Claviériste dans un groupe – Ce que cela implique

Bon à savoir

Les ancêtres

Les plus anciens « ancêtres » des instruments à clavier actuels sont le clavecin et l’orgue à tuyaux. Le clavecin date du XVIe siècle et c’est un instrument à cordes joué au clavier. Contrairement au piano, les cordes du clavecin ne sont pas frappées, mais pincées à l’aide d’un petit plectre. L’orgue à tuyaux est souvent appelé orgue d’église, car on le rencontre le plus fréquemment dans les églises. Dans un orgue à tuyaux, le son est produit en soufflant de l’air à travers des tuyaux d’orgue.

Le piano

Le piano a été inventé vers 1700 et s’appelait alors pianoforte ou fortepiano. Au fil des siècles, il s’est développé jusqu’à l’instrument que nous connaissons aujourd’hui. Le piano a été conçu pour corriger un défaut du clavecin. Sur un clavecin, il est impossible de jouer avec des nuances : on ne dispose que d’un seul volume. Avec le piano, ce problème a été résolu en ne pinçant pas les cordes, mais en les frappant avec un marteau. C’est pourquoi le piano s’appelait à l’origine pianoforte : en musique, piano signifie doux et forte signifie fort. Plus tard, le terme s’est contracté en piano. Le nom piano s’applique aussi bien aux pianos droits (les « upright pianos » que l’on voit souvent dans les salons) qu’aux pianos à queue. Sur scène, on utilise généralement des pianos à queue, notamment en raison de leur son plus ample et parce qu’un piano à queue répète mieux (appuyer rapidement plusieurs fois de suite sur la même touche). Un aspect difficile des pianos et des pianos à queue est qu’ils doivent être accordés régulièrement (grosse opération) et qu’ils sont difficiles à transporter. C’est pourquoi, dans les groupes, on utilise généralement des pianos de scène numériques.

Voir également, dans notre blog, Comment un piano produit-il du son ?

Vintage keys

La volonté de créer des versions plus maniables du piano a donné naissance à plusieurs instruments à clavier intéressants que l’on regroupe aujourd’hui sous le nom de « vintage keys ». Voici les plus connus :

• Le Rhodes est un piano électromécanique, inventé dans les années 50 par l’Américain Harold Rhodes. À partir de 1959, l’instrument a été produit par le fabricant de guitares Fender, après quoi il est surtout devenu connu sous le nom de Fender Rhodes. Au lieu de cordes, le Fender Rhodes possède des diapasons, qui sont frappés par un marteau. Les vibrations des diapasons sont captées par un micro (comme sur une guitare électrique) puis amplifiées. Le Fender Rhodes a un son spécifique, typiquement doux et « velouté ».
• Le Wurlitzer est, comme le Fender Rhodes, un piano électromécanique, inventé dans les années 50. Il contient de petits marteaux qui frappent une anche métallique, dont la vibration est captée par un micro. Le son rappelle celui d’un Fender Rhodes, mais avec un caractère un peu plus « funky ».
• Le Hohner Clavinet date de la fin des années 60. Le Clavinet fonctionne avec des embouts en caoutchouc qui martèlent une corde, dont la vibration est captée par un micro.
• Les Yamaha CP70 et CP80 des années 70 sont des pianos à queue électriques avec cordes et micros. Ils ont une sonorité typique qui leur est propre.

Vintage keys : Hammond

L’un des instruments vintage les plus connus est l’orgue Hammond, souvent appelé simplement Hammond. Le Hammond d’origine est un orgue à roues phoniques, inventé dans les années 30 par Laurens Hammond. Le son y est produit par des roues phoniques tournantes et des micros magnétiques. Il était conçu comme alternative à l’orgue à tuyaux, mais c’est grâce à la combinaison avec une cabine Leslie que le Hammond a trouvé sa place dans la pop, le rock, le blues et le jazz. L’« archétype » du Hammond est le Hammond B3. Depuis les années 70, on ne fabrique plus d’orgues à roues phoniques. L’ère numérique a depuis donné naissance à d’excellents clones, abordables et faciles à transporter.

