D'abord les paroles ou d'abord la musique ? Voici comment commencer une chanson

D’abord les paroles ou d’abord la musique : tout auteur-compositeur débutant finit un jour par poser cette question à un collègue plus expérimenté. La réponse est généralement décevante : peu importe par où vous commencez, pourvu que vous commenciez, car une chanson ne prend forme qu’à force d’allers-retours entre les mots et les notes. Pourtant, chaque point de départ a ses propres pièges.

Les paroles d’abord : le plus difficile en premier

J’ai encore chez moi un petit cahier de mes années d’étudiant, rempli de textes qui n’ont jamais trouvé leur mélodie. De très beaux vers, pensais-je à l’époque. Seulement, c’étaient des poèmes, pas des chansons. C’est le risque quand on commence par les paroles : rien ne vous freine, alors vous écrivez trop. Des phrases de quatorze syllabes, des couplets de six vers, et il faut ensuite trouver une mélodie capable de porter tout cela.

Pourtant, de grands noms travaillent ainsi. Willie Nelson commencerait par les mots et ne prendrait sa guitare qu’ensuite ; il appelle cela lui-même faire le plus difficile en premier. Elton John et Bernie Taupin fonctionnent de cette manière depuis le début de leur carrière : Taupin écrit les paroles, John les met en musique. L’avantage : vous savez exactement ce que vous voulez dire avant même qu’un seul accord ne résonne, et la musique se met au service de l’histoire.

Mais observez ce qui se passe réellement. Écrire un texte complet avant de chercher la musique, c’est assez rare en pratique. Bien plus souvent, il y a un bout de texte, puis un bout de mélodie, puis vous rayez et ajustez jusqu’à ce que tout s’emboîte. Les paroles d’abord, c’est rarement des paroles terminées.

La musique d’abord : des fondations sur lesquelles bâtir

Si vous commencez avec une guitare ou un piano sur les genoux, vous obtenez une grille d’accords en une minute et une mélodie de chant en la-la-la en cinq minutes. C’est agréable, et ce sont de vraies fondations : le tempo, l’ambiance et la longueur des phrases sont fixés. Beaucoup d’auteurs travaillent ainsi, et dans le monde de la pop, c’est même un métier à part entière : le producteur crée le beat et les accords, le topliner y pose la mélodie et les paroles.

Le piège se cache dans ce la-la-la. Une mélodie arrivée en premier a déjà décidé du nombre de syllabes par vers et de l’endroit où tombe l’accent. Vous cherchez des mots qui rentrent plutôt que des mots qui disent quelque chose, et avant même de vous en rendre compte, « amour » rime encore avec « toujours ». C’est alors la musique qui dicte le contenu. Décidez donc à l’avance, même sur un sous-bock, de quoi parle la chanson ; si vous bloquez, ce sera votre chemin de retour.

Le titre comme point de départ

Il existe une troisième voie, que l’on oublie parfois : commencer par un titre. Une phrase captée dans le train, ou une remarque d’un ami qui vous trotte dans la tête. Un tel titre n’est ni un texte ni de la musique, mais il possède déjà un rythme et une atmosphère. Prononcez-le plusieurs fois à voix haute et vous entendrez souvent déjà où le refrain doit aller.

Le grand avantage, c’est la direction. Un titre vous oblige à savoir de quoi parle la chanson, précisément le point où les paroliers s’égarent et que les compositeurs n’atteignent jamais. L’inconvénient : un bon titre ne fait pas encore une bonne chanson. J’en ai des dizaines qui ne sont jamais allés plus loin que cette seule ligne, parce que le reste n’y était pas.

Ce que tous les points de départ ont en commun : l’idée disparaît plus vite qu’elle n’est venue. Une mélodie que vous entendez le soir au lit s’est envolée le lendemain matin. C’est pourquoi tel auteur garde un carnet dans la poche de sa chemise, tandis que tel autre enregistre tout sur son téléphone. Peu importe la méthode, du moment que cela se fait en moins de dix secondes.

J’aimerais pourtant vous titiller avec une citation de Stephen King : « A writer’s notebook is the best way in the world to immortalize bad ideas. My idea about a good idea is one that sticks around and sticks around and sticks around. » En d’autres termes, faites confiance aux bonnes idées pour refaire surface dans votre esprit au moment où vous en avez besoin ; un carnet ne ferait que gêner ce processus. Vous êtes d’accord ? J’ai hâte de lire vos idées… 🙂

Adapter un texte à une mélodie existante

Tôt ou tard, vous aurez des mots et une mélodie qui ne s’entendent pas. Écrire devient alors un travail de tailleur : reprendre, élargir, et parfois couper une manche. Pat Pattison, qui enseigne à Berklee depuis les années soixante-dix et y a décortiqué les textes de Joni Mitchell, Paul Simon et Leonard Cohen, appelle ce principe la prosodie : tout dans une chanson, de la longueur des vers au schéma de rimes en passant par le rythme harmonique, doit aller dans le même sens que le message.

Pensez par exemple à « stable » ou « instable ». Un couplet avec un nombre pair de vers de même longueur, un schéma de rimes net comme ABAB et des phrases qui commencent sur le premier temps : c’est stable. Cela devient instable avec un nombre impair de vers, un dernier vers qui sort du lot, une rime décalée comme ABBA et des phrases qui démarrent après le premier temps. Votre texte parle de « rentrer chez soi » ? Optez pour la stabilité. Il parle du « doute » ? Rendez-le instable. La forme et le fond doivent raconter la même chose.

En pratique : chantez la mélodie en la-la-la et écoutez où tombent les notes longues et les temps forts. C’est là que doivent se placer les mots les plus importants, avec leur accent tonique au bon endroit (si une syllabe faible tombe sur un temps fort, vous l’entendez tout de suite, comme lorsque quelqu’un écorche votre nom). Déplacez les mots jusqu’à ce que tout colle. Et un beau vers qui ne rentre vraiment pas, gardez-le tout simplement pour une prochaine chanson. Mon petit cahier en est rempli.

Outils pratiques pour écrire des chansons : de la guitare bon marché à la groovebox

Le meilleur instrument pour écrire, c’est celui qui se trouve à portée de main. Une guitare classique bon marché posée sur le canapé ou un clavier compact sur la table de la cuisine l’emporte sur le piano hors de prix. Pas de câbles, pas de temps de démarrage, pas d’excuse. Une idée qui vous vient en cuisinant, vous l’essayez aussitôt, avant qu’elle ne s’évapore.

Par ailleurs, un looper et une groovebox valent vraiment la peine d’être essayés. Avec un looper, vous enregistrez une grille d’accords qui tourne en boucle à l’infini, ce qui vous libère les mains pour fredonner une mélodie ou chanter un texte par-dessus. Une groovebox fait la même chose avec des beats et des lignes de basse. L’expérience montre que cela fonctionne comme une source d’inspiration instantanée : un rythme qui continue de tourner vous oblige à y réagir, et c’est justement là que naissent les vers que vous n’auriez jamais trouvés assis à une table silencieuse.

Mon propre déclic, ce fut un clavier MIDI d’occasion doté d’une rangée de pads de batterie, avec la version allégée gratuite du DAW fourni avec. Ce type de logiciel DAW est souvent inclus avec un contrôleur, et pour écrire, une version allégée suffit largement. Vous tapez un beat sur les pads, ajoutez quelques accords en dessous, lancez la lecture en boucle et chantez par-dessus. Ce qui ne marche pas, vous le jetez. Ce qui marche est déjà enregistré. Bon nombre de claviers MIDI sont si compacts qu’ils tiennent dans votre sac à dos avec votre ordinateur portable.

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