth, Wind & Fire. Mais vous pouvez bien sûr choisir un autre morceau. Ce titre de 1979 n’est pas joué de manière parfaitement « au clic », donc il faut le auto-warper dans Ableton Live. Le processus d’auto-warp demande parfois un peu de patience. Si Live se trompe lourdement sur un morceau, supprimez d’abord le fichier .asd dans le même dossier que votre morceau, puis essayez à nouveau. Dans tous les cas, Auto-Warp Long Samples doit être coché dans vos Preferences et, personnellement, j’ai davantage de réussite avec Beats comme mode d’auto-warp qu’avec les autres modes (voir illustration 8). Autre astuce parfois utile : rapprocher déjà le tempo de Live du tempo du clip que vous allez importer et auto-warper. Quoi qu’il en soit, une fois Boogie Wonderland déposé sur une nouvelle piste audio, on voit clairement sur la forme d’onde que Live l’a correctement warpé. Sur l’illustration 9, vous voyez comment les beats du morceau coïncident avec le grid. On voit aussi, à titre d’illustration, à quel point le morceau n’est pas « au clic », parce que j’ai défini ce clip comme Warp Lead : Live applique alors des changements de tempo, et toute la session suit en boitant le timing de 1979. Mais passons.

Illustration 8 : préférences Ableton Live concernant l’auto-warp

Illustration 9 : Earth, Wind & Fire correctement auto-warpé par Live

Pour obtenir la groove de ce morceau, il faut d’abord se demander quelle partie du titre est la plus pertinente à analyser. Ableton Live est assez intelligent en coulisses, donc on peut aussi choisir de sélectionner tout le morceau. Vous pouvez également n’utiliser qu’une sélection de quelques mesures, ou extraire la groove d’un clip en Session View. Pour ma part, je laisse Live transpirer sur l’intégralité du morceau de Earth, Wind & Fire. Faites un clic droit dessus dans Arrangement View et choisissez Extract Groove(s).

Illustration 10 : Live analyse le morceau pour en extraire une groove

Sur l’illustration 10, vous voyez à quoi cela ressemble. Comme je laisse analyser tout le morceau, cela prend un peu de temps. Un bon moment pour aller chercher de quoi boire et grignoter.

Illustration 11 : enregistrer la groove dans votre propre User Library

Quand Live a terminé et que la groove a été extraite du morceau, elle apparaît automatiquement dans la Groove Pool. Vous pouvez ensuite l’enregistrer, afin que vos grooves soigneusement conservées deviennent une partie de votre User Library. Vous pourrez alors les réutiliser dans de futurs projets. Sur l’illustration 11, vous voyez où se trouve le bouton Save pour enregistrer votre groove, et où la retrouver ensuite dans la User Library. Une fois la groove enregistrée, créons un nouveau projet et un clip MIDI avec une partie de batterie jouée de façon ultra rigide. Si vous manquez d’inspiration, vous pouvez bien sûr glisser quelque chose depuis vos Packs. Sur l’illustration 12, vous voyez mon rythme « au clic » et sans la moindre respiration. Faites glisser votre groove sauvegardée depuis la User Library vers la Groove Pool. Nous avons déjà évoqué le fait qu’une groove contient, en plus du timing, des informations de velocity. Nous voulons aussi les entendre. Sur l’illustration 12, toutes mes frappes ont exactement la même intensité. Ce n’est évidemment pas ainsi qu’un batteur humain jouerait.

