L’angoisse de scène chez les musiciens : vous pouvez la surmonter !

L’angoisse de scène, aussi appelée trac ou peur de monter sur scène, est un problème bien connu chez les musiciens. Dans cet article, vous découvrirez — à travers deux interviews de professionnels — comment cette peur se développe et ce que vous pouvez faire pour la surmonter.

Interview Carlo Nabbe : restez au plus près de votre instrument

Carlo Nabbe a été inspiré par tout ce qu’il a lui-même vécu et traversé au cours de sa vie musicale. Tout a commencé lorsqu’il était un jeune violoniste talentueux. « À l’époque, au conservatoire, on distinguait encore le musicien pédagogue du musicien interprète. Aujourd’hui, on parle plutôt de bachelor et de master. J’ai passé mon examen en tant que musicien pédagogue et j’ai réussi avec d’excellentes notes. Tellement bonnes qu’on m’a proposé de poursuivre en tant que musicien interprète », raconte Carlo. Il est violoniste soliste, professeur de violon et chef d’orchestre. En parallèle, il coache et accompagne des musiciens, des groupes et des formations. Il est également l’auteur du livre intitulé ‘Aandacht’, publié chez Aspekt, dans lequel il propose une nouvelle vision de l’enseignement instrumental et du rôle d’enseignant de manière plus générale. Carlo n’avait pourtant aucune envie de poursuivre des études de musicien interprète. « À mon examen, j’avais joué pendant une heure. Apparemment très bien, vu ma note. Mais j’étais sur scène et en même temps, je n’y étais pas. Uniquement à cause du stress. Durant les trois mois précédents, j’avais à peine fermé l’œil à cause de la pression de l’examen. Des camarades me conseillaient de prendre des pilules. Des bêtabloquants, pour faire baisser le rythme cardiaque. C’était très courant, et je crois que ça l’est encore dans le monde de la musique classique. » Carlo a choisi de ne rien prendre, et c’est une position qu’il défend toujours aujourd’hui. « Si vous avez une histoire à raconter, il faut simplement la raconter. Sans substances. Racontez votre histoire musicale dans toute sa beauté, sa laideur et sa force. Sans rien entre vous et elle. »

Vers Herman Krebbers

Malgré le stress, Carlo a obtenu d’excellentes notes à son examen final. Mais il ne voulait pas poursuivre dans le même conservatoire. « Moi, je trouvais que j’avais joué “moche”, malgré l’appréciation que j’avais reçue. Pourtant, je voulais vraiment monter sur scène en tant que violoniste. Finalement, j’ai décidé d’appeler Herman Krebbers (1923 – 2018), le “dieu” des violonistes néerlandais. Je lui ai demandé si je pouvais jouer pour lui, et il a accepté. » Et c’est ainsi que cela s’est fait. « J’ai eu deux heures de cours avec lui, au conservatoire d’Amsterdam où il enseignait. Mon jeu était imbuvable. Je suis sorti du conservatoire en pleurant. Pourtant, il voulait vraiment m’avoir comme élève, et j’ai étudié un an avec lui. Une année durant laquelle j’ai énormément appris. Herman Krebbers m’a donné des outils qui m’ont permis de regarder ma technique autrement. » Grâce à Herman Krebbers, Carlo s’est retrouvé dans une toute autre posture vis-à-vis de sa vie musicale. « Avant Herman Krebbers, en tant que musicien, je faisais ce qu’on attendait de moi. Ce n’est qu’après que j’ai commencé à faire mes propres choix. Il a aussi eu une grande influence sur ma technique, ce qui a plus tard influencé ma façon de voir l’enseignement instrumental. Quand je regardais Herman Krebbers — qu’il joue du violon ou qu’il écoute un élève — j’avais l’impression qu’il était lui-même un violon. Quand il écoutait, on voyait que ses mains jouaient toujours avec la musique. » Grâce à Herman Krebbers, Carlo a compris qu’en musique, il ne faut pas se focaliser sur les notes, mais sur le corps. « J’ai vu qu’Herman Krebbers était très proche de son corps. Parce que vous faites de la musique avec tout votre corps : avec l’esprit, le corps et le cœur. Pour les musiciens, l’enjeu est donc de se reconnecter à leur corps, d’y être vraiment. Pour vivre de manière consciente tout ce que vous faites en tant que musicien. »