Voir également notre article sur le Hammond.

Le synthétiseur

D’un point de vue technique, le synthétiseur est un sujet à part entière, mais cela nous emmènerait trop loin ici. Voici donc une courte présentation de cet instrument, qui a été — et reste — important dans la musique pop. Dans un synthétiseur, des sons sont générés (le plus souvent électroniquement), puis transformés. Cela peut produire les sons les plus étranges, qui peuvent être parfaitement exploitables musicalement. Les synthétiseurs servent aussi à imiter les sons d’instruments existants (acoustiques). Le premier synthétiseur électrique date de 1876, mais la véritable percée a eu lieu dans les années 60. Robert Moog a alors lancé le premier synthétiseur commercial, connu sous le nom de Moog. Le Moog a trouvé sa voie dans la musique pop. Après le Moog, un large éventail de synthétiseurs est apparu sur le marché (jusqu’à aujourd’hui). Ces synthétiseurs utilisent différentes méthodes de génération sonore. Les synthétiseurs existent aussi en module : un boîtier sans touches. Il est alors joué via un clavier maître, via MIDI (voir article). Grâce à des logiciels spécialisés, les ordinateurs peuvent également être utilisés comme synthétiseur, le plus souvent via USB, reliés à un clavier maître.

Le keyboard

En réalité, tous les instruments à clavier sont un keyboard. En anglais, « keyboard » est par exemple le plus souvent utilisé dans le sens le plus large du terme. Mais en néerlandais, on entend généralement par keyboard un instrument à clavier qui a) dispose d’un très grand nombre de sons différents et b) intègre aussi un « accompagnement automatique ». Le musicien choisit un certain style, joue un accord, et un « combo » d’accompagnement se met à jouer, sur lequel le musicien peut jouer une mélodie. Un keyboard de ce type est parfait pour un usage à la maison et pour les artistes solo, mais moins adapté à une utilisation en groupe. Si vous cherchez un instrument avec énormément de sons, mais mieux adapté à un groupe, vous êtes probablement bien avec un synthétiseur numérique de 61 touches ou plus.

Voir également notre article de blog Quelle est la différence entre un clavier et un synthétiseur ?

L’accordéon

Dans la pop, on entend parfois un accordéon. L’accordéon fonctionne selon le même principe que l’harmonica. Ici, l’air est toutefois fourni par un soufflet. Dans le corps de l’instrument se trouvent les anches qui produisent le son. Lorsqu’une touche ou un bouton est enfoncé, l’air passe le long d’une ou plusieurs anches, qui se mettent à vibrer, et le son se crée. La marque Roland propose des accordéons numériques.

Voir également notre article détaillé sur l’accordéon.

Une plongée plus profonde dans la technique de jeu

Pour différentes raisons, jouer des claviers dans un groupe est plus difficile que beaucoup de musiciens ne le pensent, parfois même les claviéristes eux-mêmes. Que pouvez-vous faire, en tant que claviériste, pour que votre jeu procure un maximum de plaisir à vous-même et à vos collègues de groupe ? Une interview avec un professionnel.

Quel est votre rôle ?

Dans cet article sur les claviers dans un groupe, nous partons du principe qu’il y a aussi un bassiste dans le groupe, comme c’est généralement le cas. La présence ou l’absence d’un bassiste influence fortement le jeu du claviériste. Nous y reviendrons plus loin, notamment à propos du voicing des accords. Nous discutons avec Hilvert Roorda, claviériste et enseignant à l’ArtEZ Popacademie d’Enschede. Hilvert est connu comme claviériste de l’Edwin Evers Band (notamment The Voice of Holland), il a joué dans le groupe d’Ik hou van Holland et il a été le claviériste attitré de Cor Bakker, avec qui il a animé pendant des années les émissions TV de Paul de Leeuw. Et la liste pourrait encore s’allonger. « En tant que claviériste dans un groupe, vous avez l’un des trois rôles suivants », explique Hilvert. « Le premier rôle est celui de pianiste : vous jouez alors une partie de piano (ou de Rhodes), où vous jouez avec la main gauche soit une ligne de basse, soit des accords. Le deuxième rôle est celui de “tout sauf pianiste”. Vous ne jouez alors que des parties de synthé et/ou de Hammond, en plus de la personne qui joue les parties de piano de base. C’est une manière de jouer très différente. Mais, le plus souvent, vous avez le troisième rôle : vous jouez tout simplement toutes les parties de claviers possibles. » Ce troisième rôle est difficile, car il faut constamment passer d’une manière de jouer à une autre. Piano, Rhodes, Clavinet, synthé, strings, Hammond, etc. : vous les jouez tous avec des touches blanches et noires, mais c’est à peu près la seule chose qu’ils ont en commun. « Chacun de ces instruments et de ces sons demande une manière de jouer différente. Le Hammond est carrément un métier à part. Rien que ces différences rendent le jeu des claviers difficile, surtout en groupe », souligne Hilvert.