Illustration 12 : le rythme joué avec une rigidité inhumaine

Dans chaque groove de la Groove Pool, vous pouvez aussi effectuer quelques réglages. Dans notre cas, nous mettons Velocity à 100 %, pour que les variations humainement « plus fort / plus doux » de Boogie Wonderland se retrouvent dans notre clip. Sur l’illustration 13, vous voyez comment procéder dans l’ordre. On glisse donc d’abord notre groove depuis la User Library vers la Groove Pool. On règle Velocity sur 100, pour que les informations éventuelles de « fort/doux » issues de la groove atterrissent dans notre clip. Ensuite, dans le sélecteur Groove de notre clip, on choisit la groove que l’on vient d’ajuster. Enfin, avec la flèche Commit Groove, les informations sont effectivement écrites dans le clip MIDI. On voit maintenant clairement que le timing et la velocity des notes sont bien plus humains. Écoutez : c’est nettement plus vivant, n’est-ce pas ?

Illustration 13 : appliquer votre propre groove à un clip MIDI

Pour notre dernière expérience avec les grooves, nous allons aussi traiter la partie de basse correspondante, mais cette fois avec un clip audio. Je choisis Bass Guitar Sights 115 bpm D depuis les Samples d’Ableton Live, mais vous pouvez bien sûr prendre autre chose. Cette partie de basse fait 8 mesures, donc je duplique la clip de batterie précédente trois fois pour l’écouter tranquillement en boucle (sélectionnez dans Arrangement View, Cmd+L, barre d’espace). Le bassiste n’a effectivement pas l’air de se soucier du rythme de notre groove. Si l’on suit exactement les mêmes étapes qu’avant, la basse sonne étrangement faible et hachée. Sur l’illustration 14, vous voyez le problème : les informations de Velocity issues de la groove ont été placées comme une enveloppe de volume de clip dans le clip audio. Beaucoup trop extrême pour cette partie de basse.

Illustration 14 : enveloppe de volume de clip issue de la groove

Essayons à nouveau avec 8 % d’informations de velocity issues de la groove. Si l’on choisit cette groove et que l’on clique sur Groove Commit, le résultat sonne bien mieux ! Sur l’illustration 15, vous voyez comment Live a placé et déplacé un grand nombre de warp markers pour aligner le timing sur l’information de timing de notre groove, et comment une enveloppe de volume subtile a été ajoutée au clip.

Illustration 15 : timing de groove (100 %) et velocity (8 %) appliqués à un clip audio.

Avec les grooves seules, vous pouvez déjà introduire beaucoup de variations humaines dans vos projets Ableton Live. Mais bien sûr, il n’est pas question de s’arrêter là. Voici encore trois conseils pratiques à tester.

Astuce 1 – Chaleur analogique

Ce que nous aimons tant dans les anciens magnétophones à bande, le vinyle, les amplis à lampes et les consoles analogiques, c’est en réalité une petite dose de distorsion subtile. Le caractère non linéaire de la bande et de l’électronique analogique fait apparaître des harmoniques supplémentaires dans le signal, que nous trouvons parfois agréables. C’est précisément cette chaleur qui peut manquer dans des projets trop numériques, et il est donc utile de savoir que vous pouvez l’émuler avec des plugins. L’un de mes plugins Live préférés est le nouveau Color Limiter. De toute façon, il est utile et prudent de terminer la chaîne de signal de votre projet par un limiteur sur le bus Master ; c’est donc là que nous plaçons le Color Limiter.

Illustration 16 : Color Limiter

Il s’agit d’un device Max-for-Live : vous pouvez donc, si vous le souhaitez, l’ouvrir, le déverrouiller et l’adapter à vos besoins. Ce Color Limiter utilise un « one pass filter », grâce auquel on peut aussi ajouter un peu de chaleur à la musique en ouvrant légèrement le bouton Saturation. Vous pouvez encore ajuster la couleur sonore avec le bouton Color, mais c’est surtout un filtre lowpass (atténuation des aigus), donc inutile d’en attendre des miracles.

