Apprendre à jouer bien en place ? Faites ces exercices !

Jouer bien en place est presque toujours une condition pour qu’un groupe sonne bien. Si la musique n’est pas en place, ça “branle”. Même un non-musicien peut l’entendre, ou au moins le ressentir. Comment réussir à jouer en place sur votre instrument ? Autrement dit : comment développer un bon timing en tant que musicien ? Nous vous proposons 15 exercices pratiques et de nombreux conseils utiles !

Strak leren spelen: doe deze oefeningen
Photo (retouchée) : Evil monkey, par Jason Scragz, licence CC BY 2.0

Le timing d’abord

Le timing est extrêmement important en musique. Comme le dit le guitariste John Scofield : « Le timing d’abord, ensuite votre son, et seulement après votre choix de notes. » Le plus difficile, c’est que le timing est justement ce qui demande le plus de travail ciblé. Pour qu’un groupe sonne bien en place, il faut remplir deux conditions. Premièrement, chaque musicien individuellement doit avoir un bon timing. Deuxièmement, l’ensemble du groupe, donc le jeu collectif, doit être mis en place avec un bon timing. Concentrons-nous d’abord sur le musicien individuel : vous. Et sur un mythe tenace dans le monde des musiciens, surtout chez les amateurs. À savoir : tout faire « au feeling et à l’oreille ». Beaucoup de musiciens sont fiers de ne pas savoir lire une note (et ne veulent surtout pas), de ne rien connaître à la théorie, et de tout faire grâce à leur (supposé) talent. C’est vrai : avec l’oreille et le feeling, on peut aller loin. Mais cela concerne souvent la mélodie, l’harmonie, l’expression et ce genre de choses. Faire de la musique avec un bon timing, c’est une autre histoire. Cela se travaille de manière ciblée, beaucoup (sans fin même), et il faut comprendre ce que l’on fait. Vous ne l’avez jamais fait ? Il n’est jamais trop tard pour commencer. Bien sûr, il n’y a rien de mal à vouloir faire « au feeling ». Mais il est bon de réaliser qu’augmenter vos connaissances (musicales) contribue à vous permettre de faire de la musique encore mieux… au feeling. Dans la communication entre musiciens, un minimum de connaissances théoriques est indispensable. Tant que la connaissance ne devient pas une fin en soi. Quand on parle de timing, ça ne fait pas de mal de connaître les mesures et les figures rythmiques. Il est très difficile de communiquer avec vos collègues sur l’emplacement d’une note si vous ne maîtrisez pas ce langage. Cette connaissance est aussi utile pour votre travail en autonomie : elle vous aide à jouer les exercices avec plus de conscience rythmique et donc plus de précision.

L’oreille qui joue et l’oreille qui écoute

Vous ne vous enregistrez jamais en train de jouer ? Simplement parce que vous n’y avez jamais pensé, ou parce que vous n’osez pas ? Ou parce que vous pensez que le matériel d’enregistrement est trop cher et trop compliqué ? Faux. En tant que musicien, il n’existe aucun bon argument pour ne pas vous enregistrer. Enregistrez-vous, réécoutez, et vous risquez de sursauter. Souvent, c’est nettement moins bon que ce qu’on imaginait, et la plus grosse déception est fréquemment un timing désordonné. Comment est-ce possible ? Parce que vous avez une « oreille qui écoute » et une « oreille qui joue ». Quand vous écoutez un enregistrement, vous le faites avec votre oreille qui écoute, à distance, de façon objective. Quand vous faites de la musique, vous vous écoutez avec votre oreille qui joue. Et cette oreille est, par nature, moins objective que votre oreille qui écoute. Ce qui semble correct à l’oreille qui joue, se fait impitoyablement démasquer par l’oreille qui écoute. Et cela concerne surtout le timing. Que faire ? Il faut en quelque sorte « synchroniser » l’oreille qui joue avec l’oreille qui écoute. Vous devez développer votre oreille qui joue pour qu’elle devienne aussi objective et compétente que votre oreille qui écoute. Comment ? En vous enregistrant et en réécoutant. Encore et encore, pendant toute votre carrière musicale. C’est LE moyen pour développer l’oreille qui joue. Bonus : non seulement votre timing s’améliore, mais vous travaillez aussi tous les autres aspects musicaux en vous réécoutant souvent.