La base de l’angoisse de scène

Cette histoire de vie — Carlo, jeune violoniste — a été déterminante dans la vision qu’il a développée de la musique et de l’enseignement instrumental. Et de la façon dont un musicien acquiert de la puissance de scène : comment raconter votre histoire musicale librement, sans peur, face au public. Depuis cette vision, il coache des musiciens qui souffrent d’angoisse de scène, qui sont stressés avant des auditions et des examens, ou tout simplement des musiciens qui veulent tirer le meilleur d’eux-mêmes. Plongeons dans le phénomène de l’angoisse de scène, bien connu dans le monde de la musique. « L’angoisse de scène est, en fait, un manque de puissance de scène », résume Carlo. « Chez la grande majorité des musiciens que je coache, la base de cette peur se trouve dans la manière dont ils ont reçu des cours de musique durant leur enfance. À partir du milieu du XIXe siècle, l’enseignement de la musique s’est fortement orienté vers l’instruction de l’élève. Mais cela prive les élèves de la possibilité de chercher eux-mêmes leur voie sur l’instrument. Or, c’est justement cette recherche personnelle qui vous donne plus tard, en tant que musicien, de la puissance de scène : parce que vous avez trouvé vous-même vos propres “briques” musicales. Dans l’enseignement traditionnel, en revanche, ces briques vous sont données par quelqu’un d’autre, ce qui fait que vous construisez moins — voire pas — de puissance de scène. C’est ma conclusion après trente ans de recherche. »

Talent musical

Selon Carlo, les ennuis commencent lorsque les parents et l’entourage découvrent qu’un enfant a du talent musical. « Je le remarque aussi chez de jeunes talents qui viennent me voir pour se préparer à une audition. Souvent, ça se passe comme ça : l’entourage dit “tu es talentueux, donc tu deviendras violoncelliste”. Mais même si vous êtes bon, par exemple au piano, cela ne veut pas dire que vous avez envie de monter sur scène. Je vois ça chez beaucoup de musiciens qui ont commencé très jeunes. » Ensuite, ces jeunes élèves se retrouvent face à un professeur qui leur dit exactement comment faire de la musique. Et, selon Carlo, cela casse la puissance de scène de ces jeunes musiciens. « Il y a très peu de professeurs de musique qui disent : joue donc. Et c’est justement ce qu’il faut faire avec les enfants, parce qu’ils sont spontanés et ouverts. Un professeur de batterie devrait en réalité dire à son élève : “vas-y, frappe un peu”. Alors, un dialogue naît entre l’élève et l’instrument : une recherche de l’élève sur ce qu’il a envie de faire. C’est comme ça que vous développez la bonne motivation pour vous approprier l’instrument. »

