Comment sonner comme… Queen ?

Queen était unique. Autrement dit : si vous voulez sonner comme Queen, alors vous devez justement sonner unique — et donc pas comme Queen. Quel dilemme. Mais plus sérieusement : imiter la musique de votre groupe préféré est évidemment très amusant, formateur et inspirant. Dans cet article, nous explorons le son reconnaissable que les membres de Queen — Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor et John Deacon — ont créé sur leurs albums studio.

Très varié

Le son de Queen n’est pas si facile à définir, parce que leurs chansons sont très variées. Mettez l’immensément populaire album Greatest Hits, et vous entendez d’abord Bohemian Rhapsody, suivi de Another One Bites The Dust. Difficile de faire plus différent. Pourtant, nous allons essayer d’identifier les éléments les plus reconnaissables de la musique de Queen. Ils ne s’appliqueront évidemment pas à tous les morceaux. Le seul trait vraiment commun à toutes les chansons (connues) de Queen, c’est bien sûr la voix de Freddie Mercury. Mais c’est aussi l’élément le plus difficile à imiter… à moins de s’appeler Marc Martel, qui a d’ailleurs assuré des parties de chant pour le film Bohemian Rhapsody là où les enregistrements originaux de Freddie ne pouvaient pas être utilisés.

La recette courte pour se rapprocher du son Queen est la suivante :

• Des harmonies vocales à 3 ou 4 voix (chaque partie doublée 2 ou 3 fois par 3 chanteurs)
• Des harmonies de guitare à 3 voix, enregistrées en multipiste
• Le son de guitare de Brian May (Amplitube)
• Un charleston ouvert sur le backbeat (ça semble anodin, mais c’est très caractéristique)

Mais ce n’est pas si simple. Il y a bien plus que ça, comme vous le lirez dans la suite de l’article.

Le son de Queen

La base de Queen, c’est la formation typique d’un groupe de rock des années 70 : chant, guitare électrique, basse, batterie et piano.

Le chant lead de Freddie Mercury

Comme dit plus haut, le timbre de Freddie n’est pas facile à imiter. Vous pouvez sûrement vous en approcher en expérimentant différentes techniques vocales — idéalement avec un accompagnement. Mais il est probablement plus judicieux (et plus sain) de vous concentrer moins sur le son exact, et davantage sur la manière dont Freddie abordait les chansons. En studio, Freddie n’enregistrait jamais les lead vocals « au feeling » : il réfléchissait précisément à l’avance, et veillait à ce que chaque passage reçoive exactement l’émotion et la couleur qu’il méritait — de velouté à carrément hurlé. Et il continuait jusqu’à ce que ce soit exactement comme il le voulait.

I Want To Break Free en est un excellent exemple. C’est une chanson qui paraît simple. Et, d’une certaine façon, c’est vrai si l’on regarde la grille d’accords et l’accompagnement plutôt épuré. Mais écoutez la partie de chant de Freddie, et vous entendez que littéralement chaque ligne est interprétée d’une manière unique. Sans ces choix et ces efforts, il est très probable que ce titre ne serait jamais devenu un classique.

Et puis il y a la précision de Freddie. Bien sûr, il était doté d’une excellente oreille musicale et d’une grande justesse, mais surtout, il ne s’arrêtait pas tant qu’une prise n’était pas parfaite. Un exemple : les harmonies vocales qu’il a enregistrées seul sur You Take My Breath Away. Le guitariste Brian May cite parfois ce morceau quand il parle du talent vocal de Freddie. Là où Freddie a superposé plusieurs fois la même ligne, les voix deviennent parfois si proches que les ondes sonores interfèrent entre elles. La plupart des chanteurs ne pourraient obtenir ce « battement » qu’en activant tout simplement un effet de flanger dans leur DAW.

Vous vous dites peut-être : « Si Freddie chantait si parfaitement, je n’ai qu’à corriger ma voix avec AutoTune ou Melodyne. » Mais ça ne marche pas comme ça. Importez des prises de Freddie dans l’un de ces logiciels, et vous verrez que les notes ne sont pas constamment parfaitement « dans les lignes ». Et c’est tant mieux, parce que sinon, on perdrait le caractère. Et du caractère, les enregistrements de Freddie en avaient largement.

