Créer de la musique orchestrale pour une chanson pop

Bien, vous avez écrit un joli morceau de pop et vous lui avez déjà fait un accompagnement. Chant, batterie, basse, claviers, guitare… sauf qu’il manque quelque chose. Peut-être trouvez-vous que le titre sonne encore trop plat, trop « normal ». Alors, ajouter des couleurs orchestrales peut être une excellente idée, comme une ou plusieurs parties de cordes, des vents, voire un orchestre symphonique complet. Mais, que vous utilisiez un orchestre virtuel ou de vrais musiciens, la question est : comment donner un maximum d’impact à cette musique d’orchestre dans une chanson pop ?

De quoi se compose une chanson ?

Pour créer une chanson mémorable, vous n’avez pas besoin de tant d’éléments : mélodie, accompagnement et rythmique. On peut comparer cela à histoire, contexte et temporalité.

• La mélodie est l’histoire que vous avez à raconter. Et c’est aussi l’élément le plus facile à mémoriser pour l’auditeur.
• L’accompagnement n’est pas seulement de la décoration, ou « juste pour faire joli » ; il donne une ambiance et un sens à votre mélodie. Une mélodie avec un accompagnement lourd ne fonctionne pas du tout comme avec un accompagnement léger.
• La rythmique parle d’elle-même : cette « pulsation » assure la progression. Comme la mélodie, la pulsation est facile à saisir pour l’auditeur. La pulsation la plus connue est évidemment celle de la section batterie, mais elle peut aussi être créée par la mélodie et, éventuellement, l’accompagnement.

L’accompagnement est très flexible

La mélodie est ce qu’elle est, autrement dit l’histoire, le message. La rythmique aussi est assez fixée : vous pouvez la retoucher, mais la suggestion rythmique est déjà en grande partie déterminée par la mélodie. Mais… l’accompagnement — donc le contexte — est très flexible. Donc si vous voulez, par exemple, rendre votre musique plus grandiose ou plus intime, plus chargée ou plus aérée, etc., c’est l’accompagnement que vous allez ajuster !

Un orchestre, est-ce encore assez moderne ?

C’est un fait : autrefois, on travaillait davantage avec des orchestres qu’aujourd’hui. À l’époque, on ne disposait tout simplement pas d’autant de moyens de production qu’actuellement. Avec l’essor des synthés polyphoniques, de petits groupes ont pu intégrer eux-mêmes des « cordes » plutôt correctes — certes synthétiques, mais fonctionnelles. Avant ça, il y avait bien les orgues (comme la Hammond), mais ça ne couvrait pas tout. On n’avait donc souvent pas d’autre choix que de travailler avec de vraies cordes. Aujourd’hui, c’est évidemment différent, avec de grands instruments virtuels à un prix qui ne vous permettra jamais de louer 60 cordes, un studio, et un ingénieur. C’est d’ailleurs la première raison pour laquelle on entend moins d’orchestres dans la pop mainstream : un orchestre coûte cher. Avec un symphonique complet, on parle facilement de 80 musiciens, un chef, plusieurs ingénieurs, la location d’une grande salle, la restauration pour tout le monde, etc. Comme les budgets sont globalement moins élevés dans la pop aujourd’hui, vous n’aurez pas facilement les moyens d’un projet de cette ampleur. Bien sûr, il est tout à fait possible de réaliser un bon arrangement avec des orchestres virtuels, et cela se fait encore de temps en temps. À cela s’ajoute l’influence des styles urban (hip-hop, r&b) sur la pop mainstream, généralement assez minimalistes côté arrangement. Et il y a aussi l’EDM, pratiquement impossible à reproduire avec un orchestre. En bref : les chansons où un orchestre s’intègre naturellement sont moins nombreuses qu’avant. Fait amusant : ce n’est pas que le public actuel n’apprécie pas les orchestres dans la pop. On dirait plutôt qu’une chanson pop avec orchestre est appréciée… et qu’une chanson pop sans orchestre l’est aussi. Vivons-nous dans une société d’indifférence musicale ? Bref, ce sera pour une autre fois.

L’avenir des orchestres dans la pop : le virtuel ?