Poser des questions ouvertes

Bien sûr, cela ne s’arrête pas à frapper, gratter, tapoter, pincer ou tirer des cordes. Le professeur de musique a bel et bien un rôle, explique Carlo. Il raconte comment, lui, travaille en tant que professeur de violon. « Si un élève joue faux — ce qui arrive vite au violon — je ne lui dis pas qu’il joue faux. Le défi, c’est de l’amener à le découvrir lui-même. Je demande constamment ce que l’élève en pense. Par exemple : un élève joue une chanson censée être joyeuse, mais ça ne sonne pas joyeux. Je lui demande ce qu’il ressent et je lui laisse l’espace de prendre conscience de son jeu et de chercher sa voie. Le défi, c’est de poser des questions ouvertes en permanence — quelque chose que j’ai travaillé pendant des années. C’est comme ça aussi que je travaille avec l’orchestre de jeunes que je dirige. Je les laisse parler, improviser. Au début, ça crée du chaos, mais c’est un excellent point de départ pour leur permettre de trouver leur propre voie. » Carlo reconnaît que cette méthode lui demande beaucoup de patience et de recul. « Le résultat, c’est qu’ils n’ont pas à répondre aux attentes d’un public, mais à leurs propres envies. Et c’est comme ça qu’ils développent, en tant qu’orchestre, de la puissance de scène. » À première vue, cette manière de travailler ne semble pas efficace. Il faut en effet plus de temps avant que l’élève puisse jouer un morceau “acceptable” pour des proches venus écouter. Cela demande donc aussi de la patience et de la compréhension de la part des parents. Et les cours de musique coûtent relativement cher, donc on veut voir des résultats. « Mais au final, cela donne un musicien qui ne fait qu’un avec son instrument. Et qui a de la puissance de scène, qui peut jouer devant un public sans peur », affirme Carlo.

Aller s’exercer “à l’étage”

Apprendre à jouer d’un instrument est un processus vulnérable, selon Carlo. « Dans lequel l’entourage, comme le professeur et les parents, peut très facilement faire des erreurs. Imaginez ce que ça fait à un enfant qui joue du violon si un parent lui dit : “quel grincement, va t’entraîner ailleurs, s’il te plaît”. Ou s’il critique d’une autre manière son jeu. Là, vous posez déjà la base de l’angoisse de scène : la peur d’être jugé et rejeté. Ou un professeur qui dit : “tu joues encore faux”. Corriger sans cesse quelqu’un qui apprend un instrument le rend insécure. Et plus tard, sur scène, ça se paye. Comme les enfants élevés de manière très stricte, qui deviennent des adultes anxieux. » Le problème, c’est que, en tant qu’êtres humains, nous avons tendance à vouloir “améliorer”. « Mais ça peut tout abîmer », affirme Carlo. « Enseigner est une grande responsabilité. Et très risqué : en tant que professeur, on peut faire plus de mal que de bien. Le défi, pour un professeur de musique, est de créer un paysage dans lequel l’élève cherche les éléments qu’il trouve les plus beaux. Avec pour objectif de connecter son esprit, son corps et son cœur à son instrument. Si vous y parvenez, sur scène, ça ne peut plus rater. »

Dos voûté

Il existe des musiciens fantastiques, qui font une musique extraordinaire avec une technique sur laquelle on pourrait pourtant s’interroger. « Le pianiste Glenn Gould, par exemple. Il était presque recroquevillé sous son piano », illustre Carlo. « Visiblement, c’était une technique qui lui convenait. Cela montre qu’il n’existe pas une seule technique, ni une seule posture, valable pour tout le monde. Si l’instruction va trop loin, on risque d’amener quelqu’un à adopter une posture qui ne lui correspond pas. » Cela dit, certaines postures sont évidemment franchement mauvaises pour la santé et, à long terme, provoqueront des douleurs. Par exemple, jouer avec le dos très voûté. Carlo, en tant que professeur, n’intervient-il pas ? « Si, bien sûr. Mais je ne dis pas : tiens-toi droit. Cela conduit l’élève à se crisper. Et c’est une “brique” dont il souffrira plus tard. Il vaut mieux dire : regarde comment je suis assis, montrer le bon exemple, puis laisser l’élève chercher une posture qui soit à la fois saine et confortable pour lui. » D’ailleurs, Carlo sait que 80 % des violonistes passent chez le kinésithérapeute. « Moi aussi, je l’ai fait pendant presque trois ans. Jusqu’à ce que je me mette au yoga. Cela vous rend conscient des endroits où vous accumulez des tensions, et de votre attention et de votre respiration. Le yoga m’a débarrassé de mes douleurs. »