Le jeu de piano de Freddie

À la base, Freddie Mercury jouait un piano rock plutôt direct. Autrement dit : des accords à trois ou quatre notes à la main droite, et des basses (doublées) à la main gauche. De temps en temps, il ajoutait des fioritures selon ce que la chanson demandait — comme les petites phrases aux accents classiques dans Love Of My Life — mais c’était l’exception plutôt que la règle. En revanche, ce qui restait constant, c’était son attaque puissante et brûlante, et sa précision quasi métronomique. Un morceau où tout cela se retrouve parfaitement : Don’t Stop Me Now :

En studio, Freddie préférait jouer sur un piano à queue, par exemple un Bösendorfer ou un Steinway (deux références). Cela dit, gardez en tête que tous les morceaux de Queen n’utilisent pas du piano ; mais c’est malgré tout un élément logique si vous écrivez dans le style de ce groupe.

Les backing vocals de Queen

Les chœurs si reconnaissables de Queen étaient assurés par les membres du groupe eux-mêmes, à l’exception du bassiste John Deacon. Pour obtenir une harmonie vocale monumentale comme dans la partie centrale de Bohemian Rhapsody, les trois hommes enregistraient chaque ligne ensemble deux ou trois fois. Donc : à trois, ils chantaient simultanément la première ligne, autour d’un seul micro. Pour obtenir un son plus plein et plus grand, ils réenregistraient cette même ligne une ou deux fois par-dessus, puis ils faisaient la même chose pour les autres parties de l’harmonie. Donc, s’ils enregistraient des harmonies à quatre voix, on pouvait arriver à : 3 chanteurs x 3 overdubs x 4 lignes vocales = le son de 36 chanteurs. C’est quelque chose que vous pouvez imiter dans vos propres enregistrements… sauf que vous n’avez peut-être pas trois voix aussi typées, et qui se complètent aussi bien. Car c’était le cas des voix de Freddie, Brian et Roger. Même lorsqu’ils chantaient ensemble une ligne à l’unisson, le résultat sonnait déjà énorme et large. Il faut avoir cette chance-là.

Là où vous pouvez, en revanche, vraiment agir, c’est sur la performance. En studio, Queen chantait et jouait volontairement avec une attitude comme s’ils étaient sur scène, en mode « tout ou rien ». Une fois l’enregistrement lancé, selon eux, il ne fallait pas se concentrer sur le fait de chanter proprement dans le tempo et juste : il fallait se donner à fond. Ensuite, on écoute si la prise est bonne et, si besoin, on recommence. Enfin : si vous voulez que ça sonne grand, n’essayez pas de chanter les différentes parties exactement de la même manière. Ce sont justement les petites différences (acceptables) de timing et de hauteur entre les chanteurs et les pistes qui donnent l’impression d’un grand chœur. Un exemple très parlant : Somebody To Love :

Pour être clair : pour obtenir tout cela, il faut d’abord écrire les harmonies à trois ou quatre voix note par note. Il ne suffit absolument pas, par exemple, de chanter « en pilote automatique » une tierce au-dessus de la ligne principale. Il ne faut pas non plus être paresseux et poser un simple tapis vocal évident derrière le chant (« ouououou, aaaaaa »). Comme on l’entend dans Somebody To Love, les backing vocals peuvent remplir toutes sortes de fonctions : d’un simple accord d’ambiance de soutien à un jeu complexe avec la voix lead et d’autres instruments. Là encore, tout dépend de ce dont la musique a besoin à cet endroit.