Formation pianistique

« Pour pouvoir remplir musicalement chaque rôle possible en tant que claviériste, il est indispensable d’avoir une main gauche bien développée », dit Hilvert. « Vous devez pouvoir jouer des accords et des lignes mélodiques avec les deux mains. En réalité, avec la main gauche, vous devez pouvoir jouer presque tout ce que vous pouvez jouer avec la main droite. » Et c’est souvent là que le bât blesse, à cause du parcours de beaucoup de claviéristes. La plupart ont en effet une formation pianistique, souvent solide, souvent classique. Sur un piano, vous êtes un groupe à vous seul : à droite, vous jouez mélodie et accords ; à gauche, vous jouez la ligne de basse (rythmique). Cela implique beaucoup de coordination motrice. Cette main gauche devient un problème dès qu’un claviériste de formation pianistique rejoint un groupe. Car il aura tendance à vouloir jouer automatiquement une ligne de basse avec la main gauche. Mais il gêne alors le bassiste : les notes graves se mélangent mal, et il y a souvent aussi des collisions rythmiques. C’est pourquoi certains groupes auraient envie d’attacher la main gauche de leur claviériste dans son dos. Heureusement, il existe des méthodes plus humaines — et musicalement responsables. « C’est bizarre de voir un claviériste ne rien faire de sa main gauche », dit Hilvert. « Il doit faire quelque chose. Mais cela doit être fonctionnel. Ce qu’un claviériste doit en tout cas maîtriser, c’est jouer des accords avec la main gauche. Les organistes savent déjà le faire, les pianistes doivent l’apprendre s’ils veulent jouer dans un groupe. Si vous jouez un accord à gauche, vous pouvez jouer une ligne mélodique à droite. Ou doubler l’accord : vous jouez alors l’accord avec chaque main, éventuellement avec deux sons différents. Cela peut se faire via un split sur le clavier, ou en jouant sur deux claviers. »

Petit “rebond” d’aide

En plus de jouer des accords, la main gauche peut faire d’autres choses, poursuit Hilvert. « Dans les parties rythmiques, la main gauche peut jouer des ghost notes, pour aider le timing. La main gauche devient alors une sorte de “petit rebond” d’aide pour jouer des grooves. Jouez alors à gauche la fondamentale ou la quinte. Et pas trop bas sur le clavier, sinon vous gênez à nouveau la basse. » Lorsqu’un claviériste fait un solo, il a souvent fortement besoin de sa main gauche pour le soutien harmonique. La main gauche joue alors les accords, tandis que la main droite joue une ligne mélodique. Le claviériste d’un groupe est le musicien qui colore l’ensemble. Pendant le jeu, il peut faire varier cette couleur « en temps réel ». Par exemple en tournant un bouton de filtre tout en tenant une note ou un accord sur un synthé. Ou, sur un Hammond, en bougeant les drawbars ou en passant la Leslie en lent/rapide. Il fait cela avec la main gauche, à moins de disposer de pédales pour cette action. Est-il absolument interdit de jouer une ligne de basse avec la main gauche ? « Non », répond Hilvert. « Dans certains styles, c’est justement nécessaire, comme dans le gospel et les musiques qui en sont issues. Là, il est agréable de doubler la basse ou de jouer une basse de piano séparée. »