Le tableau ci-dessus peut sembler un peu déprimant, comme si l’orchestre était voué à disparaître. On n’en a pas besoin, c’est cher, et même l’arrangement et l’orchestration demandent des connaissances et une expérience qu’on rencontre moins souvent. Tout le monde peut charger une library Kontakt, et une DAW n’impose pas des exigences énormes à l’utilisateur, mais ce n’est pas la même chose qu’une partition lisible par un musicien d’orchestre — et surtout assimilable vite (le temps, c’est de l’argent). Y a-t-il malgré tout de l’espoir ? Il est vrai que la combinaison DAW + instruments virtuels fait quand même atterrir un peu de connaissance chez les compositeurs et producteurs. Avant, il fallait connaître l’ambitus (l’étendue) de chaque instrument. Avec un instrument virtuel, on remarque simplement qu’à un moment il n’y a plus de samples mappés en dessous de vos touches. Les instruments virtuels offrent des articulations diverses ; on apprend donc aussi ces articulations. Souvent, la notice ou l’interface d’une library affiche même les symboles de notation. Vous avez noté une clarinette trop piano et, à l’enregistrement, elle ressort trop faible ? Avec nos moyens modernes, on se dit : « on corrigera ça au mix ! » Autrement dit, une nouvelle génération d’orchestrateurs se forme progressivement, non pas via une formation classique, mais via des logiciels. Et ce n’est pas un problème, tant que ça sonne bien !

Ou un vrai orchestre, finalement ?

Même en dehors du virtuel, il existe des perspectives pour un mariage entre pop et orchestre — mais probablement pas à côté de chez vous. Comme beaucoup de biens viennent de pays à faible coût de main-d’œuvre, il existe aussi des pays où l’on joue d’instruments… à des tarifs très compétitifs. On trouve çà et là des orchestres de projet capables d’enregistrer vos partitions pour une somme dérisoire (par exemple sur la base d’un clicktrack). En général, il y a une salle correcte, un ingénieur, un chef, et du bon matériel. Ces orchestres jouent pour vous ; parfois vous pouvez suivre via un livestream, et vous recevez le résultat dans votre boîte mail. Sont-ils bons ? Eh bien, si l’on peut apprendre le violon en France (ou en Belgique), on peut aussi l’apprendre au bord de la mer Noire. Il n’y a donc aucune raison que ces musiciens ne soient pas à la hauteur. Ce sont les mêmes professionnels qu’ici, mais ce sont d’autres pays, avec une autre monnaie, et une autre valeur comparée à l’euro. Bref, avec ce type d’orchestres, ça vaut le coup de maîtriser l’orchestration le mieux possible. Que votre musique sonne bien dans votre DAW, très bien — mais les musiciens d’orchestre lisent des notes sur des portées, avec pas mal de symboles. Voilà pour l’état des lieux ; retour à la pratique !

Qu’allons-nous apprendre ?

Dans cet article, nous allons nous concentrer sur les bases de l’orchestration de l’accompagnement. Nous allons passer en revue les différents instruments de l’orchestre, leur rôle, et comment les combiner. Ce que nous n’allons pas aborder, c’est la réalisation technique (dans une DAW) : vous devrez investir dans de bonnes sonorités orchestrales ; aujourd’hui, elles se trouvent dans des instruments virtuels. Mais lesquels choisir dépend du goût — et surtout du budget. C’est un peu facile à dire, mais plus c’est grand, mieux c’est… et plus c’est grand, plus c’est souvent cher. Nous n’allons pas non plus traiter la manière de noter la musique pour que des musiciens la jouent exactement comme vous l’imaginez. L’objectif de ce blog est d’utiliser au mieux les couleurs orchestrales dans un titre pop.

Aperçu des instruments d’orchestre

Cordes

Les cordes sont les instruments les plus populaires, et cela pour plusieurs raisons. D’abord, le timbre est relativement homogène du grave à l’aigu, et du doux au puissant. Il y a donc peu de variations de couleur, ce qui rend les cordes très flexibles. Bien sûr, le son devient plus sombre à mesure que les instruments grandissent. Un autre avantage : les cordes peuvent, en principe, sonner indéfiniment. Le « moteur » du son est l’archet, contrairement aux instruments à vent, où il faut prévoir des moments pour respirer. Côté couleur, deux grands atouts : un ensemble est composé de plusieurs musiciens, ce qui rend le son global plus diffus et plus large. Cette texture moelleuse et diffuse remplit facilement un mix sans gêner les solistes. Enfin, les cordes offrent beaucoup d’articulations : pizzicato (pincé), tremolo (archet très rapide d’avant en arrière, comme un essaim d’abeilles), sordino (avec sourdine). Dans un contexte pop, l’articulation la plus courante reste le jeu à l’archet (arco). Dans la pop, on peut distinguer deux grandes approches : un orchestre à cordes complet, et pratiquement uniquement des violons.