Le jeu de guitare de Brian May

La force de Brian May tient surtout à sa capacité à créer des sons et des arrangements particuliers, plutôt qu’à des techniques de guitare virtuoses — même s’il a clairement un très bon niveau technique. Le héros de la guitare Steve Vai a un jour eu l’occasion de jouer sur la guitare de Brian, via son équipement, en s’attendant à entendre le son Brian May ; mais à sa déception, ça sonnait tout simplement comme Steve Vai. Donc, même avec tout le rig de Brian, vous n’obtiendrez pas exactement son son. Il y a aussi « les doigts ». Cela dit, vous pouvez bien sûr essayer de vous en approcher autant que possible. Si vous avez de l’argent à dépenser, achetez ceci :

• (Une réplique de) la Red Special, c’est-à-dire la guitare unique de Brian, qu’il a construite avec son père vers l’âge de seize ans. Ils l’ont fabriquée parce qu’ils n’avaient tout simplement pas les moyens d’acheter une vraie Fender ou Gibson. Mais ils étaient ambitieux et voulaient même rendre l’instrument meilleur que ce qui existait à l’époque. Il y aurait beaucoup à dire, mais pour ce qui est du son unique, retenez ceci : la Red Special possède un système de micros particulier : chacun des trois micros a son propre switch on/off et un switch phase/out of phase, ce qui offre un large spectre de sons, du type Strat au type Les Paul. En plus, Brian a rendu la guitare plus ou moins semi-acoustique — une partie du corps est creuse — afin de créer une interaction plus forte avec l’ampli, et de pouvoir jouer davantage avec le feedback. Enfin, la Old Lady, comme on l’appelle aussi, possède un système de tremolo permettant des bends de hauteur comme avec un Floyd Rose, ce qui était assez particulier à l’époque — surtout vu que Brian et son père avaient imaginé leur propre système. À noter : le seul enregistrement de Queen où Brian joue une autre guitare est Crazy Little Thing Called Love. Queen voulait un son Fender Telecaster, et Brian a dit au producteur Mack que la Red Special pouvait très bien faire ce genre de son, mais Mack a simplement répondu : « Si vous voulez que ça sonne comme une Telecaster, pourquoi ne pas utiliser tout simplement une Telecaster ? »
• Un ampli VOX AC30 + un treble booster entre la guitare et l’ampli (jetez un œil à la pédale Catalinbread Galileo)
• (Une réplique du) « Deacy Amp », le petit ampli construit par le bassiste John Deacon. Il permettait d’obtenir des sons très variés et a été utilisé sur de nombreuses prises de Queen, jusque sur l’album solo le plus récent de Brian, Another World.
• Comme médiator : une pièce de sixpence (qui n’est plus en circulation).
• Un phaser.
• Une wah, mais pas pour créer des effets wah. Brian utilisait généralement des positions fixes de wah pour mettre en avant une fréquence spécifique, par exemple pour obtenir un son plus nasal.
• Une unité d’effets avec double delay (réglée sur 800 et 1600 ms) pour construire les célèbres parties d’écho à trois voix de Brian, comme dans le passage central de Brighton Rock.

Mais vous pouvez aussi commencer par utiliser, dans votre DAW, la bien plus abordable plugin Brian May Amplitube d’IK Multimedia. Développée en collaboration avec Brian May lui-même, elle vous permet — avec votre guitare électrique — d’imiter pratiquement n’importe quel son de guitare Queen. Vous pouvez même y simuler la Red Special. La seule chose qui manque : la sixpence.

Tout comme la voix de Freddie, les parties de guitare de Brian font toujours ce dont la chanson a besoin à chaque instant. Ça peut aller de rugueux et grondant à doux et raffiné. On entend par exemple le côté polyvalent et agressif de Brian dans Death On Two Legs. On sent qu’il ne règle absolument pas son équipement sur « mode distortion » pour ne plus y toucher ensuite : une large palette de sons de guitare défile :

Dans Good Company, Brian May fait joyeusement imiter à sa guitare une section complète de cuivres Dixieland. Et là encore, comme chez Freddie, on retrouve un perfectionnisme presque absurde : Brian a enregistré cet orchestre pratiquement note par note, pour se rapprocher le plus possible des timbres des différents vents (clarinette, trombone, trompette, etc.). Autrement dit : appuyer sur record, enregistrer une note (ou peut-être quelques-unes), changer les réglages de votre équipement, enregistrer la note suivante, et ainsi de suite.

