Bien, vous avez écrit un joli morceau de pop et vous lui avez déjà fait un accompagnement. Chant, batterie, basse, claviers, guitare… sauf qu’il manque quelque chose. Peut-être trouvez-vous que le titre sonne encore trop plat, trop « normal ». Alors, ajouter des couleurs orchestrales peut être une excellente idée, comme une ou plusieurs parties de cordes, des vents, voire un orchestre symphonique complet. Mais, que vous utilisiez un orchestre virtuel ou de vrais musiciens, la question est : comment donner un maximum d’impact à cette musique d’orchestre dans une chanson pop ?

Vous pouvez mixer et masteriser aussi bien que vous voulez, mais l’enregistrement d’origine reste la base du savoir-faire. Auteur invité Freek Roffel de Freaky Studio ne vous donne pas, cette fois, de conseils techniques. Il s’agit de 5 étapes pratiques pour des sessions d’enregistrement réussies, où le maître-mot est la « préparation ». Et gardez ceci en tête : un bon processus d’enregistrement est presque invisible, ou en tout cas jamais gênant. Comment y parvenir ? Lisez la suite.

Dans cet épisode de la série sur la technique vocale, nous allons parler des voyelles. Ou plutôt, de la prononciation des voyelles. Vous rencontrez toujours les mêmes problèmes en chantant, surtout sur les notes aiguës ? Alors, il se pourrait bien que cela vienne de votre prononciation des voyelles.

Je jouez dans un nouveau groupe, vous avez mis beaucoup d’énergie à apprendre la setlist et, enfin, c’est le moment de votre première répète ou de votre premier concert. Mais qu’est-ce que vous constatez en arrivant sur place ? La batterie sonne très mal, elle est installée de façon peu pratique et il y a une foule de petits détails frustrants. Ne laissez pas ce scénario devenir réalité : partez bien préparé avec ces 7 accessoires pour batterie indispensables à glisser dans votre sac à baguettes.

Sur sa long and winding road jalonnée de productions, de matériel de studio et de producteurs, le blogueur invité Freek Roffel de www.freaky.studio écrit aujourd’hui sur George Martin, célèbre notamment pour son travail avec les Beatles. Il tente ici de répondre à la question suivante : le quatuor serait-il allé aussi loin sans l’influence de ce producteur de légende (souvent resté en retrait) ? Et après les Beatles, Martin a-t-il encore réalisé quelque chose de marquant ?

De l’album Through the Ashes of Empires jusqu’à Catharsis, Phil Demmel a fait partie de Machine Head. Après le fondateur Robb Flynn, c’est l’un des guitaristes restés le plus longtemps au sein de ce grand nom du groove metal de Californie du Nord, et son jeu a clairement marqué l’identité du groupe.

Beginant ou non, chaque musicien y est confronté un jour : vous voulez absolument maîtriser un rythme précis, un groove ou un morceau, mais ça ne veut pas passer. Par exemple parce qu’une technique semble impossible à apprendre. Que peut faire un batteur pour limiter ce genre de situation ? Une chose est sûre : élargir votre horizon musical avec plusieurs genres et styles ne peut pas faire de mal !

Dans notre série consacrée aux instruments, nous nous intéressons cette fois à un instrument un peu moins courant, mais certainement pas moins intéressant. La theremin (le plus souvent simplement prononcée « térémine ») est l’un des plus anciens instruments électroniques. Ce qui la rend particulière, c’est la manière dont on en joue : c’est peut-être le seul instrument que l’on ne touche pas pendant l’exécution.

L’amour du vintage : un effet de mode ? Peut-être. Mais que cela s’applique aussi à l’amour des musiciens pour le vintage, c’est loin d’être sûr. Les instruments vintage, ou du moins leur son, continuent d’apposer leur signature sur de nombreuses productions musicales. Cela vaut tout particulièrement pour les claviers vintage, comme le Rhodes, le Hammond, le Wurlitzer, le Yamaha CP, le Pianet, le Clavinet et le Mellotron. Ces classiques des instruments électroniques à clavier n’ont, en réalité, jamais vraiment disparu.

C’est l’archétype du synthétiseur : le Minimoog. Ou plus précisément : le Minimoog Model D. Lancé en 1970, réédité pendant une courte période par Moog en 2016, puis peu après copié : le Behringer Model D. Le son immédiatement reconnaissable du Minimoog figure sur d’innombrables enregistrements. Quelle est la magie de ce « parrain » analogique des synthétiseurs ?

La musique est un phénomène bruyant. Il est donc important que les salles, bars, locaux de répétition et studios soient bien isolés. Pour bien des musiciens vivant à proximité de voisins, c’est presque une nécessité pour pouvoir jouer à cœur joie et à bon volume. Mais comment faire : bien isoler afin de garder la « violence » musicale entre ses murs ? Un peu de théorie sur l’isolation est inévitable, mais cela vaut le coup pour éviter les disputes de voisinage ! Étape 1 : les boîtes à œufs ne sont pas des isolants acoustiques idéaux.

Vous ouvrez un ordinateur portable, cliquez sur un bouton et commencez à enregistrer un morceau. Cela semble évident, mais derrière ce geste tout simple se cache une histoire de cinquante ans de bonds technologiques. Comment l’enregistrement numérique et le MIDI se sont-ils rencontrés dans l’appareil qui trône aujourd’hui sur votre bureau ? Voici l’histoire de deux évolutions parties séparément et qui ont fini par s’entremêler complètement.