Timing

Comme dit plus haut : « jouer en place », c’est jouer avec un bon timing. Allons un peu plus loin. Au sens strict, le timing est l’exécution rythmique la plus rigoureuse, presque mathématiquement précise, d’une partie musicale. Autrement dit : le timing concerne le moment où vous démarrez une note et le moment où vous l’arrêtez. Le timing est un facteur de qualité majeur en musique. Compter est une compétence indispensable dans cette histoire. Compter permet d’indiquer quand une mesure commence et quand elle se termine. Cela paraît simple, mais c’est plus difficile qu’on ne le pense. Bien compter, c’est apprendre à sentir, pendant que vous jouez, où commence la mesure suivante. L’objectif est d’apprendre à sentir le « 1 », le premier temps de la mesure. Dans la pop, il est extrêmement important, en particulier pour les batteurs et les bassistes. Car ce sont eux qui portent les temps forts : dans une mesure à 4/4 (la plus fréquente), ce sont les temps 1 et 3. Le 1 est le roi. Essayez donc avec un métronome et jouez de temps en temps une variation. Vous remarquerez qu’il est facile d’accélérer pendant cette variation, et que votre temps 1 arrive un peu trop tôt.

Le sens du rythme interne

Beaucoup de musiciens se concentrent sur l’entraînement de plans rapides, mais négligent leur attention au timing. Avant de vous jeter dans ces plans rapides : développez d’abord votre sens du rythme interne à un niveau suffisant. Et entretenez-le, puis continuez à le développer. Le meilleur outil pour développer votre sens du rythme interne est le métronome. Aimé et détesté des musiciens. Vous haïssez peut-être le métronome et son clic impitoyable. Mais croyez-le : beaucoup de musiciens professionnels (surtout dans la section rythmique) ont passé des heures avec un métronome. Le métronome est un excellent outil pour votre conscience du tempo, pour développer votre sensation intérieure du rythme et du tempo. Mais il est plus agréable de s’entraîner avec une boîte à rythmes ou une drum machine, vous dites-vous peut-être. Et ça marche aussi bien qu’un métronome, non ? Non, au début, un métronome fonctionne mieux. Justement parce qu’un métronome est moins confortable, plus implacable. Une boîte à rythmes vous aide à placer vos notes au bon endroit entre les temps, ce qui fait que vous retombez vite « sur le temps ». Avec un métronome, vous devez faire une grande partie du travail par vous-même : vous n’avez que les clics sur les temps. Entre les clics, à vous de jouer… et de retomber correctement sur le clic suivant.

Guitare et claviers

La batterie et la basse sont, par définition, des instruments rythmiques. Mais la guitare et les claviers ont aussi un rôle important dans l’ensemble rythmique d’un groupe. Un guitariste joue 80 % du temps en rythmique et fait donc partie de la section rythmique. Bien jouer la guitare rythmique, c’est difficile. L’art consiste à rester en mesure et à rester calé avec la batterie. Il en va de même pour les claviers, surtout pour les parties type piano (avec des notes qui résonnent puis s’éteignent). Jouer en rythmique est encore plus difficile lorsqu’on n’a pas un coup audible sur chaque noire ou chaque croche. On sort alors facilement du rythme. Il existe une bonne solution : continuez à « balayer ». Autrement dit : votre main doit toujours continuer le mouvement, que vous touchiez les cordes ou non. Ainsi, vous gardez un « flow » constant dans la main et vous conservez une bonne groove. Cette technique marche très bien pour les accords, mais aussi pour des notes isolées. Vous pouvez aussi choisir de jouer des dead notes entre deux, mais ce n’est pas obligatoire. Chez les batteurs, on observe quelque chose de similaire : ils font des mouvements qui ne produisent pas toujours un son, mais qui soutiennent la groove. On voit aussi parfois des claviéristes « tambouriner » sur les touches, pour les mêmes raisons. Dans ce sens, les bassistes ont la tâche plus difficile : sur une basse, on ne peut pas faire un mouvement continu du même type. En solo aussi, un bon timing est crucial. Si votre timing n’est pas tout à fait au point en accompagnement (par exemple en rythmique), en solo c’est généralement encore pire. Beaucoup de solistes, surtout les guitaristes et claviéristes, se perdent dans des plans rapides et se plantent sur le timing. Laissez tomber ces plans et essayez d’abord de jouer correctement en mesure.