Prise de conscience

Carlo est convaincu que la manière dont vous apprenez à faire de la musique constitue la base de votre puissance de scène — et que la mauvaise approche engendre l’angoisse de scène. Il nuance toutefois : « L’angoisse de scène ne vient pas forcément uniquement de l’enseignement musical de votre enfance. La cause n’est pas toujours univoque. Elle peut aussi venir de l’éducation que quelqu’un a reçue. Ou alors, une personne est simplement sensible et a une prédisposition à se sentir anxieuse. » Quoi qu’il en soit, en tant que musicien, c’est un vrai fardeau. Car au final, presque tous les musiciens veulent jouer devant un public : libres, sans angoisse de scène ni autres blocages. Imaginons que vous souffriez d’angoisse de scène. Ou que vous ayez le sentiment de manquer de puissance de scène. Quelle que soit la cause : que faire ? « Tout commence par une prise de conscience », répond Carlo. « Donc : prendre conscience du fait que votre puissance de scène est insuffisante. Ça paraît logique, mais c’est la première étape à franchir. Et ce processus de prise de conscience peut prendre des années. » Et ensuite ? « En général, on ne le résout pas seul. Le yoga, la méditation, la pleine conscience… tout cela peut aider. Mais vous avez aussi besoin de l’aide de quelqu’un. Cherchez donc un coach qui puisse vous accompagner. Ou un professeur de musique qui a du feeling pour ça. Moi-même, j’accompagne des musiciens qui jouent d’un autre instrument que le mien. Ce n’est pas un problème. Vous ne devez donc pas nécessairement chercher un professeur spécialisé dans votre instrument. »

Restez au plus près de votre instrument

Dans ce processus, il y a quelques obstacles, souligne Carlo. « Il se peut que vous deviez vous séparer de votre professeur actuel. Quelqu’un avec qui vous prenez peut-être des cours depuis des années. Cela peut être très difficile, et vous appréhendez sûrement cette étape. Parlez-en donc avec ce professeur. Parfois, ça permet de rester avec lui, parce qu’il comprend le problème et sait comment l’aborder. Sinon, osez prendre congé. » D’autres obstacles ? « Il peut être très difficile de trouver la bonne personne, celle qui vous apporte exactement ce dont vous avez besoin. Prenez le temps. » Et un dernier conseil de Carlo à tous ceux qui font de la musique : « Osez vous abandonner totalement à la beauté de votre instrument. N’essayez pas de tout contrôler. Parce que le contrôle détruit l’artistique. Ne cherchez donc pas en permanence la sécurité. Ne laissez pas votre jugement bloquer votre jeu. Acceptez que, parfois, vous passiez une mauvaise soirée. Créez beaucoup de connexion avec votre instrument. Et rappelez-vous : être vous-même est ce qui est le plus accepté. Si les gens voient que vous êtes vous-même, ils acceptent vos erreurs. Sinon, c’est que vous avez le mauvais public. Et face à un public grossier, aucun musicien ne peut lutter. » Pour finir : « Un musicien doit simplement beaucoup travailler, on n’y échappe pas. Mais ce n’est qu’en partie une histoire de notes, de morceau. Le plus important, c’est votre instrument : pendant votre travail, rapprochez-vous de votre instrument, et faites-le en pleine conscience. C’est cela qui vous donne de la puissance de scène. »

Interview Esther van Fenema : préparation et acceptation

Esther van Fenema travaille au service de psychiatrie du Centre médical universitaire de Leyde (LUMC). Elle y a un jour lancé une « consultation musique » : une consultation externe spécialement destinée aux musiciens souffrant de problèmes psychiques. À sa connaissance, c’est la seule consultation psychiatrique de ce type au monde. « Dès le début, nous avons eu un afflux énorme de patients. C’était en partie dû à l’attention médiatique. Mais cela montre aussi qu’il y a manifestement beaucoup de musiciens qui ont des problèmes psychiques. Heureusement, la majorité se traite bien. L’angoisse de scène est la plainte la plus fréquente, aussi bien en musique classique qu’en musiques actuelles. » Esther van Fenema a étudié au Conservatoire Sweelinck d’Amsterdam et a obtenu son diplôme au Conservatoire royal de Bruxelles. Elle a mené en parallèle des études de médecine, puis s’est spécialisée en psychiatrie. Aujourd’hui, elle travaille comme psychiatre au LUMC à Leyde, où se trouve aussi la consultation musique. En parallèle, elle se produit en tant que violoniste, principalement en musique de chambre. « Comme je suis moi-même musicienne interprète, je peux bien me mettre à la place de mes patients. De plus, j’ai moi-même connu une période d’angoisse de scène, avec des attaques de panique pendant des concerts. Je sais donc ce que c’est. »

