8 erreurs à éviter quand on commence en tant qu'artiste musical

Le blogueur invité Guillaume de Lophem, est auteur-compositeur-interprète en chanson française et coach d’artistes musicaux. Au début de son parcours d’artiste, il a dépensé beaucoup de temps et d’argent en développant sa carrière par essais erreurs. C’est ce que font la plupart des artistes musicaux avant de se faire épauler pour développer leur carrière musicale. Voyons ensemble comment échapper aux pièges des débutants pour grandir et vivre de votre art de manière optimale.

1. Ne pas être dans le rythme, savoir chanter, jouer d’un instrument, écrire

Il y a des bases auxquelles on ne peut pas déroger quand on veut faire de la musique son métier. Être un autodidacte est génial mais cela a ses limites. Il est conseillé, quand vous avez votre première maquette de la faire écouter à des professionnels (à Méthode Chanson, par exemple) pour vous donner un retour sincère. A vous de leur demander franchement si tout est au point. Voici quelques exemples qui pourraient faire défaut :

Beaucoup d’interprètes ne se rendent pas compte qu’ils ne respirent pas bien, que leurs notes ne sont pas tout à fait justes, qu’ils ne sont pas en rythme. Il est conseillé aux musiciens de faire la même analyse car c’est toujours un atout supplémentaire de pouvoir faire des chœurs dans les projets musicaux.
Certains musiciens ne conscientisent pas qu’ils sont à côté du rythme car ils n’utilisent tout simplement pas le clic pour s’exercer et être dans le temps, ils restent bloqués à un certain stade d’apprentissage de leur instrument ou ont développé des mauvaises habitudes de jeux car ils n’ont pas eu de cours donnés par des professionnels.
Des auteurs utilisent des clichés dans leurs textes, ils n’ont pas connaissance des règles à suivre pour qu’un texte soit chanté et puisse s’intégrer avec la musique.

Pour toutes ces raisons, un coach, un manager, un attaché de presse, un professeur de chant, de musique, un parolier, etc., vous seront d’une aide précieuse.

2. Ne pas chercher à être libre financièrement

En tant qu’artiste débutant, vous ne vous souciez peut-être pas de vos conditions financières. Vous vivez de peu ou êtes encore aidés par vos parents. C’est un atout, d’un côté, car cela vous permet d’avoir la flexibilité de pouvoir vous intégrer facilement dans des projets et d’avoir du temps à consacrer à votre art. Mais il serait judicieux de penser assez rapidement à obtenir votre statut d’intermittent (en France), d’artiste (en Belgique) ou d’avoir au moins un travail à temps partiel. Cela vous permettra de pouvoir continuer à exercer votre musique à long terme, d’avoir des ressources pour vous acheter le matériel nécessaire, de pouvoir vous nourrir, vous loger, de construire votre vie. Si vous ne le faites pas, vous serez bloqués à un moment donné et cette situation pourra être source de paupérisation, d’insécurité et de stress.

3. Ne pas faire d’investissements malins

Le but de vos actions est de jouir de votre art mais aussi de pouvoir en vivre. Il est donc conseillé de faire un calcul entre vos dépenses et vos recettes. Il y a beaucoup d’artistes qui creusent leur propre dette dès le début. Ils dépensent 5000€, voir plus dans leur premier clip musical, font un concert très éloigné à fonds perdus devant un pelé et trois tondus et dépensent tout dans la production de leur album, pour ne citer que ces exemples. Vous devriez dépenser moins pour rentrer au moins dans vos frais. Voyons comment résoudre ces manquements :

Si vous lancez quatre singles, il vous sera impossible de suivre la cadence financière en faisant pour chaque chanson un clip à 5000€. Vous pouvez, par exemple, faire une captation live avec votre chanson ajoutée au montage en « playback » et essayer de faire deux clips en une journée pour un montant de 2000€.
Au lieu de dépenser du temps et de l’essence pour un concert à rentabilité faible, utilisez votre énergie à faire un carton en direct sur un média social tel que YouTube par exemple. La chance d’être repéré par un professionnel dans un vieux bar perdu relève du miracle.
N’oubliez pas de garder de l’argent pour votre promotion, qui est aussi importante que la production de votre album. Avoir un magnifique album qui reste inconnu est un gâchis.

4. Ne pas utiliser le storytelling

Il est important d’avoir une image forte auprès de votre public et des professionnels. A vous de faire l’exercice du storytelling. Il s’agit de raconter une histoire autour d’un produit. Le produit, c’est vous et votre production musicale. Il y a tellement de productions aujourd’hui que vous devez créer un attachement émotionnel par votre identité musicale et artistique. A vous de vous démarquer par un angle de vue différent, une prouesse technique, la création d’un personnage ou en étant authentique (épreuves et expérience personnelle).