Travaillez votre timing

Nous allons vous donner des pistes pour développer un meilleur timing en tant que musicien. Peut-être devrez-vous faire un petit ou un grand « changement de culture » en vous-même. Si vous faites partie des (nombreux) musiciens qui font tout au feeling et à l’oreille (ce qui est très bien), vous devez maintenant accepter de travailler de façon un peu plus « scientifique ». Ce côté « scientifique » tient en trois points : apprendre à lire les notes simplement (savoir lire uniquement la notation rythmique suffit !), prendre un métronome, et vous enregistrer. Vous êtes prêt à le faire ? Bienvenue au paradis du jeu bien en place.

Lire les notes

Beaucoup de musiciens ne savent pas lire les notes, ou seulement un peu. Pourtant, il est utile d’apprendre cette compétence, ne serait-ce que pour pouvoir « voir » le rythme. Si vous écrivez le rythme d’un morceau (par exemple la partie de basse) en notation, ce rythme devient très clair. Cela vous aide à voir comment vous devez le jouer par rapport aux temps. Écrire a aussi un autre effet : comme vous devez noter quelque chose, vous êtes obligé de réfléchir à la structure rythmique exacte. Vous mémoriserez donc mieux votre partie. Il y a un autre argument en faveur de la lecture : vous en avez besoin pour faire des exercices rythmiques. Par exemple ceux de cet article. Nous reviendrons tout à l’heure sur la lecture !

Métronome et enregistrements

Comme expliqué plus haut : le meilleur outil pour développer votre sens du rythme interne est le métronome. Aimé et détesté des musiciens. Vous haïssez peut-être le métronome et son clic impitoyable. Mais croyez-le : beaucoup de musiciens professionnels (en particulier dans la section rythmique) ont passé des heures avec un métronome. Le métronome est un excellent outil pour votre conscience du tempo, pour développer votre pulsation intérieure. Achetez-en un, ce n’est pas si cher. En plus, beaucoup d’appareils (par exemple pour enregistrer ou lire de l’audio) en intègrent gratuitement. Sur internet, on trouve aussi beaucoup de métronomes en ligne. S’entraîner avec une drum machine est très bien, mais un métronome vous aide encore mieux à développer votre pulsation interne. Dans la première partie de cet article, nous avons expliqué la différence entre l’oreille qui écoute et l’oreille qui joue. Chez beaucoup de musiciens, elles ne sont pas synchronisées. Vous pouvez les synchroniser en vous enregistrant souvent et en réécoutant de manière critique. Une autre astuce : bougez. Faites bouger une partie de votre corps exactement sur chaque temps : l’avant du pied, le talon, la tête, ou ce que vous voulez. C’est votre métronome interne. Pas « avec le rythme », mais sur chaque temps de la mesure. Le talon du pied semble d’ailleurs être privilégié, car vous ressentez ainsi le temps dans tout le corps. Bon courage avec les exercices, et ne vous frustrez pas trop vite. Vous y prenez goût ? Il existe assez de livres avec encore plus d’exercices, souvent spécifiques à votre instrument.

Exercices rythmiques

Pour ces exercices, nous partons du principe que vous savez ce que sont les mesures et que vous savez au moins un peu lire les notes, en tout cas rythmiquement. Si ce n’est pas le cas, lisez notre article sur le rythme, le tempo et les mesures. Si vous avez appris à lire des lettres et des mots, vous pouvez certainement apprendre à lire les notes, car c’est bien plus simple. Surtout s’il ne s’agit que de notation rythmique, comme ici.

Important : faites tous les exercices avec un métronome et enregistrez-vous, afin de réécouter régulièrement. Il y a de fortes chances que vous sursautiez en vous réécoutant la première fois. Mais continuez : le timing se travaille.
Sur la portée du haut figure ce que vous devez jouer. Sur la portée du bas figure le clic du métronome.
Dans les exercices, la note Sol (G) est notée à chaque fois. Cependant, vous pouvez jouer (ou chanter) n’importe quelle note. Si vous avez un instrument polyphonique, vous pouvez choisir de jouer une note isolée ou un accord (ou alterner).
Pour chaque exercice, un tempo est indiqué en bpm (beats per minute). Entraînez-vous d’abord au tempo indiqué. Si l’exercice passe bien, variez les tempos. Le plus grand défi : augmenter le tempo tout en restant en place. Mais attention : jouer très lentement et rester parfaitement en place est parfois encore plus difficile, car on a plus de temps pour dériver.