Jouer des reprises (covers)

Dans beaucoup de musiques, la partie de claviers n’est pas « leading ». La batterie, la basse et la guitare se trouvent, musicalement parlant, au premier plan, et le claviériste colore le reste. Cela peut être rythmique avec des sons courts (par exemple piano ou Rhodes), ou en posant un « tapis » avec des sons longs. Ces sons longs peuvent être des strings, des pads (sons de synthé « duveteux »), d’autres sons de synthé, de l’orgue ou même des sons de cuivres. « Beaucoup de groupes jouent des reprises, y compris ceux dans lesquels je joue », dit Hilvert. « Dans les originaux, il n’y a pas toujours de parties de claviers. Pourtant, vous pouvez souvent ajouter une partie de claviers de manière créative et musicalement justifiée. Par exemple, l’un de mes groupes joue With or Without You de U2. Dans l’original, il n’y a pas de claviers, mais j’ai trouvé trois pads différents qui s’y marient bien. Je les place discrètement en dessous, et je fais un fondu au bon moment d’un pad à l’autre. Pour chaque pad, je choisis une autre position (register/voicing) de l’accord. Je tourne aussi le cut-off filter, pour colorer davantage. Les possibilités sont nombreuses pour les claviéristes. La condition, c’est de ne pas inventer une partie “en plus” pour le plaisir : il faut que ce soit fonctionnel, et que le morceau (surtout en reprise) reste reconnaissable. »

Rock orienté guitare

« Dans le rock orienté guitare, il est difficile d’inventer une bonne partie de claviers », constate Hilvert. « Vous pouvez jouer une partie de piano rythmique, mais il faut faire attention à ne pas perturber les riffs de guitare. Surtout s’ils sont caractéristiques du morceau. Dans un morceau rock, placer des accords de Hammond est généralement plus facile que jouer une partie de piano rythmique. Ce que je fais parfois, c’est choisir un son de guitare et jouer alors la “deuxième guitare”. On remarque à peine que ce n’est pas une vraie guitare. La condition, c’est de penser et jouer comme un guitariste. » Hilvert fait parfois quelque chose de similaire lorsqu’il soutient une petite section de cuivres. « Bien sûr, cela se fait en concertation avec les cuivres. Je choisis alors un son de cuivres et je joue avec la section. Il faut jouer de manière très précise dans le phrasé des cuivres et prendre cela très au sérieux, sinon ça sonne maladroit. » Certaines musiques sont déjà très chargées, sans qu’il y ait eu de claviériste. Que pouvez-vous encore ajouter ? « C’est très difficile. On rencontre cela en funk et en disco. Prenez par exemple Kiss de Prince. Chaque membre du groupe y fait “son petit truc de groove”, basé sur des doubles croches. C’est donc très dense. Dans ce cas, je joue minimal. Toutes les deux mesures, je joue un Clavinet sur le premier temps, ou juste avant. Mais alors avec un timing ultra précis. Jouer bien dans le timing me procure déjà suffisamment de plaisir, même si ce n’est qu’une note toutes les deux mesures. D’ailleurs, le timing est le plus important pour tout musicien, et donc aussi pour les claviéristes. Tout repose là-dessus. Le timing est pour moi numéro un. »

Voicing des accords

Pour un claviériste, il est important de jouer les accords avec le bon voicing. Le voicing d’un accord consiste à choisir quelles notes de l’accord vous jouez ou non, et dans quelle position (register). Il n’est en effet souvent ni beau (ni nécessaire) de jouer toutes les notes d’un accord, surtout dans un groupe. L’accord devient alors trop « bouché ». En plus de choisir les notes à jouer, il est important de les « répartir » correctement. En effet, la position des notes jouées détermine fortement la couleur et l’ouverture de l’accord.

