Piano : histoire, technique et plus encore !

Le piano est l’un des instruments de musique les plus populaires au monde. Dans cet article, nous abordons l’histoire et le(s) inventeur(s) du piano, ses principales pièces, l’accordage, ainsi que le piano acoustique face au piano électrique et au piano numérique. Vous aurez également un aperçu de ce qu’implique un jeu de piano vraiment abouti.

Piano: geschiedenis, techniek & meer!

Un instrument pratique

En plus d’être un instrument riche et séduisant sur le plan musical, le piano est aussi un instrument pratique. Il se prête en effet très bien à la composition et aux répétitions. Cela tient notamment au fait que le piano est, à lui seul, un orchestre ou un groupe : vous pouvez y jouer une mélodie tout en jouant des accords et une ligne de basse. Vous couvrez ainsi pratiquement tout le spectre musical. Et avec une ligne de basse rythmique solide, vous pouvez vraiment « groover » au piano. Cet aspect « orchestre complet » du piano peut toutefois devenir un handicap pour les pianistes qui, depuis un contexte domestique, vont pour la première fois jouer dans un groupe. Un pianiste qui a toujours joué seul a l’habitude de jouer en permanence une ligne de basse, et il s’y appuie beaucoup. Mais cette ligne de basse au piano gêne presque toujours le bassiste. Dans un groupe, cela peut parfois susciter agacement et incompréhension, avec la tentation d’attacher la main gauche du claviériste dans son dos. Inutile d’aller jusque-là. En tant que claviériste, essayez de vous habituer au fait que, la plupart du temps, vous ne jouerez pas plus bas que le do grave (le do situé sous le do central). Rien que cela change déjà beaucoup. Essayez d’éviter une ligne de basse et intégrez cette note la plus basse dans l’accord que vous jouez. Vous ne gênerez ainsi pas le bassiste.

Un instrument à cordes à l’histoire riche

Le piano possède une riche histoire (musicale) et il est intéressant de s’y plonger, en faisant ici et là le lien avec les pianos numériques d’aujourd’hui. Le piano est un instrument à cordes, dont le son est produit par la frappe d’un marteau sur les cordes. Le piano s’appuie sur des innovations technologiques antérieures dans la facture instrumentale. Un ancêtre précoce du piano est le tympanon (en anglais : hammered dulcimer), une cithare dont les cordes tendues sont frappées avec des maillets (mallets). Dans les musiques traditionnelles, des instruments similaires sont encore largement utilisés. Au Moyen Âge, plusieurs tentatives ont été menées pour développer un instrument permettant de jouer les cordes via un clavier. Cela a notamment donné naissance au clavicorde et au clavecin, très utilisés au XVIIe siècle. Dans un clavicorde, les cordes sont frappées par une « tangente », une petite lamelle en laiton. Cela produit un son doux, ce qui fait du clavicorde surtout un instrument soliste pour le salon. Dans le clavecin, les cordes ne sont pas frappées mais pincées à l’aide d’un petit plectre, comme on joue de la harpe ou de la guitare. On peut obtenir davantage de volume avec un clavecin qu’avec un clavicorde, mais le clavecin a aussi une limite en termes de volume : il ne permet de jouer qu’à une seule intensité, ce qui laisse peu de possibilités de nuances. De plus, on ne peut pas tenir de longues notes (sustain) au clavecin, car le son s’éteint rapidement. On peut contourner cela dans une certaine mesure en jouant un trille, que l’on entend souvent dans la musique typique du clavecin.

Hoe maakt een piano geluid?

