Intros et fins dans les morceaux joués en live – comment leur donner de l’impact

Dans un morceau joué en live, l’intro et la fin sont des moments critiques. Et surtout la fin doit avoir l’impact nécessaire. Une conclusion faible ou mal exécutée tire tout le morceau vers le bas. Autre problème : comment inventer, tout simplement, une bonne fin ? Par exemple pour un titre original, ou pour une reprise dont l’original se termine en fade-out. Expérimentez avec les conseils de cet article, et ces applaudissements timides et hésitants appartiendront bientôt au passé !

Intros et fins en live – comment leur donner de l’impact

La fin : la touche finale de votre travail

Tous les groupes qui se produisent sur scène le savent : une fin faible entraîne moins d’applaudissements, quelle que soit la qualité du reste du morceau. C’est vraiment dommage de proposer, en situation live, une fin molle ou mal exécutée. Une fin floue ou ambiguë se solde, elle aussi, le plus souvent par des applaudissements hésitants. Veillez donc à ce que vos fins soient nettes et bien en place. C’est la touche finale de votre travail. Lors de concerts intimistes, ou lorsque vous jouez en fond sonore d’une réception, on est d’ailleurs généralement moins exigeant sur les fins. En revanche, si vous jouez dans un bar, sous un chapiteau, ou en salle de concert, elles doivent être impeccables. « Souvent, une fin un peu cliché — donc prévisible — fonctionne le mieux », explique le coach de groupe et trompettiste Martin Hiddink. « Ce type de fin est clair pour le public et fonctionne généralement mieux que des fins ingénieuses, pensées dans le détail et jouées de façon virtuose. Quelque chose de simple et direct. » Souvent, la fin constitue aussi une sorte de climax vers lequel on construit. En jouant, en groupe, sur la dynamique et la tension, le public entend que vous vous dirigez vers la fin, qui agit alors comme un point culminant du morceau. La plupart du temps, le refrain se prête mieux à la conclusion d’un titre qu’un couplet. On remarque d’ailleurs qu’à la fin de beaucoup de morceaux, on rejoue encore deux fois le refrain avant de conclure.

L’inventer soi-même

Pour la plupart des morceaux, vous devez inventer vous-même la fin. Pour vos compositions, c’est évidemment logique, mais c’est vrai aussi pour la majorité des reprises. Car « sur disque », l’original se termine souvent en fade-out. Pourquoi ? Personne ne connaît la réponse exacte. Sur internet, on trouve de nombreuses explications, allant du technique à l’artistique. Est-ce qu’un fade-out est interdit pour les groupes qui jouent en live ? Bien sûr que non : en musique, rien n’est interdit. Mais vous prenez le risque que la fin ne soit pas claire pour le public, qui réagira alors de façon tiède. « En plus, en live, vous ne pourrez jamais faire un fade-out comme sur un enregistrement », remarque Martin. « Sur disque, ils baissent le volume en continu jusqu’au silence total. Il n’y a pas vraiment de dernière note. En live, ce n’est pas possible. Même si vous jouez de plus en plus doucement, à un moment donné, vous jouez quand même cette dernière note, puis la musique s’arrête. Donc même avec un fade-out joué en live, il faut décider quelle sera votre dernière note. »

Le bon accord final

Vous devez donc souvent inventer vous-même la fin. Et ce n’est pas toujours simple. Conseil logique, mais néanmoins essentiel : terminez sur le bon accord. Si un morceau est en do majeur, vous concluez généralement sur l’accord de do majeur. Idem pour sol mineur, etc. Ce n’est pas une règle gravée dans le marbre — la musique n’a pas de lois —, mais c’est au minimum une bonne ligne directrice. Si vous ne terminez pas sur l’accord de la tonalité, on a l’impression qu’il manque encore quelque chose. Bien sûr, cela peut être un choix artistique de finir sur un accord différent, par exemple sur le IVe ou le Ve degré, à condition d’en connaître les conséquences. « Votre accord de fin doit aussi correspondre au style du morceau », conseille Martin. « C’est très étrange de terminer un morceau de rock ‘trois accords’, très direct, avec un accord façon fusion, rempli de notes ajoutées. Et inversement, bien sûr. Une fin trop simple sur un morceau relativement complexe ne colle pas vraiment non plus, et passe souvent mal. »

