Chanter du jazz : timing, phrasé et improvisation

Chanter du jazz : en quoi est-ce différent du chant pop ? C’est bel et bien différent. Un chanteur pop qui interprète un morceau de jazz « en mode pop » ne fait pas pour autant du jazz. Le chant jazz demande en effet un autre sens du timing, une autre conception rythmique, une autre approche et une autre manière de phraser. Et il y a un autre ingrédient essentiel : l’improvisation. Dans cet article, nous passons en revue les techniques principales que vous devez maîtriser en tant que chanteur ou chanteuse de jazz.

La célèbre chanteuse de jazz américaine Sarah Vaughan

Différent du chant pop ?

Sur le plan purement technique (soutien respiratoire, émission de la voix), chanter du jazz ne diffère pas, ou presque pas, de chanter de la pop. Ce n’est pas non plus plus ou moins éprouvant pour votre voix. Tout dépend surtout du répertoire choisi : certains répertoires demandent plus d’énergie que d’autres. « Mais le jazz exige tout de même une autre manière de chanter que la pop », explique Ronald Douglas, chanteur de jazz et professeur de chant. « Le jazz possède un certain nombre de caractéristiques musicales. On les entend non seulement dans la partie instrumentale, mais aussi, et particulièrement, dans le chant. » Le jazz, comme la pop, est un courant musical très vaste. Dans cet article, nous nous concentrons sur le jazz mainstream. Le jazz « classique », en quelque sorte, devenu célèbre notamment grâce à des grandes voix comme Ella Fitzgerald et Sarah Vaughan. Vous pouvez donner une couleur jazzy à une chanson pop en adaptant par exemple les harmonies (en enrichissant les accords) et en lui donnant un ressenti rythmique jazz. Nous n’allons pas parler des harmonies (accords) ici, mais elles sont importantes pour chanter du jazz. Nous y reviendrons plus loin dans cet article lorsque nous aborderons l’improvisation, un élément essentiel du chant jazz.

Le swing feel

Commençons par un ingrédient essentiel du jazz : le timing. « Le jazz a un swing feel, basé sur une sensation de triolets et de syncope », explique Ronald. « En jazz, on ne joue et ne chante pas des croches “droites”, mais des croches avec un swing feel. Il faut développer ce ressenti en écoutant beaucoup et en s’exerçant beaucoup. Avec cette sensation de triolets, vous allez chanter de manière syncopée. Autrement dit : vous placez des notes juste avant ou juste après le temps. Le chant syncopé est quelque chose qu’il faut apprendre à oser, c’est quelque chose qu’il faut développer. » Dans la pop, les temps un et trois sont les plus importants, en ce qui concerne les accents. « En jazz, ce sont plutôt le deux et le quatre », précise Ronald. « Le hi-hat de la batterie joue un rôle important, parce qu’il est sur le 2 et le 4. Cela dit, dans les morceaux rapides, le deux et le quatre ne vous aident pas : ça va trop vite. Dans ce cas, vous vous appuierez davantage sur le un, et éventuellement le trois. Donc, développer une sensation de mesure et de pulsation est important. »

Se placer au-dessus de la rythmique

Le grand défi du jazz, c’est : oser plus ou moins lâcher le temps et expérimenter beaucoup avec la rythmique. « Tester un maximum, par exemple en jam sessions, et oser se planter des centaines de fois. Il n’y a pas d’autre solution », conseille Ronald. « En tant que chanteur, vous devez essayer de vous placer au-dessus de la rythmique. Regardez sur YouTube comment quelqu’un comme Ella Fitzgerald fait. Il est important, pour cela, d’avoir une basse sur laquelle vous pouvez vous appuyer entièrement. Alors vous pouvez prendre cette liberté rythmique. Tout en continuant à écouter attentivement le groupe. La basse est le moteur qui pousse dans un trio. » On apprend à jouer avec la rythmique en le faisant souvent. « Ne copiez pas simplement d’autres chanteurs. On commence par là, bien sûr, pour apprendre. Mais, à terme, créez votre propre liberté rythmique », explique Ronald. En termes de timing, chaque note offre trois possibilités : on the beat (sur le temps, comme en pop), ahead (avant le temps) et laid back (en arrière, “posé” dans le temps). Un exemple classique de chanson de jazz souvent chantée en ahead est Girl from Ipanema. Cela s’explique par ses origines dans la bossa nova brésilienne. En jazz, on chante beaucoup laid back. « Ce n’est pas tant chanter après le temps, mais plutôt “s’installer” dans le temps. C’est un ressenti à développer », précise Ronald. « Le laid back ne tient souvent pas seulement à l’endroit où vous placez la note, mais aussi à la manière dont vous l’attaquez avec la voix. »