Il existe encore de nombreuses autres façons d’ajouter une chaleur analogique simulée à votre projet. Voici quelques pistes, au hasard :

La saturation sur le bus Master est une approche un peu « à la hache ». Vous pouvez aussi envisager d’ajouter de la chaleur uniquement sur certaines pistes individuelles via de la saturation.
Live propose également le plugin Dynamic Tube, le Vintage Tape Channel Audio Effect Rack et le plugin Saturator à tester. Tout cela fait déjà partie de ce que vous avez acheté avec Ableton Live Suite 11.
Réduire la résolution à, par exemple, 12 bits ajoute aussi beaucoup d’harmoniques à votre signal. Pour cela, ajoutez un plugin Redux à une piste. Essayez sur des drums qui ne sonnent pas assez « rugueux ». Le sampler vintage Akai S900 de 1986, mondialement connu, était lui aussi un sampler 12 bits. Je dis ça, je dis rien.
Si vous êtes prêt(e) à investir, il existe toutes sortes de solutions hardware intéressantes, comme la 500 series Empirical Labs DocDerr EL-Rx-V enhancer, la Drawmer 1976 Stereo Three Band Saturation Width Processor, l’Empirical Labs Fatso EL7x analoge tape simulator / optimizer ou la Solid State Logic Fusion bus processor.
Vous cherchez une variante logicielle ? Faites une recherche sur des plugins de simulation de bande (« tape simulation plugins »). Un nouveau monde s’ouvrira à vous.

Astuce 2 – Faire danser le panoramique

L’humanité se cache souvent dans de petites imperfections qui, additionnées, donnent l’impression d’une musique organique et agréable. Par exemple, vous pouvez faire « danser » légèrement le panoramique d’une piste de manière imprévisible autour du centre. Un guitariste ne reste pas immobile, pile au même endroit sur scène : imitons cela dans Ableton Live. Par défaut, le panoramique d’une piste est strictement au centre, mais on peut facilement moduler ce réglage avec un LFO (Low Frequency Oscillator). Commencez par créer une piste avec une guitare qui joue au centre. Ajoutez ensuite un plugin LFO depuis les Audio Effects de Live. Dans le LFO, cliquez d’abord sur Map puis sur le contrôle de panoramique de votre piste. Sur l’illustration 17, vous voyez comment faire. La guitare va maintenant partir violemment de gauche à droite. Ce n’est pas ce que l’on appelle subtil et imprévisible, donc réglons cela.

Illustration 17 : LFO mappé sur le panoramique

Sur l’illustration 18, vous voyez le LFO réglé sur Random, avec un peu de Jitter. Ajustez le tout à votre goût jusqu’à ce que vous n’entendiez presque plus l’effet de manière consciente. Vous pouvez évidemment ajouter beaucoup de LFO et les mapper à toutes sortes de contrôles. Les MIDI Instruments possèdent généralement aussi de nombreux paramètres pouvant être mappés. Une manière que j’aime beaucoup pour introduire de l’imprévisibilité dans mes propres morceaux consiste à ajouter un effet Beat Repeat sur une piste et à faire bouger presque tous ses paramètres avec des LFO aléatoires. C’est particulièrement intéressant si tous ces LFO bougent à des vitesses différentes : il faut alors très longtemps avant qu’ils ne se retrouvent tous au même point et ne recommencent ensemble.

Illustration 18 : un LFO aléatoire réglé de façon subtile

Astuce 3 – Variations lentes

Tout ce que nous avons abordé jusqu’ici fonctionne sur le court terme : on entend la différence immédiatement. Une très belle manière d’ajouter de la variation dans vos projets consiste à introduire des variations lentes sur le long terme. Là encore, les traitements subtils fonctionnent souvent mieux que des courbes trop drastiques. Les variations évidentes sont celles du tempo et du niveau sonore, mais ce n’est pas forcément de ce type de variations dont je parle ici.

Le risque, avec beaucoup de musique produite « in the box », c’est que des sections entières soient des répétitions exactes d’un même passage. Cela peut donner une impression stérile et statique. En apportant de petits changements continus à la couleur sonore, vous vous assurez qu’aucune partie de votre morceau n’est exactement identique à une autre. J’utilise cela dans presque tous mes projets Ableton Live pour donner plus d’évolution aux morceaux.

