Un micro à la main et on chante. Qu’y a-t-il de si difficile ? Pourtant, on entend immédiatement la différence entre un chanteur qui comprend son micro et un chanteur qui se contente de le tenir. Une bonne technique micro sur scène repose sur deux choses : la direction dans laquelle vous orientez le micro et la distance à laquelle vous vous en tenez. Maîtrisez ces deux points, et votre son sera plus plein tout en laissant moins de chances au larsen.

Le DMX est le langage grâce auquel votre console lumière communique avec votre éclairage. Ce protocole vous permet de piloter depuis un seul contrôleur des projecteurs et des effets de différents fabricants. C’est pourquoi vous le croiserez tôt ou tard dès que vous vous lancerez dans l’éclairage. Si vous comprenez le fonctionnement du DMX, vous monterez plus rapidement un show lumière et passerez moins de temps à chercher le projecteur qui refuse de réagir.

RCA, cinch, phono : vous croisez ces noms un peu partout, mais ils désignent tous la même fiche, avec une broche au centre et un anneau autour. Simple, non ? Jusqu’au moment où vous devez utiliser un adaptateur ou passer au numérique. L’essentiel : le RCA est une connexion simple et asymétrique, qui transporte un seul signal par fiche, et presque tout ce que vous devez savoir en découle.

Vous êtes gaucher et vous voulez apprendre la guitare ? Tôt ou tard, vous vous poserez la question : dois-je acheter une guitare pour gaucher ou simplement apprendre à jouer en droitier ? Environ une personne sur dix est gauchère, vous n’êtes donc vraiment pas le seul à hésiter. Ma réponse : il n’y a pas de mauvais côté, tant que vous choisissez celui qui vous semble naturel et que vous n’en changez plus ensuite.

La couleur d’une guitare n’a aucune influence sur le son, et le vernis tout au plus une toute petite. Cette différence est si minime et si controversée qu’il vaut mieux choisir en fonction de l’apparence, du toucher et de la façon dont la guitare vieillit, surtout pour une guitare électrique. Pourtant, le débat entre les adeptes de la nitro et ceux du poly dure depuis des décennies. Il y a bien un fond de vérité, mais pas là où vous l’attendez.

L’Arturia KeyStep n’est pas un clavier avec des sons intégrés, mais un contrôleur MIDI que vous connectez à votre ordinateur, votre synthétiseur ou votre équipement modulaire. Vers 2016, le modèle original a fait son apparition, et il a immédiatement rencontré un franc succès : les claviers abordables disposant à la fois d’une sortie MIDI et CV étaient rares. Depuis, la gamme s’est enrichie de nouveaux modèles et de versions MK2. Que choisir : KeyStep ou KeyStep 37 ? MK1 ou MK2 ? Quelle est la différence avec la série -Lab et la BeatStep ? Voyons cela de plus près.

Auteur invité et multi-instrumentiste Nigel Hubée explique (dans la continuité de son précédent blog sur la configuration de son studio) comment un musicien peut se préparer à une séance d’enregistrement réussie, dans son propre studio ou dans celui de quelqu’un d’autre. Il y aborde aussi bien des aspects physiques que psychologiques. Ceux-ci sont indissociables et jouent un rôle majeur dans le résultat final. Nigel espère que réfléchir aux conseils ci-dessous mènera à de meilleures performances musicales et aidera à éviter les mauvaises surprises !

Queen était unique. Autrement dit : si vous voulez sonner comme Queen, alors vous devez justement sonner unique — et donc pas comme Queen. Quel dilemme. Mais plus sérieusement : imiter la musique de votre groupe préféré est évidemment très amusant, formateur et inspirant. Dans cet article, nous explorons le son reconnaissable que les membres de Queen — Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor et John Deacon — ont créé sur leurs albums studio.

Dans nos articles consacrés aux accords, nous avons déjà passé en revue tous les accords les plus courants. Pour compléter la série, nous abordons dans cet épisode quelques accords particuliers, tels que le mineur‑majeur (mΔ), le septième augmenté (+7) et l’accord diminué avec grande septième (oΔ). Ces accords sont souvent utilisés comme accords de passage. Il est donc utile de les connaître, même s’ils ne sont pas très fréquents !

Le trombone fait partie de la famille des cuivres graves et apporte souvent la profondeur et le “corps” du son. Vous le retrouvez aussi bien dans les orchestres symphoniques que dans les big bands, les groupes de salsa ou encore les sections de cuivres des groupes pop. Lorsqu’un tromboniste utilise une grande sourdine en forme de ventouse (plunger) devant le pavillon, il peut produire des sonorités étonnamment proches de la voix humaine. Le trombone sait parler, se lamenter, pleurer, rire, rugir ou émouvoir, ce qui en fait l’un des instruments les plus expressifs qui soient. 

Dans notre premier article consacré aux accords, nous avions déjà évoqué les accords diminués, augmentés et de septième. Cette fois, allons plus loin et découvrons leur rôle et leur construction. Nous verrons par exemple ce qui caractérise l’accord de septième « classique » (la septième de dominante), mais aussi les variantes mineure et majeure. Nous expliquerons également la différence entre un accord diminué et un accord demi‑diminué, notions essentielles pour enrichir votre jeu. Enfin, nous clarifierons des termes souvent utilisés en théorie musicale comme diatonique, non diatonique et sons enharmoniques équivalents

Dans notre article sur les accords, nous avons appris comment les accords sont construits. Il est temps de passer à l’étape suivante : la progression d’accords, c’est-à-dire lorsque vous enchaînez plusieurs accords. Nous aborderons les degrés, la construction de la tension, les notes sensibles, la résolution et les accords suspendus. Tout cela est un peu fastidieux, mais une fois ces notions assimilées, il devient beaucoup plus simple de déchiffrer des grilles d’accords.