Un continuum

« L’angoisse de scène se situe souvent sur un continuum », explique Esther. « Dans sa forme la plus bénigne, on pourrait parler de trac ou (un peu plus intense) de peur de la scène : les nerfs avant un concert, en somme. Tant que ce sont les “papillons dans le ventre” habituels, ce n’est pas grave. Mieux : cela peut vous aider à rester concentré. Mais le but n’est pas que ces nerfs finissent par vous empêcher de fonctionner. Si c’est le cas, on parle d’angoisse de scène. » Au moins la moitié des patients qui viennent à la consultation musique souffrent d’angoisse de scène. « Nous voyons aussi ici des personnes souffrant de dépression, de troubles anxieux généralisés et, par exemple, de TDAH. Les personnes avec un TDAH peuvent souvent bien fonctionner tant qu’elles peuvent se concentrer uniquement sur leur instrument, parce que c’est leur passion. Mais lorsqu’elles entrent au conservatoire, elles ont aussi des matières complémentaires. Et c’est là que les problèmes de concentration liés au TDAH se manifestent. » Parfois, il s’agit d’une combinaison de plaintes, dans laquelle l’angoisse de scène joue aussi un rôle. « Ce n’est pas surprenant », ajoute Esther. « Il est difficile de faire de la musique quand on est dépressif. Et cela peut déclencher une angoisse de scène. »

Tabou

Esther sait qu’il existe un tabou, dans le monde de la musique, autour des plaintes psychiques liées au fait d’être musicien. « Les musiciens préfèrent faire comme si ces problèmes n’existaient pas — ni chez eux, ni chez les autres. Pourtant, je suis certaine qu’il y a beaucoup de musiciens qui souffrent de problèmes psychiques, dont l’angoisse de scène. Les personnes que je vois à la consultation musique ne sont que la partie émergée de l’iceberg. » Esther sort quelques références. « Dans une étude américaine, plus de deux mille musiciens ont été interrogés. Il en ressort que 24 % souffraient d’angoisse de scène, 30 % utilisaient des bêtabloquants, 17 % étaient dépressifs, 13 % avaient des plaintes anxieuses générales, et jusqu’à 70 % déclaraient ressentir parfois de l’angoisse de scène. Bref : aux États-Unis, beaucoup de musiciens souffrent d’angoisse de scène et d’autres problèmes psychiques. Aux Pays-Bas, c’est certainement aussi le cas. » Dans cette liste, nous avons mentionné l’usage des bêtabloquants. Il s’agit de médicaments généralement prescrits aux patients atteints de maladies cardio-vasculaires. Les bêtabloquants masquent aussi un certain nombre de manifestations physiques désagréables de la peur et de la tension, comme un rythme cardiaque accéléré, la transpiration et les tremblements. Vous pouvez donc, en quelque sorte, “étouffer” vos nerfs. « L’usage des bêtabloquants se voit surtout en musique classique », note Esther. « En musiques actuelles, lorsqu’on cherche des substances, il s’agit le plus souvent d’alcool et de drogues. Ce qui n’aide pas, d’ailleurs, car le remède est pire que le mal. Une consommation excessive d’alcool peut justement mener à de l’anxiété et de la dépression. De plus, l’alcool et les drogues sont catastrophiques pour votre timing et votre motricité, et à terme aussi pour votre santé. Ce n’est donc pas la solution à l’angoisse de scène. »