Voicing des triades

Dans les triades (donc l’accord majeur ou mineur « classique »), vous jouez généralement les trois notes. Toutefois, dans le registre grave (sous le do central), évitez de mettre la fondamentale (la « note qui donne le nom » de l’accord) tout en bas ; placez-la plutôt en haut ou au milieu. Pourquoi ? Si la fondamentale se trouve en bas de l’accord et que vous jouez dans le registre grave, cette fondamentale se retrouve à l’octave de la note de la basse, qui joue généralement aussi la fondamentale. Cela sonne alors comme un doublage de la basse, ce qui n’est pas très agréable. C’est pourquoi, sous la fondamentale d’un accord en triade, il doit y avoir au moins une autre note de l’accord. Par exemple, si vous jouez un accord de C majeur (C–E–G) sous le do central, évitez donc C–E–G et prenez plutôt un renversement : G–C–E ou E–G–C. Il est aussi envisageable de supprimer la fondamentale de la triade, comme cela se fait souvent avec les accords à quatre notes et plus (voir plus loin). Cela peut par exemple bien fonctionner avec des accords sus2 et sus4. La fondamentale est déjà jouée par la basse et elle « se prolonge » dans l’accord du claviériste (et du guitariste). Mais, dans la plupart des triades, vous devez absolument jouer la fondamentale : sinon, cela ne sonne pas comme un accord.

Accords à quatre notes et plus

Nous avons indiqué que, pour certaines triades, vous pouvez envisager de supprimer la fondamentale. Pour les accords à quatre notes, cinq notes et six notes, c’est fortement recommandé. Comme dit, la fondamentale est déjà jouée par la basse. De plus, un accord à quatre notes ou plus sonne souvent mieux si vous supprimez la fondamentale. Si vous jouez la fondamentale d’un accord à quatre notes ou plus, et que la basse la joue aussi, l’accord devient lourd et figé. Il est aussi souvent recommandé de supprimer la quinte. La quinte est en effet étroitement liée à la fondamentale et sonne donc un peu comme un renforcement de cette fondamentale — du moins s’il s’agit d’une quinte juste (« normale »). Si la quinte est diminuée ou augmentée, elle est caractéristique de l’accord et vous devez la jouer. Un exemple pour clarifier : l’accord C7 (septième de dominante) est construit sur les notes C–E–G–B♭. Dans ce cas, vous pouvez supprimer la fondamentale et la quinte (juste), donc C et G. Vous ne jouez alors que la tierce et la septième (3 et 7). Ce sont E et B♭. Donc uniquement les notes qui « colorent » l’accord. Bien sûr, jouer la quinte n’est pas interdit, et c’est même très courant. Mais ne le faites pas automatiquement : réfléchissez-y et essayez ce qui vous semble le plus beau. Si vous jouez un C7 avec la quinte, les positions G–B♭–E (5-7-3) et B♭–E–G (7-3-5) sonnent généralement mieux que E–G–B♭ (3-5-7). Pour un accord de 9 (neuvième), comme pour l’accord de septième, vous supprimez la fondamentale et éventuellement la quinte (juste). Vous ne jouez donc que tierce-septième-neuvième (3-7-9). Et vous pouvez raisonner de la même manière pour les accords de 11 et de 13.

Position (register)

Normalement, vous jouez par exemple un C9 comme ceci : B♭–D–E–G (avec quinte) ou E–B♭–D (sans quinte), mais vous pouvez l’élargir en jouant E–B♭–D–G. Pour un C13, on utilise souvent ces voicings : B♭–D–E–A (7-9-3-13), mais cela sonne plus large en plaçant la neuvième plus haut, donc B♭–E–A–D (7-3-13-9). Souvent, au lieu de la neuvième, on joue aussi une fondamentale en haut. L’accord très reconnaissable de 10e mineure (= accord de #9) se joue presque toujours ainsi : tierce-(quinte)-septième-10e mineure (3-7-10m). C7#9 devient donc E-(G)-B♭-E♭. Un peu moins courant, mais également exploitable : le renversement B♭-E♭-E-G. « En jazz, on cherche à déplacer le moins de doigts possible lors des changements d’accords », explique Hilvert. « Vous choisissez la position d’un accord de manière à garder le plus possible des doigts en place en allant vers l’accord suivant. C’est plus confortable à jouer, et la résolution d’un accord vers l’autre sonne plus logique et plus calme. Vous faites moins de grands sauts sur le clavier. En pop, on le fait aussi souvent, mais ce n’est pas une obligation. Essayez simplement ce qui vous semble le plus beau. Du moment que vous y avez réfléchi. »