Un bon plugin pour commencer est l’effet Auto Filter. Vous le trouverez dans Audio Effects. Par défaut, l’Auto Filter est en lowpass, mais rien ne vous empêche de l’utiliser autrement. En faisant évoluer lentement la fréquence de l’Auto Filter dans le temps, vous pouvez rendre une piste beaucoup plus intéressante. Sur l’illustration 19, vous voyez comment la fréquence du filtre augmente lentement (le filtre LP s’ouvre), redescend, remonte, puis redescend à nouveau. La fréquence de cutoff varie ainsi pendant environ deux minutes entre 2 kHz et 8 kHz, et n’est à quelques instants que très brièvement exactement la même. J’ai dessiné cette courbe d’automation à la main dans Arrangement View. Avec la touche A, vous basculez entre Automation et Clips. Si vous n’aimez pas les lignes droites, vous pouvez les transformer en courbes en maintenant la touche Alt.

Illustration 19 : variation progressive de la fréquence de l’Auto Filter

Il est intéressant d’expérimenter, car cela mène à des variations surprenantes dans votre morceau, difficiles à prévoir. Sur la figure 20, vous voyez un exemple d’un élément de percussion (tiré du pack Konkrete Breaks), où je fais évoluer lentement dans le temps la transposition, la quantité de lecture inversée et l’aléatoire. Comme ces courbes d’automation ne sont pas synchronisées entre elles, le résultat est que les changements prennent un caractère très organique. À aucun moment, il ne se passe exactement la même chose sur ces percussions, ce qui maintient l’intérêt du morceau.

Illustration 20 : variation progressive de différents paramètres de percussions

Vous pouvez aussi appliquer ce type de courbes volontairement à certaines sections de votre morceau. Par exemple, en augmentant progressivement la Saturation de votre Color Limiter vers la fin, le morceau devient graduellement plus saturé à mesure que l’on approche de la conclusion. Vous pouvez ensuite refaire redescendre ces harmoniques supplémentaires au moment où le morceau doit perdre en énergie. Voici encore quelques idées, au hasard, pour expérimenter :

Ajoutez un effet audio Auto Pan et automatisez Amount et Frequency pour rendre une piste plus intéressante. Cela fonctionne très bien sur de longs sweeps ou risers. Si ces éléments se mettent à osciller de plus en plus fort et de plus en plus vite, cela crée aussi un sentiment d’urgence.
Vous pouvez également appliquer des courbes d’automation à des plugins tiers, comme Serum. Cliquez simplement sur Configure et tournez, dans votre soft synth, les paramètres que vous souhaitez automatiser. Sur l’illustration 21, vous voyez à quoi cela ressemble.
Il est impossible de deviner rationnellement l’effet de ce type de traitements sur tous les plugins. Placez un Phaser-Flanger sur une piste au hasard et faites varier Amount de 10 à 15 % sur 6 minutes. Et que se passe-t-il si vous laissez un LFO aléatoire, comme sur l’illustration 18, contrôler le Dry/Wet ? Le mot d’ordre ici : expérimenter.

Illustration 21 : automatiser des paramètres de Serum dans Live

Conclusion

Dans cet article, vous avez appris comment intégrer de l’humanité et de la variation dans vos morceaux, de différentes façons. Certains traitements agissent immédiatement et changent le son sur-le-champ. D’autres évoluent sur le long terme, ce qui rend un morceau intéressant et moins stérile ou prévisible. Bien sûr, vous n’êtes pas obligé(e) d’utiliser tous les conseils de cet article pour construire rapidement un track plus vivant. Mais d’un autre côté, combiner certaines de ces techniques vaut clairement le coup.

Amusez-vous bien, et partagez vos propres astuces « humanisation » dans les commentaires ci-dessous !