Du matériau tiré du morceau

Pour inventer une fin, utilisez le matériau du morceau lui-même. Si vous trouvez quelque chose de totalement nouveau et original, on aura l’impression que vous jouez soudain un autre morceau. Ne faites donc pas quelque chose de complètement différent du reste. « Souvent, on trouve dans le morceau une petite ligne mélodique qu’on peut utiliser pour la fin », dit Martin. « Elle peut être dans le refrain, mais aussi dans un passage instrumental. Parfois, on peut la reprendre presque telle quelle ; parfois, il faut la transformer un peu pour en faire une fin. Vous pouvez aussi imaginer quelque chose à partir des accords du morceau : vous en faites un motif rythmique, auquel de plus en plus d’instruments se joignent. Vous construisez alors une sorte de climax qui sert de conclusion. Pas trop long, sinon ça lasse. Quatre ou huit mesures, c’est parfait. »

Un moment risqué

Même si une fin est bien pensée, c’est un moment risqué dans un morceau joué en live. Surtout si vous avez convenu de toute une série d’accords, du type : « après le dernier refrain, on joue quatre fois ceci, encore une fois cela, et puis… ». « Plus il y a d’accords, plus le risque d’erreur augmente », sait Martin. « Tout le monde ne s’en souvient pas toujours aussi bien, ou n’est pas suffisamment concentré à ce moment-là. Ou il y a des malentendus sur ce qui a été convenu. Il est plus sûr, par exemple, que le batteur indique l’arrivée de la fin avec un fill. Ou que le chanteur donne un signe — ce qu’on appelle, en musique, un “cue”. » Les cues sont monnaie courante en musique live. Un cue peut aller d’un petit hochement de tête vers le reste du groupe à un bras levé, voire plus spectaculaire encore. Est-ce grave si le public voit le cue ? En général, non : cela fait partie du live. Mais vous pouvez évidemment rester subtil. Pour un spectacle en théâtre, par exemple, c’est conseillé. Quelqu’un qui le faisait de façon particulièrement subtile, c’était James Brown. Ce n’était pas tout à fait “remuer l’orteil gauche”, mais, en termes de subtilité, ses cues n’en étaient vraiment pas loin. Et il était furieux contre les musiciens qui rataient ces cues — parfois au point d’infliger des amendes et de licencier.

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Les yeux et les oreilles

« Le timing d’un cue est essentiel », selon Martin. « Il faut le placer à un endroit logique, qui ne laisse qu’une seule façon d’interpréter la fin. Pas trop tôt, sinon certains musiciens s’arrêteront peut-être prématurément. Mais pas trop tard non plus, car ce sera trop inattendu, avec tous les risques que cela implique. » Entraînez-vous pendant les répétitions. Et variez la longueur des fins, pour éviter de vous conditionner tous à ces “quatre mesures” systématiques. Vous devez être conditionnés au cue, peu importe que l’approche de la fin soit courte ou longue. Les cues rendent le fait de jouer ensemble beaucoup plus agréable. Pas seulement pour les fins, mais aussi pour les bridges, les breaks et toutes sortes d’autres “moments clés” d’un morceau. Une condition : tous les musiciens doivent rester concentrés sur ces cues et, pour cela, observer en permanence — avec les yeux et les oreilles — ce qui se passe sur scène. « Donc, ne restez pas le nez collé à votre instrument », dit Martin. « Même si vous n’êtes pas sûr, essayez de jouer le plus possible sans regarder votre instrument. Souvent, vous y arriverez mieux que vous ne le pensez. Tentez le coup. Essayez aussi de jouer ou de chanter le plus possible de mémoire. Bref : débarrassez-vous de ce petit papier. Vous verrez que ça ira. Et vous verrez beaucoup mieux ce qui se passe autour de vous : cues et tout le reste. »

