Interprétation des paroles : indispensable pour une performance vocale convaincante

L’incarnation des paroles est indispensable pour une bonne performance vocale. Les principes de base s’expliquent assez vite, mais, dans la pratique, cela peut demander énormément de travail. Vous pouvez aussi voir l’incarnation du texte dans un contexte plus large : la performance et la façon dont vous vous situez, en tant que chanteur ou chanteuse, dans la vie « artistique ». La chanteuse Ellen Evers a, à ce sujet, une vision bien affirmée.

Lalalala

Tous les mélomanes n’écoutent pas les paroles d’une chanson avec la même attention. Beaucoup de musiciens accompagnateurs en sont également coupables. Plus d’un musicien connaît la grille d’accords d’un morceau, sans avoir la moindre idée de ce dont parle la chanson. Pour la chanteuse Ellen Evers, c’est évidemment un vrai point noir. « Si les paroles n’étaient pas importantes, vous pourriez tout aussi bien chanter “lalalala”. Or, dans une chanson, les paroles sont justement importantes. Un chanteur doit réfléchir, pour chaque morceau, à la manière de transmettre ce texte. Si vous ne considérez une chanson que comme de la musique, cela se fait au détriment de l’incarnation des paroles — et souvent aussi de l’intelligibilité. » Ellen Evers est chanteuse et actrice. Elle se produit au théâtre et a notamment joué dans des comédies musicales connues comme Turks Fruit, Cabaret, Miss Saigon et De Drie Musketiers, pour laquelle elle a reçu un Musical Award (récompense néerlandaise). Elle est peut-être surtout connue pour la comédie musicale Mamma Mia. En parallèle, Ellen crée des spectacles de chansons et fait beaucoup d’autres choses dans le domaine musical.

Raconter une histoire

Chanter, c’est raconter une histoire, tout en étant lié à la mélodie et au rythme, explique Ellen. « Parfois, le texte se pose parfaitement sur la musique. Les paroles, la mélodie et le rythme fonctionnent alors si bien ensemble que les accents tombent automatiquement sur les mots et les syllabes importants. Vous avez alors à peine besoin de travailler l’interprétation du texte. » Mais c’est loin d’être toujours le cas. « Dans le pire des cas, vous avez des textes presque impossibles à chanter, aussi bons ou beaux soient-ils. Dès que vous les chantez, il n’en reste plus grand-chose : c’est peu compréhensible, et ça n’arrive certainement pas au public. Avec ce type de texte, vous pouvez presque être sûr qu’il a été écrit par quelqu’un qui ne chante pas lui-même. » Mais, le plus souvent, c’est moins extrême : « Beaucoup de textes sont tout à fait chantables, mais ne tombent pas partout naturellement sur la mélodie et le rythme. En tant que chanteur, vous devez alors y faire quelque chose. Et cela commence par l’interprétation du texte. »

Interprétation du texte

Les principes de base de l’interprétation du texte et de l’incarnation des paroles s’expliquent assez vite, selon Ellen. « Un principe important, c’est que la chanson doit être chantée de façon à ce que les mots importants reçoivent un accent. Parfois, cet accent découle automatiquement du rythme et de la mélodie, mais pas toujours. En tant que chanteur, commencez par vous immerger dans le texte. Essayez de comprendre de quoi parle la chanson et d’éprouver quelque chose en lien avec elle. Et voyez si vous pouvez faire émerger ce ressenti depuis vous-même. » Sur cette base, vous partez à la recherche des mots importants. « Regardez si ces mots reçoivent automatiquement un accent, ou non. Si ce n’est pas le cas, essayez de les chanter de façon à ce qu’ils en reçoivent un. Vous pouvez jouer avec le volume, mais aussi, par exemple, avec le timing. Donc, peut-être faut-il tenir cette note un tout petit peu plus longtemps que ce qui est écrit. Ou l’attaquer un peu plus tôt. En tant que chanteur, vous avez beaucoup de possibilités. C’est parfois une énorme quête : vous pouvez passer une heure sur trois phrases. » Ellen vit cela régulièrement en tant que professeure. « Si nous n’y arrivons pas, je demande parfois à l’élève de dire le texte au lieu de le chanter. C’est parfois étonnant de voir ce qui se passe. Souvent, un élève se perd dans un texte. Sans mélodie ni rythme, il est complètement démuni. Ce qui arrive aussi régulièrement, c’est que le texte commence à sonner raide, “en rimes”. Mais il faut dépasser ça. L’important, c’est que le contenu soit juste. Et que vous preniez conscience de ce contenu, des mots pris séparément et de leur rôle dans l’ensemble. Ensuite, vous cherchez ce que vous pouvez en faire musicalement. »

Faire des compromis

Ellen considère Jenny Arean (chanteuse, humoriste et actrice) comme l’une des meilleures interprètes néerlandaises en matière d’interprétation du texte et d’incarnation des paroles. « Elle sait, mieux que quiconque, faire passer le texte d’une chanson au public. Quand elle chante, en tant qu’auditeur, vous voyez naturellement les images apparaître. J’ai énormément appris d’elle. Je me souviens encore qu’elle m’a dit un jour : “Ellen, on sait que vous savez chanter joliment, mais ce n’est pas si intéressant ; allez vers le contenu.” Ça m’a toujours marquée, et je l’ai pris à cœur. Pour transmettre correctement un texte, il faut parfois faire des compromis sur le plan musical et vocal. Et il faut tout simplement les faire. » Ellen a franchi ce cap il y a longtemps : « Avant, je me concentrais surtout sur le fait de produire de belles notes. Je pouvais passer toute la soirée de mauvaise humeur à cause d’un son que j’avais chanté un peu trop bas. Aujourd’hui, cela m’intéresse beaucoup moins. Dans une chanson, il s’agit du ressenti : il faut être touché. »