Phrasé et prononciation

Un autre ingrédient important du chant jazz est le phrasé. Dit simplement : “former des phrases”, donc la manière dont vous chantez une phrase. « Le phrasé est directement lié au texte », explique Ronald. « En tant que chanteur, vous êtes un storyteller. Comprenez donc le texte que vous chantez, croyez à ce que vous chantez et essayez de le transmettre à votre public. Dans cette transmission du texte, le phrasé joue un rôle important : où placez-vous les accents, où placez-vous les silences ? Faites des choix conscients. Jouez avec le texte, tout en veillant à en préserver le sens. Et écoutez comment les grands le font. L’un de mes héros du phrasé est Mel Tormé. Un bel exemple est sa propre approche du phrasé dans Blue Moon. » La plupart des standards de jazz sont d’origine américaine, donc en anglais américain. « Il est important de chanter cet anglais comme le ferait un native singer, c’est-à-dire un chanteur né aux États-Unis », affirme Ronald. « Cela signifie que vous devez vraiment vous plonger dans la langue et la prononciation américaines. Pour moi, j’ai placé la barre très haut. J’ai donné un concert une fois aux États-Unis, et ils pensaient que j’étais Américain. En réalité, c’est l’un des plus beaux compliments que l’on puisse recevoir en tant que chanteur. » Plusieurs musiciens de jazz néerlandais ont du succès aux États-Unis. « Mais ce sont tous des instrumentistes. Pour les vocalistes, c’est beaucoup plus difficile, et c’est surtout lié à la prononciation de l’anglais américain », constate Ronald.

Improvisation

Après le timing et le phrasé, l’improvisation est le prochain ingrédient essentiel du chant jazz. Plus encore : l’improvisation est indispensable en jazz, selon Ronald. « Étape 1 : modifier la rythmique, étape 2 : modifier la mélodie, et étape 3 : le scat. » Nous avons déjà parlé de rythmique dans la partie sur le timing. Passons donc directement à l’étape deux : modifier la mélodie. Cela ne peut pas se faire n’importe comment, explique Ronald. « Les variations que vous apportez à la mélodie doivent s’intégrer à l’harmonie. Cela signifie qu’en tant que chanteur, vous devez vous intéresser à l’harmonie. Et, pour vous l’approprier, les livres ne suffisent pas. Vous devrez aussi savoir jouer d’un instrument. Le piano est le plus adapté, car il permet de visualiser les harmonies et de les analyser. Vous n’avez certainement pas besoin de devenir un pianiste virtuose, mais il peut devenir un bon ami. » Ronald, lui, a joué de la clarinette depuis son plus jeune âge. « Jouer d’un instrument contribue au développement de vos compétences et de vos connaissances musicales. Je suis toujours content de l’avoir fait. » Pour celles et ceux qui, en tant que vocalistes de jazz, veulent passer au piano, Ronald recommande ce livre : ‘Musicianship for the jazz vocalist’ de Nancy Marano. « Quand vous improvisez sur la mélodie, vous n’avez évidemment pas besoin de changer chaque note », remarque Ronald. « Cela doit servir l’histoire que vous chantez. Ne changez pas pour changer : faites des choix conscients. Gardez à l’esprit que vous voulez attirer les gens vers vous pour partager l’histoire avec eux. Ne laissez pas votre respiration passer en pilote automatique : qu’elle fasse partie de votre interprétation. »