Et nous arrivons ainsi aux harmonies de guitare immédiatement reconnaissables de Brian May. Good Company n’est pas l’exemple le plus typique, puisque plusieurs mélodies s’y croisent. On connaît surtout les harmonies de Brian dans des parties fluides et homophones. Homophone = à plusieurs voix, mais contrairement à la polyphonie : « simplement » des accords, au lieu de mélodies plus ou moins indépendantes qui se déplacent les unes contre les autres. Dans un morceau comme Dreamer’s Ball, le guitariste de Queen a pu se lâcher sur de savoureux petits orchestres de guitares, dans le style May typique :

Mais obtenir exactement ce son, comme Steve Vai l’a déjà souligné, ne sera pas si simple. Freddie a un jour demandé à un guitariste de session d’appliquer ce « truc » sur son album solo, dans le morceau Man Made Paradise, mais il est clair que — aussi bien exécuté soit-il — ça sonne un peu raide comparé à Brian.

Photo (retouchée) : Flominator

La batterie de Roger Taylor

Le jeu de Roger Taylor est généralement du pur rock 70’s : grand, gros, et pas exagérément complexe (n’en faites pas du Rush !). Roger cherchait à enregistrer la batterie de manière spatiale, comme si elle se trouvait dans votre pièce (sauf exceptions) et à jouer les cymbales systématiquement en même temps que la batterie. Cela veut dire que lorsqu’il frappait, par exemple, une crash, il tapait en même temps la grosse caisse. Mais sa marque la plus reconnaissable, c’est le charleston ouvert sur le backbeat : à chaque fois qu’il frappait la caisse claire sur les temps 2 et 4, il ouvrait brièvement le charleston (« pshh »). Dans Somebody To Love, écrit par Freddie Mercury, on entend tous ces éléments, y compris la mesure en 6/8 (même si 12/8 est peut-être plus précis), que Roger adorait jouer :

Roger Taylor a joué la majeure partie de sa carrière sur des batteries Ludwig (mais il aurait aussi utilisé Gretsch en studio) et généralement sur un mélange de marques de cymbales. Côté tailles de fûts, il préférait grand : une grosse caisse de 26 pouces et des toms de 12 et 14 pouces n’étaient pas rares. En plus, il n’était pas opposé aux sons électroniques — mais là, on parle plutôt de Queen période années 80 (Radio Ga Ga), que beaucoup n’associent pas au « son Queen » par excellence.

Le jeu de basse de John Deacon

Le bassiste John Deacon aimait rester en retrait, à tous points de vue. Mais l’une de ses références était Chris Squire, le bassiste de Yes, connu pour des lignes de basse très mélodiques et tout sauf discrètes. Ce genre d’excès n’aurait probablement pas été accepté par ses camarades de Queen (car : c’est plus que ce dont le morceau a besoin). En revanche, ce que John aimait faire, c’était apporter de subtiles mélodies dans ses lignes de basse. Donc : ne pas marteler de manière répétitive la fondamentale de l’accord, mais relier les notes graves des accords entre elles via des notes de passage, tout en apportant de la variation rythmique. Il comblait aussi régulièrement les « trous » de la musique avec de petites fioritures, et n’avait pas peur d’utiliser tout le manche. Dans ses propres morceaux, il s’accordait d’ailleurs volontiers un peu plus d’espace. Écoutez par exemple son célèbre You’re My Best Friend (détail : il ne termine pas sur la fondamentale, mais sur la tierce) :

Vous avez peut-être aussi remarqué que le jeu de basse de John Deacon est musical, mais pas forcément « parfait ». Aujourd’hui, beaucoup de bassistes formés joueraient plus serrés sur le beat, et avec un son plus constant, mais quand vous entendez John avec la batterie, vous constatez que ça sonne tout simplement très bien. Autrement dit : écoutez toujours comment les instruments sonnent ensemble, pas les pistes isolées.