Bartolomeo Cristofori : inventeur du piano moderne

Malgré ces « limites », le clavicorde et le clavecin intégraient des siècles de connaissances accumulées sur les matériaux, les constructions et les mécanismes. Ces connaissances constituaient un excellent point de départ pour le développement du piano. L’inventeur du piano moderne est généralement considéré comme l’Italien Bartolomeo Cristofori (1655-1731), qui a introduit son pianoforte vers 1700. Cristofori était un facteur de clavicordes expérimenté. Le piano est le résultat de sa recherche visant à combiner les qualités du clavicorde et du clavecin : la dynamique et le sustain du clavicorde, ainsi que la puissance sonore du clavecin. Cristofori a trouvé la solution en faisant frapper la corde par un marteau (recouvert de feutre dur), puis en le laissant se dégager de la corde. Contrairement au clavicorde, dont la tangente reste en contact avec la corde après l’attaque et l’étouffe donc. Il s’agissait d’une invention révolutionnaire. Mais le marteau devait encore faire davantage : le retour en position de repos devait être le plus silencieux possible et il fallait pouvoir rejouer rapidement la même note. Cristofori y est parvenu, et le pianoforte est né : le « piano originel ». En termes musicaux (d’origine italienne), piano signifie « doux » et forte « fort » : un instrument permettant donc de jouer doucement et fort. Au cours des siècles suivants, ce nom a évolué en « piano », mais il s’agit en principe du même instrument que le pianoforte.

Touches lestées et étouffoirs

Le mécanisme à marteaux inventé par Cristofori a servi de modèle aux nombreux autres mécanismes développés par les facteurs de pianos au fil des siècles. L’« action » d’une touche de piano se prête parfaitement à donner une dynamique propre à chaque touche jouée, un ingrédient musical essentiel. Pour les concepteurs des pianos numériques apparus bien plus tard, il a été (et c’est toujours) un grand défi de retrouver cette même action dans un piano numérique, puisqu’il n’y a pas de marteaux. On parle alors de touches lestées. La plupart des claviéristes préfèrent jouer du piano sur un clavier ou un piano numérique doté de touches lestées, car cela leur permet de donner naturellement de la dynamique à leur jeu. Sur un clavier équipé de touches de synthétiseur légères et ressorties, c’est beaucoup plus difficile. Revenons à Cristofori. En plus des têtes de marteaux recouvertes de feutre dur, il a aussi équipé le piano d’étouffoirs en feutre doux. En appuyant sur une touche, l’étouffoir correspondant est levé de la corde et la tête du marteau frappe les cordes. Les vibrations des cordes sont transmises via un chevalet à la table d’harmonie, qui se met à résonner. Lorsque la touche est relâchée, l’étouffoir est immédiatement repoussé contre la corde, ce qui étouffe la note. Voir aussi notre article expliquant comment un piano produit du son !

De drie piano-pedalen, waar dienen deze voor?

Pédale de sustain et autres pédales

Le facteur d’orgues allemand Gottfried Silbermann (1683-1753) a inventé une amélioration importante du pianoforte de Cristofori. Il a conçu l’ancêtre de la pédale de sustain moderne. En appuyant sur cette pédale, tous les étouffoirs sont simultanément levés des cordes, ce qui permet aux cordes jouées de continuer à résonner. De plus, les cordes graves en vibration mettent en vibration les cordes aiguës libres : elles « participent » donc elles aussi (résonance). Cette participation de cordes non frappées est très caractéristique d’un piano acoustique. Sur un piano, on entend en réalité presque toujours plus que les seules cordes frappées, ce qui confère aussi une certaine richesse au son. Cette résonance est un aspect important pour les concepteurs de pianos numériques qui visent un rendu de piano le plus naturel possible. Les pianos actuels possèdent deux ou trois pédales, dont la pédale de sustain (la pédale de droite) est la plus utilisée. La pédale de gauche (en termes musicaux : una corda) fait sonner le piano plus doucement. Certains pianos ont au milieu une troisième pédale. Sur certains modèles, il s’agit d’une pédale d’étude, verrouillable, qui atténue le volume afin de limiter les nuisances sonores. Sur d’autres pianos, généralement des pianos à queue, il s’agit d’une pédale sostenuto. Elle laisse résonner toutes les cordes dont la touche est enfoncée. Lisez aussi notre article sur les pédales de piano.