Le début

Nous avons commencé cet article par les fins et non par le début d’un morceau. Avec les reprises, vous n’avez souvent pas à inventer le début : vous pouvez simplement faire comme sur disque. De plus, un début est un peu moins critique qu’une fin. Exemple : le morceau commence en instrumental et, après deux mesures, le chanteur entre. Imaginons qu’il n’entre par erreur qu’après quatre mesures. Ce n’est pas un problème, à condition que tout le groupe s’adapte sur le moment à cette erreur. Gardez votre sang-froid, et personne ne le remarquera. Une fin ratée, en revanche, ne se rattrape plus ; un début raté, souvent, oui — plus ou moins. Et si tout le reste se passe bien ensuite, y compris la fin, l’erreur du début est généralement oubliée. Évidemment, il est important que tout le monde entre au bon moment et soit immédiatement dans le bon tempo. Le batteur joue ici un rôle crucial, car c’est généralement lui qui l’indique en lançant le décompte. Et ce décompte est un art en soi, dont nous reparlerons ci-dessous. Il arrive aussi qu’un morceau commence par un fill de batterie. Mais même dans ce cas, il est recommandé de décompter avant. Cela donne aux musiciens le ressenti de la mesure et du tempo. Et c’est aussi pratique pour le batteur lui-même. Commencer par un fill de batterie exige beaucoup de ce fill : jouez-le de telle sorte que vous ne mettiez pas vos collègues musiciens sur une fausse piste.

Bon à savoir

Quand même une petite surprise

Comme nous l’avons dit, les fins cliché — donc prévisibles — fonctionnent souvent le mieux, surtout si vous cherchez à obtenir des applaudissements. Malgré tout, vous pouvez intégrer une petite surprise. Par exemple, en ne finissant pas sur un accord, mais à l’unisson : chaque instrument joue alors la même note. Cela peut donner une fin très puissante. Ou bien le batteur donne, après le coup final “supposé”, un deuxième coup qui, lui, est le vrai coup final. S’il le communique correctement sur le plan du geste et que les autres musiciens restent attentifs, cela fonctionnera.

Le décompte idéal

Une tâche importante du batteur consiste à donner le décompte. Cela fixe le tempo et le début du morceau. Soyez cohérent dans votre façon de décompter. Décomptez donc toujours de la même manière. Si vous ne le faites pas, il y aura forcément des ratés de temps en temps. Il existe plusieurs façons de décompter. En 4/4, il est assez courant de donner quatre temps avant de démarrer. Certains batteurs ne donnent que deux temps, pour indiquer ainsi les temps trois et quatre. Mais ce n’est pas très pratique. Cela laisse trop peu de temps aux musiciens, et on ne ressent pas vraiment le bon tempo. En général, cela fonctionne bien de décompter deux mesures, avec la première mesure en “half time feel”. Cela donne : temps—silence—temps—silence—temps-temps-temps-temps. Autrement dit : one… two… one-two-three-four! où le premier “two” tombe donc sur le temps trois de la première mesure. C’est une façon de décompter professionnelle et courante. Elle offre en plus plusieurs avantages. Elle permet au groupe de passer plus facilement au tempo du morceau suivant. En décomptant deux mesures, le groupe a le temps de vraiment ressentir le tempo du prochain titre. De plus, avec cette première mesure en “half time feel”, vous mettez le groupe en “standby”. Autre avantage : en tant que batteur, cela vous laisse une chance de vous corriger pendant le décompte. Imaginez que, dans cette première mesure (en half time feel), vous ne soyez pas encore au bon tempo : vous pouvez corriger dans la deuxième mesure. Et ça ne se remarque même pas. Dernier conseil : certains morceaux commencent par une anacrouse, donc avant le premier temps. Si c’est le cas, décomptez également sur deux mesures, avec la première en half time feel. À un moment donné dans la deuxième mesure, le groupe entre et vous arrêtez alors le décompte.

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