Enfin : John Deacon jouait généralement aux doigts, sur une Fender Precision Bass avec, dans les années 70, surtout des cordes flatwound, puis plus tard aussi des roundwounds. Les amplis variaient beaucoup. Pour en savoir plus, consultez cet article de Musicradar.

Les Mountain Studios à Montreux, propriété de Queen de 1978 à 1995, où ils ont enregistré plusieurs albums :

Photo : Nono du 59

Le songwriting de Queen

Si vous pensez maintenant qu’il suffit d’ajouter des sons pour faire une chanson à la Queen, vous vous trompez. Le son de Queen tient autant au songwriting. Écoutez par exemple cette version live de Somebody To Love. Le morceau tient parfaitement la route, et on peut imaginer qu’il aurait aussi pu être un hit de Queen même sans la production studio habituellement si grandiose et sans le chœur en arrière-plan :

Mélodies

Côté instrumentation et son, Queen était souvent un vrai groupe de rock, mais mélodiquement, on entend davantage d’influences classiques. On retrouve en effet assez peu le côté répétitif typique du rock et du blues dans les mélodies de Queen. Pour commencer, elles évoluent presque toujours dans une grande tessiture. Si vous voulez imiter Queen, il n’est donc pas recommandé de « bricoler » toute la chanson dans une quinte. Prenez au moins une octave — idéalement plus. En plus, il y avait beaucoup de variation dans la mélodie, qui se dirigeait généralement de façon régulière vers un climax. Ne martèle donc pas sans cesse la note la plus haute du morceau : avancez-y lentement, pour que les moments culminants restent spéciaux. Enfin, dans les morceaux de Queen, on entend régulièrement des notes mélodiques qui ne font pas partie de l’accord. Par exemple, un Ré chanté sur un accord de Do. Mais — comme nous le verrons aussi pour les accords — ce n’était pas fait dans une approche jazz. Donc : pas d’insistance pendant des mesures entières sur une dissonance ; juste une touche de couleur/tension, puis un retour assez rapide vers un son plus détendu. Et, comme d’habitude : exceptions mises à part !

Accords et progressions d’accords

Harmoniquement, Queen n’était certainement pas AC/DC ou les Rolling Stones. Comme les Beatles sur leurs albums plus tardifs, les quatre hommes apportaient beaucoup de variation harmonique dans leurs chansons. Les morceaux de Freddie Mercury, en particulier, partaient dans tous les sens. Il a par exemple écrit We Are The Champions, dont voici la grille d’accords (résumée) :

Do mineur   Sol mineur / Do …
Mib    Lab/Mib …
Mib    Sib/Ré     Do m     Fa7    Sib
Lab/Sib    Réb/Sib    Sib7     Do
Fa      La m     Ré m    Sib     Do
Fa     La m     Sib     Sol♭ dim7
Sol m    Do7/Sol     Sib♭ m     Sib m/Réb     Sib m/Mi     Sib m/Sol
Fa      Sol m7    Sib m    Lab m6     Do sus4     Fa m
Sol m/Fa     Fa m    Sol m/Fa     Fa m    Do7 sus4

En moins d’une minute, Freddie change déjà deux fois de tonalité : de do mineur à mi bémol majeur, puis à fa majeur. Même si ces compositions riches harmoniquement — typiques de Freddie — sont peut-être ce qui fait le plus « Queen » aux oreilles de l’auditeur moyen, vous n’êtes pas obligé d’aller aussi loin. Tant que vous retenez ceci :