Bach et Mozart

Après son introduction, le pianoforte ne s’est pas immédiatement imposé. Le célèbre compositeur Johann Sebastian Bach (qui vivait à la même époque) n’était d’abord pas très enthousiaste. Il trouvait les aigus trop faibles. Sur un modèle plus récent qu’il a vu en 1747, il s’est montré bien plus enthousiaste. Au fil des siècles suivants, le piano a connu un essor considérable et est devenu, jusqu’à aujourd’hui, un instrument immensément populaire. Entre-temps, de nombreuses améliorations techniques ont été apportées. À l’époque de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), le piano sonnait plus doux et plus « éthéré » que les pianos actuels. Dans la première moitié du XVIIIe siècle, le piano a subi un certain nombre de modifications majeures, qui ont conduit au piano tel que nous le connaissons aujourd’hui. La révolution industrielle de ce siècle y a certainement contribué : les différents éléments pouvaient être fabriqués avec une qualité de plus en plus élevée. Dans la seconde moitié du XXe siècle sont apparus les pianos électriques et électroniques. À ne pas confondre avec le piano numérique moderne. Ils étaient surtout conçus comme une alternative « portable » et plus facile à transporter. Mais il y avait aussi des modèles très lourds. En réalité, cette génération de pianos électriques et électroniques n’est pas parvenue à imiter correctement le piano acoustique. En revanche, elle a donné naissance à des instruments au son totalement propre, et qui sont devenus des instruments à part entière. Parmi les exemples célèbres : le Wurlitzer, le Fender Rhodes, la série Yamaha CP et le Hohner Pianet.

Akoestische piano of digitale piano - Wat moet ik kopen?

Piano numérique

Dans les années 80 du siècle dernier sont apparus les pianos numériques et les synthétiseurs polyphoniques. Ceux-ci pouvaient se rapprocher de plus en plus du son naturel du piano. Les pianos numériques les plus utilisés sont ceux dont la génération sonore repose sur des samples. Aujourd’hui, ces samples sont de très haute qualité, car il s’agit d’enregistrements des meilleurs pianos au monde, réalisés avec du matériel d’enregistrement haut de gamme. Outre la portabilité, les pianos numériques présentent encore plusieurs avantages par rapport au piano acoustique. Pour n’en citer que quelques-uns : moins chers, ils ne nécessitent pas d’accordage, ils offrent généralement plus de sons que le seul piano, ils proposent souvent des possibilités MIDI, une sortie casque (contre les nuisances sonores), la transposition, une amplification facile via la sortie ligne, etc. Ce sont surtout des avantages pratiques. Bien sûr, vous pouvez choisir un piano acoustique pour des raisons musicales, tout simplement parce que vous le trouvez plus beau. Pour beaucoup, l’acoustique procure une « sensation » musicale différente du numérique. Une autre raison peut être qu’un piano acoustique est plus élégant dans un salon. Par ailleurs, il existe aujourd’hui des pianos numériques dont le « look » se rapproche beaucoup de celui d’un piano acoustique. Vous ne transportez pas votre piano et vous voulez le meilleur des deux mondes, acoustique et numérique ? Vous pouvez alors opter pour un silent piano. Il s’agit d’un piano acoustique pouvant être rendu silencieux (silent) en basculant en mode numérique. Les frappes des marteaux sont alors amorties par une bande de feutre, tandis que des capteurs enregistrent les mouvements. Ces mouvements sont ensuite convertis, via un module intégré, en un son de piano numérique que vous pouvez écouter au casque. Si vous devez transporter votre matériel, vous opterez généralement pour un stage piano. Il s’agit d’un piano numérique conçu pour être aussi compact que possible, posé sur un support séparé, et qui ne possède généralement pas de haut-parleurs intégrés. Pour en savoir plus sur le piano acoustique face au piano numérique, consultez notre article dédié.