Voicing à deux mains (two hand voicing)

Revenons un instant aux triades. Vous pouvez aussi les jouer dans une position large. Cette position est si large qu’elle nécessite généralement deux mains (two hand voicing). Une triade en position large peut par exemple se jouer ainsi : fondamentale-quinte-tierce (1-5-3), la tierce étant à l’octave supérieure. Un C majeur devient alors C–G–E. Vous pouvez aussi avoir besoin de deux mains si vous voulez faire sonner une triade plus « épaisse » en ajoutant des notes. En pop et rock, on ne peut généralement pas le faire comme en jazz (où l’on ajoute des notes d’extension, par exemple 9 ou 13). En pop et rock, vous doublez le plus souvent seulement des notes de l’accord. Pour les triades, vous doublez la fondamentale ou la quinte. En principe, cela peut se faire autant que vous le souhaitez. Il n’est pas courant de doubler la tierce, car cela réduit l’ouverture. La tierce est une note trop forte dans l’accord. Une exception célèbre : la musique d’ABBA. On y double justement la tierce, ce qui est caractéristique du son d’ABBA. Pour illustrer : vous pourriez donc doubler un accord de C majeur ainsi : C–E–G–C–G–C. Les deux derniers G et C sont alors à l’octave supérieure. Et la septième ? Vous pouvez la doubler. Mais soyez prudent, car elle a un effet similaire à une tierce doublée.

Affirmez-vous

« Dans le circuit amateur notamment, les claviéristes sont parfois sous-estimés par leurs collègues de groupe », dit Hilvert. « Les claviers sont souvent quelque chose qui “s’ajoute”. Mais vous pouvez faire beaucoup vous-même en tant que claviériste. Vous pouvez imposer beaucoup de choses en vous affirmant musicalement. Assurez-vous de maîtriser votre instrument suffisamment bien pour pouvoir prêter attention à l’ensemble et vous y adapter. Vous aurez alors plus d’interaction avec le reste du groupe. Ne soyez donc pas trop focalisé sur votre petit truc à vous. Et vous ne vous affirmez pas en en faisant le plus possible. N’hésitez pas à laisser beaucoup d’espace. Vous marquez plus de points avec des choses simples, faites exactement au bon moment. Et soyez toujours conscient de l’effet de ce que vous jouez sur le son global du groupe. »

La pédale de volume est indispensable

« Une pédale de volume est indispensable pour chaque claviériste », estime Hilvert. « En tant que claviériste, vous coloriez beaucoup le son. Pour cela, vous devez pouvoir faire des fade in et fade out, pendant que vos deux mains jouent. Les sons peuvent aussi varier en volume, et vous pouvez corriger cela avec une pédale de volume. Optez pour une pédale qui fonctionne bien et offre une belle progression de volume. Personnellement, j’utilise la Yamaha FC7. L’idéal est de prévoir une pédale de volume distincte pour chaque clavier. En revanche, il ne faut pas combiner des sons de piano avec une pédale de volume : cela sonne peu naturel. Sur un piano, et par exemple aussi sur un Rhodes, vous contrôlez le volume avec l’attaque (la vélocité). »

Assurez-vous d’avoir suffisamment de touches

Assurez-vous, en tant que claviériste, de disposer d’un nombre suffisant de touches. Avec un clavier de cinq octaves seulement (61 touches), vous ne pourrez pas vous en sortir dans un groupe. Au moins un de vos claviers doit avoir 88 ou au minimum 76 touches. « Un claviériste divise souvent son clavier en différentes zones, chacune avec son propre son », explique Hilvert. « Ces zones doivent être suffisamment larges pour pouvoir jouer confortablement. Ce n’est pas possible sur un petit clavier. Vous avez aussi besoin d’un grand clavier si vous devez jouer une partie de piano qui inclut une basse. Par ailleurs, je recommande de jouer sur plusieurs claviers. Personnellement, j’en ai toujours au moins deux avec moi. »