• Règle la plus importante : vous pouvez faire toutes sortes de pirouettes harmoniques, tant que ça paraît totalement naturel et que c’est entièrement au service de la chanson. N’essayez pas d’être « intéressant » ou intellectuel. Vous ne voulez pas que l’auditeur se dise : « Oh, quel changement d’accord intéressant », mais plutôt : « Oh, quel morceau beau/agréable/sympa ». Queen voulait avant tout divertir.
• Ne tournez surtout pas en boucle sur des progressions I-IV-V et II-V-I ; utilisez aussi beaucoup les autres degrés, dans toutes sortes d’ordres.
• Changer une ou plusieurs fois de tonalité dans le morceau ? Aucun problème. Mais, encore une fois : n’en faites pas un événement, ça doit rester naturel. Et ne le faites pas non plus de façon « cheap » : évitez la modulation simpliste « un ton au-dessus » à la fin d’un morceau.
• Vous disposez de majeur, mineur, diminué, augmenté, suspended 2 et 4, d’ajouts de septième, et ici et là d’une sixte ou d’une neuvième ajoutée.
• Ce qu’il vaut mieux éviter : les accords de 11e et 13e, et toutes sortes d’altérations particulières, comme en jazz.
• Accordez beaucoup d’attention aux notes de basse. En rock, blues et jazz, la basse d’un accord correspond souvent à la fondamentale. Queen a une approche beaucoup plus classique : les basses sont très actives. Autrement dit, il n’est pas rare que la basse soit la tierce, la quinte, la septième, ou même quelque chose de plus inhabituel. Cela offre des possibilités de couleur supplémentaires et des transitions plus fluides entre les harmonies.
• Si vous utilisez un accord qui n’est pas une simple triade majeure ou mineure avec la fondamentale à la basse, assurez-vous que l’accord finisse par se résoudre vers une triade simple. De ce point de vue aussi, Queen restait assez traditionnel, assez « classique ». Un exemple : You’re My Best Friend. Ce morceau pop très accessible commence immédiatement sur un accord de Ré mineur avec un Do à la basse. Mais Queen ne reste pas bloqué dans cette harmonie dissonante : elle se résout proprement sur un accord de Do majeur. En bref : une petite tension, puis retour. Une exception amusante : We Are The Champions, qui se termine sur C7sus4. Mais ça colle parfaitement au morceau : cela suggère que le combat continue indéfiniment.

Solos

Beaucoup de morceaux de Queen ont un solo de guitare, mais il dure en réalité rarement plus longtemps qu’un couplet. Là aussi, il devait servir la chanson. Pas d’esbroufe technique, mais un solo mélodique, comme une continuation de la mélodie vocale. Queen ne faisait pas de solos de batterie, à part un fill de batterie un peu plus long de temps en temps. Même principe pour les solos de basse et de piano.

Textes

Sur les textes, il n’y a pas grand-chose à dire : ils sont assez variés. Une bonne règle, c’est de ne pas les rendre trop grandiloquents — donc, par exemple, pas trop moralisateurs, poétiques, spirituels, militants ou politiques. Chez Queen, il s’agissait avant tout de divertir ; donc même quand un texte était légèrement politique, le message restait secondaire, et l’aspect « chantable » passait en premier. Ensuite, c’est une bonne idée d’éviter les textes trop plats. Donc pas seulement : « I love you baby stay with me I miss you why do you leave me please don’t go ». Essayez au minimum de donner à la chanson quelques phrases marquantes. Les exemples les plus forts sont généralement les textes de Freddie, qui aimait remplir ses morceaux de termes scintillants et très imagés (écoutez par exemple Let Me Entertain You), mais ce n’est pas indispensable. Un morceau comme I Want To Break Free, du bassiste John Deacon, n’a pas un texte exceptionnel, mais des formules comme « break free » et « God knows » suffisent à le faire dépasser des paroles de chansons d’amour totalement banales.

Les deux mots magiques

Les mots magiques dans la musique de Queen sont la variation et le perfectionnisme. Les quatre garçons s’ennuyaient vite et ne supportaient pas qu’un morceau sur lequel ils travaillaient commence à ressembler à une chanson Queen précédente. Il est donc difficile de trouver deux chansons du catalogue de Queen qui se ressemblent. Il faut voir chaque morceau comme une petite œuvre d’art en soi, avec son style propre, son son, sa mélodie, son arrangement, etc. Cette variation se retrouve aussi à l’intérieur des chansons elles-mêmes. Queen voulait toujours raconter une histoire musicale : cela signifiait qu’un nouveau couplet ou refrain ne pouvait jamais être exécuté exactement comme le précédent. Donc oui, vous pouvez conserver une construction traditionnelle si vous le souhaitez (intro, couplets, refrains, solo, bridge et outro), mais évitez les répétitions littérales et créez une narration dans la chanson. En plus, les goûts musicaux des quatre membres divergeaient fortement, ce qui menait régulièrement à des discussions interminables — parfois explosives. Ils pouvaient se chamailler sur les plus petits détails. Mais, selon eux, cela n’a fait qu’améliorer le résultat final. Par ailleurs, ils étaient tous les quatre extrêmement perfectionnistes et ne s’arrêtaient pas avant d’avoir donné à chaque morceau exactement ce qu’ils estimaient qu’il lui fallait.