Orchestre à cordes complet

La première option consiste à utiliser un orchestre à cordes (assez) complet. On peut l’entendre et le voir par exemple dans le clip de Who Wants to Live Forever (Queen), dirigé par Michael Kamen (1948-2003). À vous de décider si vous intégrez aussi des contrebasses. Ces instruments très graves peuvent sembler un peu « lourds », et vous préférerez peut-être une basse électrique plus serrée comme fondation. Ce côté lourd vient surtout de l’acoustique d’une salle : on joue avec sa propre réverbération, donc les notes se prolongent, et cela peut rendre l’ensemble moins nerveux. Bien sûr, les violons et autres sons aigus ont aussi cette longue réverb, mais des graves très réverbérés supportent moins bien l’exigence de précision rythmique.

Dans un registre plus proche de la variété européenne, une belle réussite : Zeg Me Dat Het Niet Zo Is de Frank Boeijen. On y entend parfaitement la grande force d’un accompagnement de cordes bien écrit — et c’est exactement l’objectif de cet article. Dans ce type de musique, où les cordes ne bougent pas vite, vous pouvez donc utiliser des contrebasses sans problème.

Uniquement des violons

L’autre approche très fréquente consiste à n’utiliser qu’une section de violons qui joue une note aiguë décorative. Les accords sont alors construits par d’autres instruments, comme le piano, la guitare ou des synthés. Un exemple très clair : le refrain de After The Love Has Gone (Earth, Wind & Fire).

Un peu plus discret que chez EW&F, mais bien audible : Colors of the Wind (Vanessa Williams). Écoutez les refrains et le passage vers le dernier refrain : dans l’aigu et le médium-aigu, il y a une ligne de violons. Ce qui est intéressant dans cette méthode — et c’est aussi le cas dans l’exemple d’EW&F —, c’est que ces violons dans l’aigu ont le privilège de jouer une ligne mélodique à part entière. Bien sûr, elle doit rester cohérente avec l’harmonie du moment, mais on peut se permettre beaucoup, vraiment beaucoup. Vous pouvez très bien jouer un accord de ré mineur (D-F-A) au piano ou à la guitare pendant qu’une section de violons tient un do aigu. Vous obtenez ainsi un Dm7, et tout de suite, c’est plus dramatique. Et ce do n’a pas besoin d’être tenu en permanence : une section de violons peut parfaitement errer entre plusieurs notes. L’accord global reste alors très vivant et riche. C’est LA force des cordes aiguës dans une chanson pop, et LA raison de prendre l’orchestration pop au sérieux.

Cuivres

Ils sont plus courants en musique de film qu’en pop, mais on trouve tout de même des titres pop intéressants où les cuivres jouent un rôle. Les instruments les plus usuels de cette famille sont la trompette, le trombone, le tuba et le cor (cor français). Il existe bien d’autres membres dans la famille des cuivres, avec des variantes graves et aiguës (comme l’alto horn, le bugle, le baryton ou la trompette piccolo), mais on les croise plus souvent dans une brass band que dans un orchestre symphonique. Une chanson très connue où un ensemble de cuivres est extrêmement présent : You’re a Lady (Peter Skellern, 1947 – 2017). C’est presque paradoxal d’utiliser un groupe d’instruments que beaucoup associent aux défilés militaires et aux films d’action… pour une love song. Mais quand ces instruments jouent très doucement, ils deviennent au contraire subtils et chaleureux.

Cor

Les trompettes et trombones ont une couleur légèrement différente de celle des cors. Le cor sonne plus doux, plus feutré, moins « in your face ». Une section de cors à l’unisson, généralement de quatre à huit musiciens dans un orchestre symphonique, est donc très adaptée pour — comme les violons mentionnés plus haut — ajouter une ligne supplémentaire à l’harmonie. Les cors ont eux aussi le privilège d’enrichir un accord existant via leurs propres lignes mélodiques. En termes de synthé, une section de cors ressemble à un pad doux. Donc, si vous n’avez pas de cors à disposition, un bon synthé peut parfois en simuler partiellement l’effet. Une particularité du cor : la position du pavillon (d’où sort le son), orienté plus ou moins vers l’arrière. En salle, le public entend donc surtout les réflexions sur le mur du fond, ce qui rend une section de cors assez large et diffuse. C’est, comme on l’a déjà souligné, un excellent instrument (ou groupe) à ajouter à une production pop sans gêner le chanteur.

(Cors, notamment dans les 16 premières secondes, en doublage de la guitare électrique 🙂

Trompettes et trombones

Là où le cor reste plus discret, les trompettes et les trombones sont nettement plus présents dans le mix. Plus « poaaaaah » que le « poooooh » des cors. Leurs pavillons sont dirigés vers l’avant, le son est donc plus direct et moins diffus. Les cors évoquent facilement une ambiance « film », tandis que les trompettes et trombones font davantage penser au jazz, big band, funk et soul.