La tête et le cœur

Ellen citait Jenny Arean comme un bon exemple d’interprète capable de transmettre un texte. Quels chanteurs pop trouve-t-elle forts sur ce point ? Elle cite quelques exemples : « Freddie Mercury, Beyoncé, Prince, Barbra Streisand (pas vraiment pop) et, aux Pays-Bas, Anouk et Ilse DeLange. Ces artistes savaient et savent exactement ce qu’ils chantent, et cela s’entend. Quand Barbra Streisand chante “fresh”, vous ressentez aussi le “frais”. Et avec le mot “love” aussi. » Grands modèles ou non, restez surtout vous-même, conseille Ellen. « En interprétation du texte et en incarnation des paroles, il n’y a pas de vérités absolues. C’est aussi une question de goût. Et c’est toujours votre interprétation. Assurez-vous d’avoir réfléchi au texte. Pas seulement avec votre tête, mais aussi avec votre cœur. Et bien sûr, il y a toujours de la place pour le hasard et la spontanéité. » Ellen poursuit : « Ce que je vois parfois, c’est un élève qui, vers la fin d’une chanson, chante de plus en plus fort. Parfois jusqu’à hurler. Si je lui demande pourquoi, la réponse est invariablement : “j’aime bien chanter la fin fort”. Cela peut être beau, mais pas toujours. En plus d’être prévisible, il faut se demander si cela convient au morceau en question. Si, vers la fin, le texte parle de quelque chose de petit ou d’intime, ce n’est pas adapté de chanter fort. Il existe aussi une “petite tristesse”, pour ainsi dire. »

Mouvements des mains

« Avec les singer-songwriters, ce que je fais parfois, c’est leur demander de ne pas jouer, un instant, de guitare ou de piano. Donc, que quelqu’un d’autre les accompagne, ou qu’ils chantent même a cappella, sans accompagnement. C’est souvent très confrontant pour quelqu’un qui s’accompagne d’ordinaire. » Cela devient vraiment difficile quand, en plus, ils n’ont plus le droit de tenir le micro, sait Ellen par expérience. « Un chanteur veut alors quand même faire quelque chose avec ses mains, et ce que vous voyez souvent, c’est qu’il fait énormément de gestes. En général, la plupart de ces mouvements n’ajoutent rien : il n’y a aucun lien avec ce qui est chanté. » Bien sûr, il n’est pas interdit de bouger les mains. « Faites les mouvements que vous feriez si vous racontiez le texte au lieu de le chanter. Cela restera naturel. Restez aussi dans la sobriété. Et last but not least : si l’incarnation des paroles est juste, les bons gestes viendront d’eux-mêmes. »

Instrumentistes

Il y a pas mal de musiciens accompagnateurs qui n’ont pas la moindre idée de ce dont parle la chanson. « Mais je connais aussi suffisamment de belles exceptions », remarque Ellen. « Récemment, j’ai joué avec le bassiste Xander Buvelot. Nous répétions et, au milieu d’un morceau, il a dit : “Je trouve ce morceau trop beau pour qu’on joue autant.” Il l’avait senti exactement : il devait aussi y avoir une sorte de vide. » Malgré tout, Ellen trouve étrange que beaucoup d’instrumentistes ne se plongent pas du tout dans le texte. « Parfois, ils indiquent même qu’ils n’ont pas besoin d’entendre correctement le chant dans leur retour. Je ne comprends pas : il s’agit quand même de faire de la musique ensemble et d’en profiter ensemble ? Alors vous voulez vous entendre, non ? C’est dommage que certains musiciens voient le chant et l’accompagnement musical comme deux choses si séparées. J’essaie d’impliquer tout le monde au maximum dans le texte. » Ce qu’Ellen aimerait voir autrement, c’est l’implantation sur scène. « Pendant un concert, en tant que chanteur, vous êtes toujours dos au groupe. Alors qu’en salle de répétition, vous vous tournez justement vers le groupe. C’est ainsi que je préférerais aussi me produire, mais évidemment ce n’est pas possible : vous passeriez toute la soirée dos au public. Je préfère faire un demi-cercle, avec le chant au fond et le reste autour. Je déteste d’ailleurs une fosse d’orchestre : là, vous n’avez plus aucun contact. Et en plus, j’imagine que ce n’est pas amusant non plus pour un musicien. »

Technique vocale

Au-delà de l’incarnation des paroles, la technique vocale est bien sûr importante, souligne Ellen. « Il y a un côté technique au chant. Et c’est très bien de le laisser s’entendre. Mais je n’aime pas le chant acrobatique, où vous voulez montrer tous vos trucs. Une note aiguë n’est pas un grand écart. Sauf si c’est fait avec un clin d’œil, bien sûr. Pour les musiciens qui maîtrisent leur instrument à un niveau extrême, j’ai une admiration sans limite. Mais dès que ça devient du “regardez-moi”, je décroche. Le plus beau, c’est d’avoir la technique dans votre poche, ce qui vous permet de parler la langue de la musique. La technique n’est pas une fin en soi : pour moi, il s’agit surtout du ressenti. » Une certaine modestie est aussi de mise, plaide Ellen. « Mon point de départ, c’est : le public n’est pas là pour moi, je suis là pour le public. Vous n’êtes pas sur scène, d’abord, pour être admiré, mais pour donner quelque chose. J’aime aussi davantage un sol au même niveau qu’une scène haute. Cela vous rend plus vulnérable, mais aussi plus intime. Dans cet esprit, je trouve qu’un amphithéâtre est encore plus beau : ne pas regarder les gens de haut, mais lever les yeux vers celles et ceux que vous voulez toucher et divertir. »

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