Physical modelling

Comme expliqué ci-dessus : les pianos numériques fonctionnent sur la base de samples. Pour beaucoup de pianistes, cela donne un résultat satisfaisant. Pourtant, les pianistes formés au classique diront souvent qu’il manque quelque chose. Le problème des samples, c’est qu’il s’agit de « snapshots ». Leur caractère n’est pas influencé par les autres notes jouées, comme c’est le cas sur un piano acoustique. Les fabricants de pianos numériques ont imaginé des solutions techniques pour se rapprocher du ressenti acoustique, mais cela reste une sorte d’illusion. L’alternative au « piano à samples » est le piano dont la génération sonore repose sur le physical modelling, comme le Roland V-Piano. Il existe également des pianos logiciels basés sur le physical modelling. Le physical modelling est une méthode de synthèse sonore visant à reproduire le plus fidèlement possible de vrais instruments. Ici, on ne reproduit pas le son en lui-même : on simule, à l’aide d’un modèle mathématique, l’interaction entre tous les éléments physiques d’un instrument, y compris leurs propriétés.

Acoustique, sample ou physical modelling : le piano est un instrument formidable. Chaque pianiste, du classique au jazz en passant par la pop, a sa propre fascination pour l’instrument. Vous pouvez dépenser une somme folle pour un piano à queue acoustique de classe mondiale. Et vous pouvez, pour quelques centaines d’euros, acheter un stage piano tout à fait correct qui fonctionne parfaitement dans un groupe pop. Et tout ce qu’il y a entre les deux.

Bon à savoir

Utilisation des pédales dans un groupe

Pour les claviéristes qui jouent du piano numérique dans un groupe, seule la pédale de sustain est réellement importante. Si le groupe joue « plein », vous n’aurez généralement pas besoin d’utiliser votre sustain. Mais s’il y a davantage d’espace, une pédale de sustain peut apporter beaucoup à votre son de piano et être parfois même indispensable. Avec le sustain, votre piano sonne plus plein et porte davantage. Cela dit, l’utilisation des pédales au piano n’est pas si simple. Ce n’est pas juste une question d’enfoncer et de laisser résonner. Entre-temps, vous devez étouffer au bon moment (relâcher la pédale) pour éviter d’obtenir une bouillie sonore.

Grand et upright

On peut diviser les pianos acoustiques en pianos à queue (grand piano) et pianos droits, aussi appelés pianos buffet (upright piano). Un piano à queue a des cordes tendues horizontalement, et les marteaux frappent les cordes par en dessous. Sur un piano droit, les cordes sont verticales et les marteaux frappent les cordes de côté. Sur un piano à queue, le son est généralement plus plein dans les octaves graves, car les cordes peuvent être plus longues et plus fines que sur un piano droit. Il existe des pianos à queue de différentes longueurs, jusqu’à plus de trois mètres. En règle générale, plus un piano à queue est long, meilleur (et plus puissant) est le son. Le mécanisme de répétition d’un piano à queue est différent de celui d’un piano droit. Cela permet généralement de rejouer plus rapidement la même touche sur un piano à queue. Lors d’un récital de piano ou d’un concerto pour piano, le soliste joue presque toujours sur un piano à queue. Voir aussi l’article expliquant comment un piano produit du son.

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Pourquoi le piano ?

