Pink Floyd, Bob Dylan, Nirvana… Qui ne les connaît pas ? Une musique fantastique, c’est certain. Guest blogger Joris van Dijk estime que ces célèbres légendes du rock sont même bien plus que cela. Les albums que ces artistes ont sortis au fil des années peuvent vous donner une idée de l’influence que différents musiciens ont eue les uns sur les autres, et donc sur l’ensemble du genre rock. C’est pour cette raison que ce guest blogger va vous emmener – à travers 7 albums rock classiques et influents – pour un voyage musical dans le temps à travers le rock : de la pop psychédélique des années 60 aux punk rockers, jusqu’à l’alt. rock des années 90.

Dans les médias, on voit de plus en plus souvent passer des articles affirmant que la musique a des effets bénéfiques sur les personnes et peut aider au rétablissement. Nous avons sans doute tous déjà constaté à quel point la musique peut réconforter ou mettre de bonne humeur. Cela peut être thérapeutique, mais ce n’est pas encore de la musicothérapie. La blogueuse invitée Jaimie van der Snel, musicothérapeute, lève un coin du voile sur les possibilités de la musique en tant que thérapie.

Auteur invité Freek Roffel de Freaky Studio écrit cette fois – au lieu de parler d’appareils à boutons – de l’homme qui, depuis très longtemps, se trouve derrière les boutons : le célèbre producteur Alan Parsons. Un pionnier du monde du studio, actif depuis 50 ans et qui peut toujours se compter parmi les meilleurs au monde. Comment en est-il arrivé là ? Freek vous raconte !

Bien, vous avez écrit un joli morceau de pop et vous lui avez déjà fait un accompagnement. Chant, batterie, basse, claviers, guitare… sauf qu’il manque quelque chose. Peut-être trouvez-vous que le titre sonne encore trop plat, trop « normal ». Alors, ajouter des couleurs orchestrales peut être une excellente idée, comme une ou plusieurs parties de cordes, des vents, voire un orchestre symphonique complet. Mais, que vous utilisiez un orchestre virtuel ou de vrais musiciens, la question est : comment donner un maximum d’impact à cette musique d’orchestre dans une chanson pop ?

Vous pouvez mixer et masteriser aussi bien que vous voulez, mais l’enregistrement d’origine reste la base du savoir-faire. Auteur invité Freek Roffel de Freaky Studio ne vous donne pas, cette fois, de conseils techniques. Il s’agit de 5 étapes pratiques pour des sessions d’enregistrement réussies, où le maître-mot est la « préparation ». Et gardez ceci en tête : un bon processus d’enregistrement est presque invisible, ou en tout cas jamais gênant. Comment y parvenir ? Lisez la suite.

Dans cet épisode de la série sur la technique vocale, nous allons parler des voyelles. Ou plutôt, de la prononciation des voyelles. Vous rencontrez toujours les mêmes problèmes en chantant, surtout sur les notes aiguës ? Alors, il se pourrait bien que cela vienne de votre prononciation des voyelles.

Je jouez dans un nouveau groupe, vous avez mis beaucoup d’énergie à apprendre la setlist et, enfin, c’est le moment de votre première répète ou de votre premier concert. Mais qu’est-ce que vous constatez en arrivant sur place ? La batterie sonne très mal, elle est installée de façon peu pratique et il y a une foule de petits détails frustrants. Ne laissez pas ce scénario devenir réalité : partez bien préparé avec ces 7 accessoires pour batterie indispensables à glisser dans votre sac à baguettes.

Sur sa long and winding road jalonnée de productions, de matériel de studio et de producteurs, le blogueur invité Freek Roffel de www.freaky.studio écrit aujourd’hui sur George Martin, célèbre notamment pour son travail avec les Beatles. Il tente ici de répondre à la question suivante : le quatuor serait-il allé aussi loin sans l’influence de ce producteur de légende (souvent resté en retrait) ? Et après les Beatles, Martin a-t-il encore réalisé quelque chose de marquant ?

De l’album Through the Ashes of Empires jusqu’à Catharsis, Phil Demmel a fait partie de Machine Head. Après le fondateur Robb Flynn, c’est l’un des guitaristes restés le plus longtemps au sein de ce grand nom du groove metal de Californie du Nord, et son jeu a clairement marqué l’identité du groupe.

Beginant ou non, chaque musicien y est confronté un jour : vous voulez absolument maîtriser un rythme précis, un groove ou un morceau, mais ça ne veut pas passer. Par exemple parce qu’une technique semble impossible à apprendre. Que peut faire un batteur pour limiter ce genre de situation ? Une chose est sûre : élargir votre horizon musical avec plusieurs genres et styles ne peut pas faire de mal !

Dans notre série consacrée aux instruments, nous nous intéressons cette fois à un instrument un peu moins courant, mais certainement pas moins intéressant. La theremin (le plus souvent simplement prononcée « térémine ») est l’un des plus anciens instruments électroniques. Ce qui la rend particulière, c’est la manière dont on en joue : c’est peut-être le seul instrument que l’on ne touche pas pendant l’exécution.

L’amour du vintage : un effet de mode ? Peut-être. Mais que cela s’applique aussi à l’amour des musiciens pour le vintage, c’est loin d’être sûr. Les instruments vintage, ou du moins leur son, continuent d’apposer leur signature sur de nombreuses productions musicales. Cela vaut tout particulièrement pour les claviers vintage, comme le Rhodes, le Hammond, le Wurlitzer, le Yamaha CP, le Pianet, le Clavinet et le Mellotron. Ces classiques des instruments électroniques à clavier n’ont, en réalité, jamais vraiment disparu.