Classique vs musiques actuelles

En musique classique, tout est généralement plus précis qu’en musiques actuelles. Si une note est ne serait-ce qu’un peu fausse, on l’entend immédiatement. On pourrait donc penser que l’angoisse de scène est plus fréquente en musique classique qu’en musiques actuelles. « Dans une certaine mesure, c’est vrai, mais j’ai remarqué qu’il y a aussi beaucoup de personnes en musiques actuelles qui souffrent d’angoisse de scène », dit Esther. « Cela se manifeste, par exemple, quand il n’est plus possible d’improviser. Il y a une explication : un stress intense peut entraîner trois réactions primitives : combattre, fuir ou se figer. Chez quelqu’un qui n’arrive plus à improviser, on observe souvent une réaction de figement. » Le stress, à l’origine, est une réaction de survie face au danger. Sous l’effet du stress, certaines substances sont libérées et peuvent vous rendre plus fort et moins sensible à la douleur. C’était utile pour nos ancêtres lorsqu’ils rencontraient, par exemple, un prédateur. Le stress leur donnait alors un surplus de puissance pour combattre ou fuir. Mais le stress est fait pour l’instant aigu. Trop fort et trop longtemps, ce n’est pas bon pour le bien-être mental et physique. Le stress chronique peut même vous rendre malade. « Les uns gèrent mieux le stress que les autres », explique Esther. « C’est en partie génétique. Mais l’environnement et les circonstances jouent aussi un rôle. Quand on devient musicien, on choisit un environnement de travail avec beaucoup de stress. Cela augmente le risque de problèmes psychiques, surtout si vous y êtes prédisposé. »

Une profession très exposée au stress

Beaucoup de musiciens seraient-ils, par nature, plus sensibles aux troubles psychiques ? « C’est une question intéressante, sur laquelle j’aimerais faire de la recherche », répond Esther. « Les musiciens font partie du top 5 des professions les plus exposées au stress. C’est un groupe à très haut risque pour développer des problèmes psychiques. » Au-delà d’une éventuelle prédisposition, les facteurs environnementaux jouent clairement un rôle. « Certains musiciens ont pu être énormément poussés, enfants, par des parents très exigeants. Être musicien devient alors fortement lié à leur image d’eux-mêmes. Et s’ils font une erreur, ils vivent cela comme un échec en tant que personne. » La patientèle d’Esther couvre tous les âges. « Les musiciens plus âgés peuvent développer des plaintes parce qu’ils sentent la pression de la jeune génération. Et cela s’accentue encore s’ils constatent qu’ils régressent physiquement avec l’âge et que la pratique devient plus difficile. On voit ça parfois chez les instrumentistes à vent. » On note aussi un nombre frappant d’étudiants de conservatoire à la consultation musique. « Je remarque que, dans les conservatoires, on fait peu de coaching, ce qui peut amener des étudiants à se retrouver en difficulté. Chez certains étudiants, on voit qu’ils étaient un “petit prodige” dans leur ville d’origine. Puis ils arrivent dans un conservatoire où tout le monde est un “petit prodige”. Et pour certains, c’est un choc. » Il y a aussi le facteur concurrence, qui peut être assez rude dans le monde de la musique. « Résultat : les musiciens n’aiment pas montrer leurs faiblesses, car cela pourrait se retourner contre eux. Et on voit aussi que la perfection est souvent la norme, notamment parce que tous les enregistrements sont masterisés et sonnent parfaitement. D’ailleurs, je remarque que les patients que je vois ici sont presque tous des personnes perfectionnistes et très motivées. C’est logique : c’est une qualité nécessaire pour bien faire de la musique. Mais elle peut aussi se retourner contre vous. »