Le scat

L’étape trois de l’improvisation, c’est le scat : improviser sans texte, avec des syllabes et des sons. « Le scat n’est pas vraiment indispensable. Tous les grands vocalistes de jazz n’en faisaient pas et n’en font pas », précise Ronald. « D’ailleurs, le scat n’a pas commencé avec un vocaliste, mais avec le trompettiste Dizzy Gillespie. À un moment, il a posé sa trompette et s’est mis à scater au lieu de jouer un solo de trompette. Il existe une parenté évidente entre le scat et le fait de jouer de la trompette ou du saxophone. Quand vous scatez, vous vous identifiez en réalité à un soufflant qui improvise un solo. C’est pourquoi il est utile d’étudier des solos si vous voulez progresser en scat. Écoutez par exemple le trompettiste Chet Baker. Ses solos sont assez faciles à chanter si vous les étudiez. »

Pièges et conseils

Quel est un piège important quand on chante du jazz ? « Un piège, c’est de ne pas être suffisamment conscient de l’importance de lancer le bon tempo au décompte », explique Ronald. « Si vous vous trompez sur scène, il n’y a rien d’autre à faire que de continuer, car sur scène, vous ne pouvez pas vous arrêter. Entraînez-vous donc à développer ce sens du tempo. Pour chaque morceau, vous devez avoir très clairement en tête à quel tempo vous voulez le chanter. Il en va de même pour la tonalité : sachez dans quelle tonalité vous chantez chaque morceau, afin de pouvoir l’indiquer aux musiciens qui vous accompagnent lors des jam sessions. » Un dernier conseil ? « Assurez-vous d’avoir tout bien en ordre. Donc d’avoir des lead sheets et qu’elles soient bien classées. C’est particulièrement important pour les chanteurs. Et recopiez vos parties à la main : vous aurez plus de familiarité avec le matériau et vous le retiendrez mieux. »

Grands exemples

Voici les grands exemples de Ronald en matière de chant jazz :

Sarah Vaughan : Pour moi, tout a commencé avec elle. Son timbre, son time et ses scat vocals étaient uniques. Son chant se rapprochait le plus des phrasés d’un instrument à vent.

Mel Tormé : Parmi les chanteurs de son époque, il était à la fois le crooner et l’excellent swinger et scatter. Il a commencé comme batteur et savait aussi jouer du piano.

Blossom Dearie : J’aime beaucoup son timbre unique ; c’était une excellente pianiste et chanteuse. Elle se distinguait par ses choix de répertoire, souvent teintés d’humour. Elle était fan et amie du chanteur néerlandais Ramses Shaffy.

Shirley Horn : Pianiste et chanteuse connue pour ses tempi terriblement lents, tout en swingant. Elle faisait aussi de ses silences une musique.

Kurt Elling : Le meilleur chanteur de jazz actuel. Très inspiré par Mark Murphy. Ça s’entend, mais c’est bel et bien un chanteur d’aujourd’hui. Il domine totalement son matériau. Unique !

À propos de Ronald Douglas

Ronald Douglas est devenu chanteur professionnel assez tard. Il a d’abord suivi une formation dans le social, avant d’entrer au conservatoire. Aujourd’hui, il est un jazz vocalist reconnu au niveau national et international, il enseigne dans des conservatoires et il anime des workshops dans le monde entier. Dans sa jeunesse, il a fait beaucoup de musique, notamment comme clarinettiste au sein de l’ensemble musical local. Il tire encore aujourd’hui beaucoup de bénéfices et de plaisir de ce bagage musical.Comme professeur de chant, il n’est pas vraiment adepte d’une méthode, même s’il apprécie particulièrement l’EVT (Estill Voice Training) de Jo Estill. « Mais au final, dans votre développement en tant que vocalist, ce n’est pas la méthode qui compte. Car sans qualités artistiques, aucune méthode ne fonctionne », affirme-t-il. « Cherchez un professeur de chant qui connaît bien le style que vous voulez chanter. Et quelqu’un de très expérimenté : un professeur qui a fait autre chose que suivre un simple cours sur l’une des méthodes de chant. »

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