L’un des pianistes de jazz les plus connus des Pays-Bas est Bert van den Brink. Bert joue aussi de l’orgue d’église, de l’Hammond et de l’accordéon, mais le piano est son plus grand amour musical. « J’ai plusieurs raisons pour lesquelles j’aime autant le piano. Mais le fait de pouvoir créer des harmonies sur un piano, c’est pour moi le point numéro un. Le piano est une sorte de “boîte de couleurs” avec une infinité de possibilités de mélange. Je pose mes deux mains sur les touches et je pars à la recherche des harmonies qui me plaisent. Pour moi, jouer du piano, c’est chercher, se perdre et parfois trouver. » L’aventure musicale et la quête de Bert au piano ont, pour lui, une composante motrice importante. « Vous avez énormément de possibilités dans la manière d’amener les marteaux jusqu’aux cordes. D’un point de vue moteur, c’est un défi majeur, à chaque fois que vous jouez du piano, pour chaque touche que vous effleurez. Il y a aussi un risque, même pour des musiciens très expérimentés. Si vous essayez de jouer très doucement, vous courez le risque que le marteau n’atteigne pas la corde. Et alors, vous n’entendez rien. Je trouve cela fascinant. Vous pouvez l’éviter en jouant toujours “en sécurité”, mais ce n’est pas ce que je veux. D’ailleurs, il y a un risque dans presque tous les instruments : au violon on peut jouer faux, une note sur un instrument à vent peut rater, et même sur un triangle on peut frapper au mauvais endroit. Mais ces risques font justement partie du fait de faire de la musique. Cela reste une quête, pour chaque musicien. » Bert mentionne une autre particularité du piano : « Tout ce que vous faites au piano, vous le faites avant le son. Autrement dit : au piano, tout est anticipation. Au moment où le son est là, vous ne pouvez plus rien y changer. Sur un instrument à cordes frottées ou à vent, c’est possible. Donc tout ce “bricolage” et ce “tâtonnement” sur les touches d’un piano est une préparation au son que vous voulez produire. » Bert est un fervent défenseur de ce qu’il appelle lui-même « aller profond dans la touche ». « Je ne suis pas tellement adepte d’effleurer les touches brièvement et en surface, sauf quand vous le faites consciemment comme effet. En temps normal, je veux aller au fond de la touche. C’est aussi ce que j’essaie de faire comprendre à mes élèves. Il faut vraiment accompagner la touche vers le bas. C’est là que vous avez le plus d’influence sur le son, et que vous êtes encore présent quand la note frappée cesse de résonner. » Cette manière de jouer vous permet de jouer plus ou moins lié. « C’est surtout là que le pianiste appose sa signature », estime Bert. « Vous apportez de la chaleur à votre jeu en laissant les notes se chevaucher légèrement. La manière dont vous le faites détermine fortement votre jeu. Malheureusement, dans l’enseignement de la musique, c’est un aspect sous-estimé du piano. Mais pour moi c’est très important, et j’y consacre beaucoup d’attention dans mon enseignement. Essayez. Et au début, faites en sorte que ce chevauchement vous paraisse très exagéré. Enregistrez-vous, réécoutez et ressentez l’effet. Installez-vous vraiment dans les notes, comme si vous étiez assis dans un fauteuil confortable et trop paresseux pour vous lever. Vous pouvez énormément améliorer votre jeu de piano de cette façon, surtout si vous avez l’impression qu’il manque quelque chose. »

Tempérament égal

En général, un piano acoustique dans un salon doit être accordé deux fois par an. Si vous le transportez régulièrement, il faudra le faire plus souvent. L’accordage du piano est un métier en soi, et la plupart des propriétaires de piano doivent confier cette tâche à un accordeur professionnel. L’accordage du piano (en réalité de tous les instruments) est une histoire à part entière. La répartition des douze sons au sein d’une octave a déjà donné des maux de tête au philosophe grec Pythagore, car les rapports de fréquence consonants des octaves (1:2), de la quinte (2:3) et de la quarte (3:4) ne sont pas compatibles mathématiquement. Cette imperfection a d’abord conduit à de nombreux tempéraments différents. En se plongeant dans l’histoire de la musique, on en trouve un grand nombre d’exemples, ainsi que des scientifiques qui s’y sont intéressés. À la fin du XVIe siècle, le tempérament égal a été introduit et il est devenu le tempérament le plus utilisé dans le monde occidental, y compris pour le piano. Dans le tempérament égal, l’octave est divisée en douze intervalles exactement identiques. Cela paraît simple et logique, mais c’est plus compliqué que vous ne le pensez. Et (sauf pour l’octave), les intervalles ne sont jamais exactement égaux aux rapports consonants (= justes, non faux) qu’ils devraient avoir. Malgré cette « imperfection », l’avantage de ce tempérament est qu’il reste aussi (peu) faux lorsqu’on passe dans une autre tonalité. Le tempérament égal est un compromis visant à sonner aussi (peu) faux dans les douze tonalités.

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» Pianos logiciels
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