Bois

On peut classer les instruments à vent en bois selon leur tradition symphonique. Les quatre familles orchestrales traditionnelles sont : flûtes, hautbois, clarinettes et bassons. Si l’on inclut la période baroque, on pourrait ajouter les flûtes à bec. Les saxophones sont aussi des bois, mais ils n’ont pas une grande tradition dans l’orchestre symphonique. En big band, funk, soul et jazz, ils sont en revanche très populaires, ce qui leur a valu une place dans la pop. Les exemples ne manquent pas, comme Careless Whisper (George Michael). Les quatre groupes traditionnels (flûte, hautbois, clarinette, basson) restent toutefois relativement rares dans la pop « standard ». Quelques chansons connues avec un hautbois ou un cor anglais (alto hautbois) : One Day I’ll Fly Away (Randy Crawford, cor anglais), Old and Wise (Alan Parsons Project, hautbois) et Crazy for You (Madonna, hautbois).

Le stack big band

Avec une trompette, un trombone et un saxophone (alto ou ténor), vous pouvez créer un son typique de big band. Faites-leur jouer la même note, puis expérimentez avec les octaves. Souvent, le sax est une octave sous la trompette, et le trombone une octave sous le sax. Mais c’est une question de goût, et cela dépend aussi de la tessiture de ces instruments. Parfois, en décalant les octaves, vous sortez des limites hautes ou basses (l’ambitus) d’un instrument ; vous pouvez alors le ramener dans sa tessiture en le transposant à l’octave. C’est grâce à cette combinaison, dans ces genres, que le sax est souvent perçu comme faisant partie de la section cuivres — ce qui n’est évidemment pas exact d’un point de vue technique. La façon de jouer des trompettes et trombones diffère aussi de la pratique en orchestre classique. On utilise parfois des embouchures différentes, qui facilitent le jeu dans l’aigu. La sonorité plus brillante qui en résulte est justement ce que l’on ne trouve pas facilement dans les libraries orchestrales. Les meilleurs sons pour cela se trouvent dans des libraries0 big band dédiées.

Percussions

On peut diviser les percussions entre le « percussion » (caisse claire, cymbales, etc.) et les percussions chromatiques (vibraphone, xylophone, etc.). Dans le contexte de la pop, ces instruments ne jouent pas un rôle particulièrement important ; nous n’irons donc pas plus loin sur ce point dans cet article.

Comment utiliser ces instruments dans une chanson pop ?

On a déjà beaucoup parlé des quatre accords « standard » de la pop (VI – IV – I – V, par exemple Am, F, C, G), tellement utilisés que ça nous sort par les oreilles. Donc… nous allons traire ces quatre accords ultra-ennuyeux autant que l’industrie musicale le fait. On y colle une petite mélodie simple et usée, puis on va rendre ça beau.

Bon, pas besoin d’explications. Une petite mélodie de ballade, chantable, ou jouable par n’importe quel instrument mélodique. Les sons utilisés pour cette base n’ont pas d’importance. Ajoutons maintenant les fameux violons, comme couche supérieure. Des notes longues, donc arco (à l’archet) comme articulation. Sauf indication contraire, on peut d’ailleurs toujours partir du principe qu’on joue arco aux cordes, mais pour être complet, je l’ai écrit ici.

On peut déjà souligner plusieurs points. D’abord : les notes des violons sont moins nombreuses, souvent liées sur plusieurs mesures. On comprend donc qu’ils n’encombrent pas l’arrangement inutilement et qu’ils enrichissent surtout les accords. Et c’est exactement ça. Dans la première mesure, rien d’étrange, mais dans la deuxième, les violons donnent un sol aigu alors que l’accord est un F ; ensemble, cela fait donc un F^add2. Ce sol aigu dans la deuxième mesure crée une tension, et appelle donc une réponse dans la mesure suivante. En effet, dans la troisième mesure, le sol fait simplement partie de l’accord, ce qui donne une résolution. Autre chose : les notes des violons ne sont presque jamais identiques à celles de la mélodie. Cela signifie que, harmoniquement, ces violons ajoutent vraiment quelque chose. Il est temps maintenant d’ouvrir une boîte de violoncelles !