Rock symphonique : influences classiques

Queen est souvent classé parmi les groupes de rock symphonique, c’est-à-dire des groupes de rock aux influences classiques. Nous avons déjà parlé de l’approche plus « classique » de Queen en matière de mélodies et de grilles d’accords. Mais les chœurs minutieusement construits et les petits orchestres de guitares en sont aussi un exemple. Ce n’est pas étonnant, puisque Freddie avait un faible pour l’opéra (sur son album Barcelona, il peut se lâcher à fond) et pour la musique du romantisme. Et aussi parce que Brian était fasciné par les compositions de la Renaissance, ce que l’on entend notamment dans son arrangement de guitare multipiste de God Save The Queen. Vous pouvez également en déduire que Queen aimait tout faire lui-même, et utilisait donc rarement des musiciens invités. L’une des rares exceptions est Who Wants To Live Forever, où un orchestre joue. Dans ce cas, ils ont travaillé avec un arrangeur (le compositeur de musique de film Michael Kamen), parce qu’écrire de telles parties orchestrales est un métier à part. Un autre trait classique de beaucoup de rock symphonique, ce sont d’ailleurs les morceaux longs, composés de différentes sections. Quelqu’un qui ne connaît pas bien Queen pourrait penser que c’était aussi typique de ce groupe, mais ce n’est pas tout à fait vrai. Queen aimait des chansons au format plutôt compact. Bohemian Rhapsody faisait figure d’exception, tout comme Innuendo et un morceau plus ancien comme The March Of The Black Queen.

Queen en studio, pendant la création du morceau One Vision (1985). La présence d’une caméra les a sans doute fait se comporter un peu différemment, mais cela donne tout de même une bonne idée de leur manière de travailler et de leurs personnalités. Il est d’ailleurs exceptionnel qu’ils aient écrit un morceau collectivement :

Une citation de Brian May tirée de cette vidéo, qui résume bien le perfectionnisme de Queen : « Ce qui est drôle, c’est qu’il existe de plus en plus d’outils pour enregistrer, donc ça devrait aller plus vite. Mais en réalité, ça prend toujours autant de temps. »

Exemple : Killer Queen

Killer Queen (1974) — qui, par hasard, est aussi leur premier grand hit — est peut-être le morceau le plus « Queen » qui soit. À peu près tous les éléments que nous avons évoqués se retrouvent dans cette chanson, écrite par Freddie :

Chant

On entend comment Freddie donne à chaque ligne un timbre spécifique, avec une précision maximale. Écoutez par exemple les différentes variations vocales subtiles au sein d’une seule courte ligne comme « For cars she couldn’t care less / Fastidious and precise ».

Piano

Backing vocals

Tantôt Freddie qui se multitracke lui-même (notamment « She’s a Killer Queeeen »), et — pour le son choral Queen typiquement riche — les trois hommes ensemble, avec par exemple « Anytiiiime » et « Drive you wiiild » :

Guitare

On entend ici Brian dans toutes ses facettes : sons bruts, timbres doux, grand, petit, mat, brillant, ouvert, nasal, solos mélodiques, et harmonies à la fois polyphoniques et homophoniques :

Batterie

Basse

Le tout

Selon vous, quels morceaux sont de beaux hommages à Queen, sans être des reprises ni des parodies ?

Voir également

» DAW-software
» Greffons d’instruments
» Plug-in d’effet
» AmpliTube Brian May
» VOX AC30
» Recueils de partitions de guitare de Queen
» produits dérivés de Queen

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