Musicien

Housse ou étui pour guitare ? Tôt ou tard, tout guitariste se pose la question, généralement au moment de sortir de chez soi pour la première fois avec son instrument. Un étui protège mieux, une housse est plus légère et plus pratique. Le bon choix dépend surtout de l’endroit où va votre guitare et de ce qu’elle subit en chemin.

Sur de nombreuses interfaces audio et tables de mixage, vous trouverez une entrée portant l’inscription Hi-Z, Inst ou accompagnée d’une petite guitare. À quoi sert-elle ? En bref : une entrée Hi-Z est conçue pour le signal à haute impédance d’une guitare électrique ou d’une basse, afin qu’il arrive clair et précis lorsque vous branchez l’instrument directement. Si vous branchez votre guitare ailleurs, vous l’entendrez tout de suite.

Dreadnought ou jumbo : si vous cherchez une grande guitare folk, vous tomberez tôt ou tard sur ces deux-là. Toutes deux sont grandes et puissantes, avec une bonne dose de basses. Pourtant, le choix est moins compliqué qu’il n’y paraît : la dreadnought est la référence polyvalente, la jumbo fait encore une taille de plus et sollicite davantage votre corps. Ce sont vos bras et vos oreilles qui, ensemble, trancheront.

Vous êtes gaucher et vous voulez apprendre la guitare ? Tôt ou tard, vous vous poserez la question : dois-je acheter une guitare pour gaucher ou simplement apprendre à jouer en droitier ? Environ une personne sur dix est gauchère, vous n’êtes donc vraiment pas le seul à hésiter. Ma réponse : il n’y a pas de mauvais côté, tant que vous choisissez celui qui vous semble naturel et que vous n’en changez plus ensuite.

La couleur d’une guitare n’a aucune influence sur le son, et le vernis tout au plus une toute petite. Cette différence est si minime et si controversée qu’il vaut mieux choisir en fonction de l’apparence, du toucher et de la façon dont la guitare vieillit, surtout pour une guitare électrique. Pourtant, le débat entre les adeptes de la nitro et ceux du poly dure depuis des décennies. Il y a bien un fond de vérité, mais pas là où vous l’attendez.

Auteur invité et multi-instrumentiste Nigel Hubée explique (dans la continuité de son précédent blog sur la configuration de son studio) comment un musicien peut se préparer à une séance d’enregistrement réussie, dans son propre studio ou dans celui de quelqu’un d’autre. Il y aborde aussi bien des aspects physiques que psychologiques. Ceux-ci sont indissociables et jouent un rôle majeur dans le résultat final. Nigel espère que réfléchir aux conseils ci-dessous mènera à de meilleures performances musicales et aidera à éviter les mauvaises surprises !

Queen était unique. Autrement dit : si vous voulez sonner comme Queen, alors vous devez justement sonner unique — et donc pas comme Queen. Quel dilemme. Mais plus sérieusement : imiter la musique de votre groupe préféré est évidemment très amusant, formateur et inspirant. Dans cet article, nous explorons le son reconnaissable que les membres de Queen — Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor et John Deacon — ont créé sur leurs albums studio.

Dans nos articles consacrés aux accords, nous avons déjà passé en revue tous les accords les plus courants. Pour compléter la série, nous abordons dans cet épisode quelques accords particuliers, tels que le mineur‑majeur (mΔ), le septième augmenté (+7) et l’accord diminué avec grande septième (oΔ). Ces accords sont souvent utilisés comme accords de passage. Il est donc utile de les connaître, même s’ils ne sont pas très fréquents !

Le trombone fait partie de la famille des cuivres graves et apporte souvent la profondeur et le “corps” du son. Vous le retrouvez aussi bien dans les orchestres symphoniques que dans les big bands, les groupes de salsa ou encore les sections de cuivres des groupes pop. Lorsqu’un tromboniste utilise une grande sourdine en forme de ventouse (plunger) devant le pavillon, il peut produire des sonorités étonnamment proches de la voix humaine. Le trombone sait parler, se lamenter, pleurer, rire, rugir ou émouvoir, ce qui en fait l’un des instruments les plus expressifs qui soient. 

Dans notre premier article consacré aux accords, nous avions déjà évoqué les accords diminués, augmentés et de septième. Cette fois, allons plus loin et découvrons leur rôle et leur construction. Nous verrons par exemple ce qui caractérise l’accord de septième « classique » (la septième de dominante), mais aussi les variantes mineure et majeure. Nous expliquerons également la différence entre un accord diminué et un accord demi‑diminué, notions essentielles pour enrichir votre jeu. Enfin, nous clarifierons des termes souvent utilisés en théorie musicale comme diatonique, non diatonique et sons enharmoniques équivalents

Dans notre article sur les accords, nous avons appris comment les accords sont construits. Il est temps de passer à l’étape suivante : la progression d’accords, c’est-à-dire lorsque vous enchaînez plusieurs accords. Nous aborderons les degrés, la construction de la tension, les notes sensibles, la résolution et les accords suspendus. Tout cela est un peu fastidieux, mais une fois ces notions assimilées, il devient beaucoup plus simple de déchiffrer des grilles d’accords.

Dans cet article, nous allons plonger un peu plus profondément dans la théorie de l’harmonie. Après avoir exploré les accords de 7e, place aux accords enrichis : les 9e, 11e et 13e. Ces accords, incontournables dans le jazz, trouvent aujourd’hui aussi leur place dans la pop et d’autres styles modernes. Ils apparaissent lorsque l’on poursuit l’empilement des tierces au‑delà de la septième..