Ici, les violoncelles ont un rôle décoratif vis-à-vis de la basse. Ce n’est pas tout ce qu’ils peuvent faire : ils peuvent aussi jouer de façon mélodique et, par exemple, créer une bonne contre-mélodie face à la mélodie principale. Mais ici, ils soutiennent la basse. Vous remarquerez peut-être que les violons ont des liaisons de legato en mesures deux et trois, alors que les violoncelles n’en ont nulle part. Pourquoi ? Aux cordes, une liaison de legato indique que les notes doivent être jouées sans inverser l’archet à chaque note. Autrement dit, vous jouez plusieurs notes dans un seul coup d’archet, ce qui sonne très lié (legato). Le changement de direction de l’archet produit un effet subtilement audible, que l’on peut utiliser rythmiquement. Dans cet exemple, les violoncelles renforcent un peu le rythme en jouant sans legato.

Laisser de l’espace à l’orchestre

Un nouvel exemple ! Observons ce que signifie « laisser de l’espace » à un orchestre. Dans le premier exemple, il n’y avait pas vraiment d’espace. Bien sûr, les violons passaient très bien, et les violoncelles ne gênaient rien, mais à part ça, c’était déjà assez rempli.

Dans ce passage, j’ai marqué en vert les endroits où l’orchestre a la place de décorer la musique. La raison : la mélodie ne fait pas grand-chose à ces moments-là ; c’est une note relativement longue. Cela ne demande pas de concentration particulière à l’auditeur, l’orchestre peut donc prendre le devant de la scène. Dans la partition ci-dessous, vous voyez comment j’ai surtout complété ces sections vertes avec deux flûtes, un hautbois, des violons et des violoncelles.

Pour ceux qui ne lisent pas des partitions tous les jours : vous voyez, sur la portée des flûtes, que deux flûtes jouent chacune leur propre ligne. L’une a les hampes vers le bas, l’autre vers le haut. C’est pourquoi, très souvent, on place exactement deux parties de vents sur une seule portée — ça fait gagner de la place dans la partition de direction. Plus de deux lignes sur une portée, c’est possible en théorie, mais ça devient très vite illisible. Si jamais vous avez besoin d’une troisième et d’une quatrième flûte, mieux vaut créer une nouvelle portée pour flûte 3 et 4.

Vous voyez aussi, chez les flûtes, que dans les trois premières sections vertes, il s’agit davantage d’un petit accent de couleur que de quelque chose de mélodique. C’est parfaitement valable ; chaque instrument n’a pas besoin de jouer en permanence une mélodie bien identifiable. Vos instruments sont comme des crayons de couleur pour un coloriage : vous décidez vous-même comment et où. Et n’oubliez pas qu’un percussionniste peut aussi avoir une partie… de triangle. Vous pouvez trouver ça gênant d’écrire une partie monotone parce que vous auriez « pitié » du percussionniste. Mais la musique d’orchestre fonctionne comme ça. En tant que compositeur, il ne faut pas trop s’y attarder.

Dans les sections vertes, vous voyez que l’orchestre — les violons et, une fois, le hautbois — reprend la « drive » des croches qui se trouvait dans la ligne lead. L’avantage, c’est que l’énergie du morceau ne s’arrête pas net. Elle est désormais répartie entre plusieurs familles d’instruments. C’est un immense avantage de l’orchestration en pop : vous obtenez énormément de possibilités de variation de timbre et vous pouvez répartir les caractéristiques essentielles entre les instruments.

Ce que vous retiendrez, en tout cas, c’est que l’espace est essentiel si vous voulez orchestrer une chanson pop. Si vous devez, sur commande, décorer une chanson de singer-songwriter avec des couleurs orchestrales, demandez si vous pouvez vous-même créer cet espace dans l’arrangement, par exemple en ajoutant quelques mesures intercalées ici et là.

L’aspect business

Gardez en tête qu’un singer-songwriter livrera probablement au mieux la base (lead, accords, basse), sur laquelle vous ajoutez peut-être vingt parties d’orchestre. En termes de droits, la part d’un arrangeur serait d’environ 33% face à 66% pour le compositeur. Mais ce n’est peut-être pas tout à fait juste si, en tant qu’arrangeur/orchestrateur, vous avez écrit dix fois plus de notes dans le morceau que le compositeur initial. Et ici, on parle seulement de décorer une musique existante. Peut-être aurez-vous le droit d’ajouter des mesures (intros, outros, breaks orchestraux, etc.). Il devient alors inévitable d’étendre le morceau avec du nouveau matériau thématique. Mon conseil est donc : dès qu’il est question de droits (et donc de revenus liés à la diffusion), mettez toutes vos nouvelles notes dans la balance business et exigez ce qui est, vu les proportions, légitime.

Que pensez-vous des orchestres dans une production pop contemporaine ? Est-ce un truc du passé, ou faut-il simplement remettre ça au goût du jour ? Laissez un commentaire ci-dessous !

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