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5. Ne pas faire de promotion

L’époque où un artiste se faisait connaître uniquement en jouant en concert est révolue. Vous devez faire votre promotion avec les technologies actuelles. Avoir un site Web est très important pour pouvoir présenter votre univers artistique de manière complète, sans être contraint par la mise en page d’une autre plateforme. Vous la façonnez comme vous le souhaitez car vous en êtes le propriétaire. Il est conseillé de vous représenter sur toutes les plateformes d’aujourd’hui ; TikTok, Facebook, YouTube, etc. Un artiste doit faire du référencement organique et payant. Il doit être continuellement présent, de manière régulière, pour développer sa fanbase. Un moyen pour les toucher davantage et de les fidéliser est d’utiliser la mailing list dans laquelle vous allez partager votre univers de manière unique. Il faut également jouer le jeu des médias et leur proposer votre univers via le storytelling.

6. Ne pas faire de liste Excel de ses contacts

Si vous devez faire votre promotion, vous devez être organisé. A vous de répertorier tous vos contacts pour la promotion (attachés de presse, programmateurs radio, blogueurs, webzines, journaux, etc.) et des concerts (bookeurs, cafés-théâtres, bars musicaux, salles polyvalentes, centres culturels, festivals, etc.). Cela prend du temps au début mais cela vous permet d’en gagner beaucoup par la suite. Vous pourrez également copier ces fichiers dans un autre projet Excel dans lequel vous ferez le suivi de vos prises de contact (jour de premier contact, commentaires, suivi, réponse oui ou non, si oui : où, comment, conditions, etc.). Avoir un agenda et le respecter va également vous aider et vous positionner en tant que professionnel.

7. Ne pas analyser ses statistiques

Analyser votre audience via Google Analytics ou les algorithmes de votre site Web et de vos réseaux sociaux va vous permettre d’identifier le genre de public qui s’intéresse à votre musique. Informez-vous sur leur âge, leur origine géographique, ce qu’ils apprécient, etc. Si vous avez de nouveaux fans, demandez-leur comment ils ont entendu parler de vous et comment ils trouvent vos créations. Grâce aux informations à votre disposition, vous pourrez affiner progressivement votre stratégie marketing.

8. Ne pas vouloir être entouré de professionnels

Cela rejoint le premier point de l’article. A un moment donné il sera bon pour vous de vous épauler via du coaching, une équipe qui sera à votre écoute pour vous alléger et vous développer de manière optimale (un coach, un manager, un attaché de presse, un professeur de chant, de rythme, de musique, etc.). On est toujours plus fort ensemble. Cela ne veut pas dire qu’il faut brûler les étapes et vouloir tout de suite être signé dans un label. Les labels, surtout les petits, sont en difficulté aujourd’hui à cause des changements dans le monde musical. La plupart du temps, s’ils n’ont pas de gros moyens, ils vous proposeront un contrat peu avantageux. Il est donc conseillé d’attendre que vous n’ayez pas besoin d’eux et créant une grande émulation autour de votre projet. Une fois que c’est le cas, vous pourrez négocier avec les gros poissons.

Avez-vous aimé l’article ? Avez-vous commis l’une de ses erreurs ? Si oui, comment y avez-vous remédié ? Avez-vous d’autres erreurs à éviter ? Partagez votre avis dans un commentaire en bas de cet article !

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Blogueur invité Guillaume de Lophem (Méthode Chanson)

Guillaume de Lophem est le fondateur de Méthode Chanson, une solution interactive et une communauté d’entraide qui aident les artistes en herbe et professionnels qui veulent aller plus loin et plus vite dans la concrétisation de leurs projets musicaux. On vous accompagne dans ce que vous avez envie de faire sur le plan artistique, que vous ayez envie de rester à la maison ou de faire le tour du monde. Soyez un artiste à votre façon.

Méthode Chanson vous permet de ne plus vous sentir seul dans la construction de votre écosystème et de pouvoir vous concentrer sur votre création. Cela pour avoir plus de liberté. On vous y accompagne pas à pas via du coaching personnalisé et des formations en ligne. Si vous souhaitez être coaché pour écrire une chanson, améliorer votre rythme, votre voix, réaliser votre album musical, faire un concert, concrétiser votre site et vos réseaux sociaux, pour vos démarches administratives, au niveau de votre planning, de votre marketing, avoir des contacts, trouver des musiciens, techniciens, etc. n’hésitez pas à nous y rejoindre ! Vous y trouverez des conseils de pros, pas à pas, de la page blanche à la diffusion de votre musique !