Angoisse de scène traumatique

Un musicien souffrant d’angoisse de scène a en quelque sorte une maladie professionnelle. Comme un paveur qui a mal aux genoux ou un développeur informatique qui souffre de TMS. Mais chez les musiciens, il y a quelque chose en plus, a découvert Esther. « Pour un musicien, être musicien n’est pas seulement un métier. C’est aussi une passion, un mode de vie. Être musicien n’est pas un job, vous êtes musicien. Faire de la musique touche, chez un musicien, de très près à son “être”. Si un musicien fait une erreur sur scène, il peut le vivre comme un échec en tant que personne. » Les problèmes psychiques chez les musiciens ne sont donc pas une maladie professionnelle “comme les autres”. « Dans beaucoup d’autres métiers, on peut chercher un autre type de travail si le métier actuel crée des problèmes. Pour les musiciens, c’est très différent. Vous ne pouvez pas dire simplement à un musicien : peut-être devriez-vous choisir une autre voie », explique Esther. Esther voit beaucoup de cas d’angoisse de scène dite traumatique. « Le musicien a eu une fois un mauvais concert ou a fait une grosse erreur. Chez certaines personnes, cette expérience traumatique n’est pas correctement stockée dans le cerveau. Et à chaque concert suivant, le souvenir revient et l’angoisse de scène apparaît. Ce qu’on voit aussi, c’est que certains musiciens étaient déjà très nerveux, et qu’après une mauvaise expérience, cela empire. » L’angoisse de scène présente un large éventail de symptômes. Cela peut commencer bien avant un concert : nervosité, parfois au point de vomir, de ne plus dormir et d’avoir des troubles gastro-intestinaux. Une fois sur scène, l’angoisse peut se manifester par une attaque de panique : tremblements, transpiration, bouche sèche, palpitations et peur de devenir fou ou de mourir. « Il arrive même que des personnes, prises de panique, s’enfuient de la scène », sait Esther. L’angoisse de scène a aussi des effets à long terme. Des personnes se déclarent malades et restent longtemps hors circuit. Elles sortent à peine. Elles n’osent plus passer d’auditions et finissent, contraintes, dans un circuit de petits cachets mal payés. Le stress peut aussi provoquer toutes sortes de plaintes physiques. Bref : une vraie galère.

Se traite bien

Heureusement, la majorité des musiciens souffrant d’angoisse de scène et d’autres problèmes psychiques se traite bien, d’après l’expérience d’Esther. « Parfois, je prescris temporairement un traitement pour stabiliser les personnes. La thérapie par la parole ou d’autres approches fonctionnent ensuite mieux. Au final, on arrive à faire refonctionner la plupart des musiciens, même si, chez certains, une sensibilité persiste. » Jusqu’ici, nous avons parlé de la partie “lourde” : l’angoisse de scène qui nuit au fonctionnement du musicien et pour laquelle il peut être prudent de chercher une aide professionnelle. Mais que pouvez-vous faire contre le “trac ordinaire”, c’est-à-dire les nerfs avant un concert ? Certains musiciens en souffrent fortement, au point de jouer moins bien qu’ils ne le voudraient. Esther a plusieurs conseils : « Il est important de créer une situation qui soit sûre pour vous. Pour cela, il faut être bien préparé et connaître les morceaux sur le bout des doigts. Comme ça, au moins, cela ne pourra pas rater à cause de ça. Il est aussi important de travailler chez vous à l’heure à laquelle vous devrez jouer : votre corps peut réagir très différemment le matin ou le soir. » Elle poursuit : « Assurez-vous aussi d’être bien reposé, que votre corps se sente bien, et que votre respiration soit calme avant de monter sur scène. Faites en sorte, pendant le concert, de ne pas être pris au dépourvu par des choses que vous n’aviez pas anticipées. Arrivez donc à l’heure, afin d’avoir le temps d’observer la situation sur place. Prenez aussi le temps pour une bonne balance. Et, tout aussi important : osez accepter que vous soyez un peu moins performant si les circonstances sont défavorables. Par exemple, il est difficile de jouer avec un mauvais retour sur scène. Si vous ne pouvez rien y faire sur le moment, essayez d’en tirer le meilleur. Acceptez que vous ayez fait ce que vous pouviez, et ne le vivez pas comme un échec personnel. »

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